Há uma razão para todas essas canções Ramones começarem com “1-2-3-4! – e também uma razão pela qual o Capitão Beefheart se enfureceu contra a “grande batida do coração da mamã”. Para quem cresceu na América no século passado, 4/4 metros tem sido o núcleo da música popular – rock, pop, rap, blues, gospel, até às suas origens na África Ocidental. Ergo, desistir de uma única batida de duas barras de 4/4 é como um carro com três rodas e meia: difícil de dirigir, cheio de solavancos desconfortáveis, uma mistura do inesperado e do convincente. Quando uma banda toca em 7/4 ou 7/8 (para não-nerds, basta contar “1-2-3-4-5-6-7,” ou qualquer combinação matemática como “1-2, 1-2, 1-2-3″) – parece uma agulha de disco tropeçando sobre um pedaço de pó ou terminando um movimento de dança com um tornozelo enrolado.
A explosão inicial de 7 do Rock veio pouco depois do momento em que ficou claro que esta coisa gordurosa de criança não era apenas para dirigir, dançar e protestar. Embarcadas pelas ambições épicas do marco dos Beatles em 1967, Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band, as bandas de rock começaram a imbuir a sua música com todos os adereços de música clássica e de arte, incluindo as assinaturas de Mussorgsky, Stravinsky e Ravel. Os Beatles fizeram o seu próprio trabalho em 7 (“All You Need Is Love”) e os barões do rock Progam seguiram naturalmente o exemplo – Sim, Soft Machine, Pink Floyd, Genesis, Gentle Giant.
Nos anos 70 e 80, New Wave weirdos como Devo, Blondie, the Police, and the Pretenders imbuíram suas canções com 7, adicionando uma camada extra de alienação off-kilter. As bandas do grunge boom dos anos 90 cresceram girando aqueles punks, mas eles também adoraram o abandono de Led Zeppelin (que usou 7 no “The Ocean” de 1973), uma influência mais provável para os riffs mucky de Alice In Chains, Soundgarden, e Nirvana (que flertou com 7 na submissão Kill Rock Stars “Beeswax”). Bandas modernas como Battles (“Ddiamondd”) e Animal Collective (“What Would I Want? Sky”) mantêm o 7 banner voando, assim como todas as bandas de math-rock, mathcore, progressive metal e death metal técnico que vivem de turnarounds complicados.
Foi há 25 anos atrás – 8 de março de 1994 – que Soundgarden lançou seu quarto álbum, Superunknown. O álbum estava cheio de assinaturas de tempo incomuns (por Wikipedia: “‘Fell On Black Days’ está em 6/4, ‘Limo Wreck’ é tocado em 15/8, ‘My Wave’ alterna entre 5/4 e 4/4, e ‘The Day I Tried to Live’ alterna entre 7/8 e 4/4 secções”). E o LP foi precedido pelo single de chumbo “Spoonman”, cujo riff principal foi, é claro, em 7. No mesmo dia, o Nine Inch Nails lançou seu segundo álbum, The Downward Spiral. O single principal desse LP, “March Of The Pigs”, também foi em 7.
Então estamos celebrando um quarto de século de Superunknown e The Downward Spiral, classificando um número ímpar de músicas usando um medidor séptuplo. Aqui estão os 17 melhores usos das 7 magníficas.
King Crimson – “Frame By Frame” (1981)
The ne plus ultra of Sixties prog voltou nos anos oitenta com um corte de cabelo New Wave. Isso também significou reforçar o alinhamento com o colaborador Talking Heads/Bowie Adrian Belew e Chapman Stick tapmaster Tony Levin. Longe do programa pastoral de In The Court Of The Crimson King “Frame By Frame” surgiu como música gamelan indonésia ou uma reescrita art-rock de uma experiência da fase Steve Reich. O cofundador do King Crimson Robert Fripp conheceu Belew em um concerto de Steve Reich em Nova York, no qual ele participou com David Bowie. Como isso é legal?
Frank Zappa &The Mothers Of Invention – “Flower Punk” (1968)
The Summer Of Love não foi nem um ano no retrovisor e Frank Zappa já estava fazendo pisstakes brilhantes, transformando a versão de “Hey Joe” do Garage-banger das Leaves em jibes satíricos de “part-time punks” e um ping-pong epiléptico de terror 7/8. (Parece mais a versão deles do que a versão tornada famosa por Jimi Hendrix – um amigo Zappa que aparece em carne e osso na capa do álbum correspondente de “Flower Punk”, We’re Only In It For the Money). Os vocais acelerados de “Flower Punk” apontam para Ween, sua carga matemática-punk pode ser ouvida em bandas como Dillinger Escape Plan, e a própria frase “flower punk” acabaria sendo adotada pelos Black Lips.
Alice In Chains – “Them Bones” (1993)
“Lembro-me daquela que me chateava porque era uma melodia bastante simples de metal”, disse o baterista Sean Kinney ao Music Radar. “Lembro-me de ficar bastante frustrado, derrubando a bateria e me perguntando o que eu poderia fazer lá. Demorou um pouco para perceber e torná-la mais única do que poderia ter sido.” “Them Bones” e o seu riff de 7/8 de parede seguiram o single “Would?” do Singles como o próximo sabor de grunge landmark Dirt, o álbum que Alice In Chains apresentou o lado mais feio e dopesick da banda que teve um sucesso com “Man in the Box”. “As coisas fora do tempo são mais excitantes”, disse o guitarrista Jerry Cantrell dos Alice In Chains, “apanha-se as pessoas de surpresa quando se mudam de marcha assim antes mesmo de saberem o que raio os atingiu.”
Toadies – “Possum Kingdom” (1994)
Este clássico gótico gótico assustador e ensanguentado do sul foi inspirado no actual Possum Kingdom Lake, encontrado na cidade natal dos Toadies, Fort Worth, Texas. “Essa música é sobre um personagem que está meio preso em outro mundo, flutuando ao redor de Possum Kingdom Lake”, disse o líder Todd Lewis. “Ele está sozinho e assustado e só quer atrair outra pessoa para o seu pequeno reino”. Esse cara quer convencer outra pessoa a fazer o que fez, que é queimar-se vivo para poder ser essa outra coisa”. Ele disse que estava lendo muito Stephen King na época.
Pink Floyd – “Money” (1973)
“e criou uma progressão de 4/4 para o solo de guitarra e fez o pobre saxofonista tocar em 7/4”, lembra David Gilmour sobre este clássico de Floyd do colega de banda Roger Waters. Facilmente o riff 7/4 mais famoso da história do rock, esta pequena peça de Dark Side Of The Moon foi o maior sucesso de um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos.
Bulgarian State Radio & Television Female Vocal Choir – “Erghan Diado” (1975)
Não há falta de música balcânica em 7/4, com muitas danças folclóricas búlgaras a dependerem de metros septuplos. No entanto, nenhuma música balcânica cativou a América como a Rádio Estatal Búlgara & Televisão Coro Vocal Feminino, cujo álbum reverberante e assombroso Le Mystère Des Voix Bulgares, foi uma tranquila revelação de dissonância e beleza no seu lançamento em 1975 – e uma pequena sensação quando reeditado pelo 4AD e Nonesuch em 1987.
Rush – “Tom Sawyer” (1981)
Provavelmente a melhor música pop de um bando de punhetas, colocando uma fórmula funcional para bandas como Primus, Extreme, e King’s X. A introdução da música Oberheim no space-noise aparece sobre o wild funky 4/4 de Neil Peart, por isso é naturalmente adorado por turntablists como DJ QBert e Mix Master Mike. A canção muda para 7/4 em cerca de 90 segundos para um instrumento rosnado e a maior parte do solo de guitarra rasgante.
Radiohead – “Paranoid Android” (1997)
Com seu tempo de execução épico, falta de refrão discernível, mudanças musicais, retórica anti-capitalista, e smatterings de 7/4 acústico e elétrico, o primeiro single do OK Computer foi o anúncio oficial de que os mope-darlings staid alt-rock atrás de “Creep” e “Fake Plastic Trees” tinham circuitos maiores para fritar. “As pessoas pensavam que era prog, mas prog sempre se levou tão a sério”, disse o guitarrista do Radiohead Ed O’Brien à Rolling Stone. “E ‘Paranoid Android’, há uma espécie de mensagem séria lá dentro, mas é uma espécie de cartoon.”
The Pretenders – “Tattooed Love Boys” (1980)
Wrote Pretenders vocalist/guitarrista Chrissie Hynde no seu livro de memórias: “Na altura estranha do “Tattooed Love Boys”, mais tarde admitiu que tinha acabado de se aguentar. Como ele não podia contar, ele apenas seguiu os acordes, adicionando notas de chiming e esperando que soasse como se ele estivesse em cima dele. Os resultados foram mágicos”. “Tattooed Love Boys” é uma locomotiva punk rock que anda com barras alternadas de 7 e 8 nos versos. Mais tarde Hynde revelaria que a sua letra intensa e enigmática foi inspirada por uma agressão sexual.
Soundgarden – “Spoonman” (1994)
Para o seu primeiro single gravado no outro lado da alternância pós-Nevermind, Soundgarden apenas aumentou a estranheza da sua riffage off-kilter. Os 7 metros dos versos de “Outshined” agora espalhados pela maioria de uma música, o baterista Matt Cameron adicionou a percussão clanking pot-‘n’-pan, o artista de rua Artis The Spoonman tocou um solo de colher e o vídeo musical de Jeffrey Plansker sem nenhuma performance da banda.
Peter Gabriel – “Solsbury Hill” (1977)
Foi o primeiro single de Gabriel depois de deixar o prog-rock titans Genesis e, bem … Você pode tirar o gênio pop da banda prog, mas você não pode tirar o prog do gênio pop. “Esse ritmo 7/4 funciona bem porque parece um ritmo normal, mas não é bem assim”, disse Peter Gabriel à revista Sounds. “Não é como um ritmo inteligente, apenas um pouco estranho. Vai ser interessante ver como as pessoas dançam para ele”. Não está claro se ou como as pessoas dançaram ao “Solsbury Hill”, mas certamente levaram a isso, abobadando a estranha melodia pastoral do Top 20 do Reino Unido. Ele teve maiores sucessos nas três décadas de sua carreira solo que se seguiram, mas “Solsbury Hill” foi um clip de filme e – de acordo com as estatísticas do setlist.fm – continua sendo a canção mais tocada no Live Ourve de Gabriel.
Soundgarden – “Outshined” (1991)
“Você sabe o que há de estranho nisso? Nos primeiros tempos, com Chris , escrevemos coisas assim”, disse Kim Thayil à Rolling Stone”. Quando pusemos o Scott na banda, ele não conseguia tocar as coisas em 7. Ele gosta de Hendrix e Santana, então ele tem ótimos grooves em quatro. E depois entra o Matt e podia fazer coisas assim. Nós escrevemos aos pontos fortes dos nossos bateristas.” O riff de 7 riffs e os tambores cheios de sabor de “Outshined” fariam desta música um sucesso suave na rádio e MTV, mas a frase de Chris Cornell “I’m looking California/ And feeling Minnesota” seria uma das suas características mais duradouras, imortalizada num caper Keanu Reeves/Cameron Diaz de 1996.
Pregos de nove polegadas – “March Of The Pigs” (1994)
Uma besta ferida, com uma única bala de chumbo, o riff básico “March Of The Pigs” combina três medidas de 7 com uma de 8. Apesar de o baterista Chris Vrenna colocar em uma performance bravata tanto no videoclipe quanto no emocionante e destrutivo set do NIN Woodstock ’94, a batida de cabeça e boggle foi na verdade um truque de estúdio. “Nós fizemos coisas com a bateria que eu não sei se alguém realmente fez”, disse Trent Reznor ao Spin. “Provamos bateria em estéreo com microfones estéreo e descobrimos que se você tocá-los em teclados, parece que você está sentado atrás da bateria de verdade. Em ‘March Of The Pigs’… não há bateria ao vivo, mas aludia a ser real porque não soava como uma máquina. Não há como alguém poder tocar assim. E ainda acrescentou uma espécie de foda mental”
Led Zeppelin – “The Ocean” (1973)
“Este foi outro em que a bateria simplesmente soou incrível”, disse o produtor Eddie Kramer. “Algumas das coisas que Jimmy lhe pediu para fazer em Led Zeppelin … era uma merda complicada, e Jimmy teria que passar por ela com ele algumas vezes. Mas uma vez trancado, uma vez que ele sabia exatamente o que tinha que tocar, então ele fodia com isso e te enchia a cabeça, colocava um recheio onde você não esperava. Estávamos todos a rir porque era uma loucura”. Quanto mais perto do álbum mais divertido de Zep, Houses Of The Holy, tem um riff Jimmy Page 8+7 tão clássico que os Beasties tiveram de o pedir emprestado – e depois Robert Plant pediu-o de volta.
Devo – “Jocko Homo” (1978)
É uma canção robo-punk que soa como uma banda a cair das escadas, mas serve como uma declaração de missão para os homens mecânicos favoritos de Ohio: esticados, desorientados, desumanizados, sardónicos. Detalhando sua teoria de “de-evolução”, “Jocko Homo” foi uma das primeiras canções que Jerry Casale escreveu para Devo, seguindo as discussões que o grupo teve depois do tiroteio de 1970 no Kent State. “Nós tocávamos ‘Jocko Homo’ por 30 minutos, e não parávamos até que as pessoas estivessem realmente brigando conosco, tentando nos fazer parar de tocar a música”, disse o vocalista de Devo Mark Mothersbaugh ao Onion AV Club. “Nós simplesmente continuávamos: ‘Não somos homens? Somos Devo!’ por uns 25 minutos, dirigidos às pessoas de uma maneira agressiva o suficiente para que até o hippie mais amante da paz quisesse atirar punhos. Estávamos num vórtice de energia negativa, em meados dos anos 70.” Grito especial para o fã de Devo “Weird Al” Yankovic por endireitá-lo em 4/4 na sua primeira polka medley gravada, “Polkas On 45”, em 1984.
Blondie – “Heart Of Glass” (1978)
Banda punk, música de disco, prog turnaround … sucesso pop? “As pessoas ficaram nervosas e zangadas por trazermos influências diferentes para o rock”, disse Debbie Harry, do Blondie, ao The Guardian. “Apesar de termos coberto ‘Lady Marmalade’ e ‘I Feel Love’ em shows, muita gente ficou brava conosco por ‘irmos à discoteca’ com ‘Heart Of Glass’.” Embora acabasse como um sucesso pop número um e um clássico icônico da New Wave, “Heart Of Glass” aparentemente não foi um grande sucesso em discotecas de verdade. Provavelmente não ajudou que houvesse um truque subversivo no meio da melodia para manter qualquer um dançando nos dedos dos pés: Cerca de dois minutos depois da versão do álbum (ou 2:13 nas 12 polegadas), a banda parte da onipresente, toda importante, gênero-definindo quatro no chão para três compassos de step-stumbling 7.
The Beatles – “All You Need Is Love” (1967)
“Por causa do clima da época, parecia ser uma ótima idéia fazer aquela música”, disse George Harrison sobre “All You Need Is Love”, apresentada durante o primeiro programa global de satélite ao vivo, transmitido enquanto o mundo se recuperava da Guerra dos Seis Dias no Oriente Médio e navegava no morro do Vietnã. “Pensámos: “Bem, vamos cantar “tudo o que precisas é de amor”, porque é uma espécie de relações públicas subtis para Deus, basicamente.” Continua a ser um dos sentimentos mais universais e indeléveis da música popular, mas “Tudo o que precisa é de amor” foi entregue numa apresentação pouco ortodoxa: Embora o refrão seja como uma música de fogueira (“All together now!” “Everybody!”), os versos se enroscam com a marcha de 7 tropeções. Apenas semanas após o lançamento da Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, a maior banda de rock do mundo representou a Grã-Bretanha no Our World, o primeiro programa de televisão global. A BBC disse à Fab Four para manter sua nova música simples o suficiente para um mundo atento. Enquanto eles certamente ouviram seus conselhos sobre o refrão icônico, os Beatles e o produtor George Martin garantiram que a embalagem barroca fosse tudo menos simples – uma orquestra de 13 membros, trechos de Bach e Glenn Miller e um arranjo único com medidas de 7 em cada verso. Elvis Costello chamou-lhe uma “canção popular do Norte da Inglaterra” quando a interpretou no Live Aid, mas acabou por se endireitar para um 4/4 mais manejável, mais adequado a um canto de arena.
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