Il y a une raison pour laquelle toutes ces chansons des Ramones commencent par « 1-2-3-4 ! ». – et aussi une raison pour laquelle Captain Beefheart s’est déchaîné contre le « big mama heartbeat ». Pour quiconque a grandi en Amérique au siècle dernier, la mesure 4/4 est au cœur de la musique populaire – rock, pop, rap, blues, gospel, depuis leurs origines en Afrique occidentale. Par conséquent, enlever un seul temps de deux mesures de 4/4, c’est comme une voiture avec trois roues et demie : difficile à conduire, plein de bosses inconfortables, un mélange d’inattendu et d’irrésistible. Lorsqu’un groupe joue en 7/4 ou 7/8 (pour les non-initiés, il suffit de compter » 1-2-3-4-5-6-7 « , ou n’importe quelle combinaison mathématique comme » 1-2, 1-2, 1-2-3″) – on a l’impression que l’aiguille d’un disque trébuche sur un morceau de poussière ou qu’elle termine un mouvement de danse avec une cheville roulée.
Le boom initial du 7 dans le rock est survenu très peu de temps après le moment où il est devenu clair que ce truc de gamin gras n’était pas seulement destiné à conduire, danser et protester. Encouragés par les ambitions épiques de Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band des Beatles en 1967, les groupes de rock ont commencé à imprégner leur musique de tous les attributs de la musique classique et artistique, y compris les signatures temporelles changeantes de Moussorgsky, Stravinsky et Ravel. Les Beatles ont fait leur propre tâtonnement en 7 (« All You Need Is Love ») et les barons du rock progressif de la boursouflure ont naturellement suivi – Yes, Soft Machine, Pink Floyd, Genesis, Gentle Giant.
Dans les années 70 et 80, les bizarres de la New Wave comme Devo, Blondie, The Police et les Pretenders ont imprégné leurs chansons de 7, ajoutant une couche supplémentaire d’aliénation décalée. Les groupes du boom grunge des années 90 ont grandi en écoutant ces punks, mais ils ont aussi aimé les embardées de Led Zeppelin (qui a utilisé le 7 dans « The Ocean » en 1973), une influence plus probable pour les riffs gluants d’Alice In Chains, Soundgarden et Nirvana (qui a flirté avec le 7 sur « Beeswax », une soumission de Kill Rock Stars). Les groupes art-indie modernes comme Battles (« Ddiamondd ») et Animal Collective (« What Would I Want ? Sky ») maintiennent la bannière 7, ainsi que tous les groupes de math-rock, mathcore, metal progressif et death metal technique qui vivent de retournements délicats.
Il y a 25 ans aujourd’hui – le 8 mars 1994 – que Soundgarden a sorti son quatrième album, Superunknown. L’album était rempli de signatures temporelles inhabituelles (selon Wikipédia : « ‘Fell On Black Days’ est en 6/4, ‘Limo Wreck’ est joué en 15/8, ‘My Wave’ alterne entre 5/4 et 4/4, et ‘The Day I Tried to Live’ alterne entre 7/8 et 4/4 sections »). Et le LP était précédé du single « Spoonman », dont le riff principal était, bien sûr, en 7. Le même jour, Nine Inch Nails a sorti son deuxième album The Downward Spiral. Le single principal de cet album, « March Of The Pigs », était également en 7.
Nous célébrons donc un quart de siècle de Superunknown et de The Downward Spiral en classant un nombre impair de chansons utilisant le septuple mètre. Voici les 17 meilleures utilisations du magnifique 7.
King Crimson – « Frame By Frame » (1981)
Le ne plus ultra du prog des années 60 est revenu dans les années 80 avec une coupe de cheveux new wave. Cela signifiait aussi renforcer la formation avec Adrian Belew, collaborateur de Talking Heads/Bowie, et Tony Levin, maître d’hôtel de Chapman Stick. Loin du prog pastoral de In The Court Of The Crimson King, « Frame By Frame » a émergé comme une musique de gamelan indonésienne ou une réécriture art-rock d’une expérience de phase de Steve Reich. Le cofondateur de King Crimson, Robert Fripp, a en fait rencontré Belew lors d’un concert de Steve Reich à New York auquel il avait assisté avec David Bowie. C’est pas cool ça ?
Frank Zappa & The Mothers Of Invention – « Flower Punk » (1968)
Le Summer Of Love n’avait même pas un an dans le rétroviseur et Frank Zappa faisait déjà de brillantes piques, transformant la version garage-banger de « Hey Joe » des Leaves en railleries satiriques sur les « punks à temps partiel » et en un ping-pong épileptique de terreur à 7/8. (Cela ressemble plus à leur version qu’à celle rendue célèbre par Jimi Hendrix – un ami de Zappa qui apparaît en chair et en os sur la couverture de l’album correspondant à « Flower Punk », We’re Only In It For the Money). Les voix accélérées de « Flower Punk » pointent vers Ween, sa charge math-punk peut être entendue dans des groupes comme Dillinger Escape Plan, et l’expression « flower punk » elle-même sera finalement adoptée par Black Lips.
Alice In Chains – « Them Bones » (1993)
« Je me souviens que celui-là m’énervait parce que c’était une sorte de morceau assez direct aux accents métalliques », a déclaré le batteur Sean Kinney à Music Radar. « Je me souviens avoir été assez frustré, avoir renversé la batterie et m’être demandé ce que je pouvais faire là. Il a fallu un peu de temps pour le comprendre et le rendre plus unique qu’il n’aurait pu l’être. » « Them Bones » et son riff à 7/8 qui fait mouche ont suivi le single « Would ? », qui a été le prochain morceau du grunge Dirt, l’album sur lequel Alice In Chains a présenté le côté le plus laid et le plus dopé du groupe qui a connu un succès avec « Man in the Box ». « Les trucs hors du temps sont juste plus excitants », a déclaré Jerry Cantrell, guitariste d’Alice in Chains, « ça prend les gens par surprise quand vous changez de vitesse comme ça avant même qu’ils ne sachent ce qui les a frappés. »
Toadies – « Possum Kingdom » (1994)
Ce classique de grunge-pop gothique du Sud, glauque et imprégné de meurtre, a été inspiré par le véritable lac Possum Kingdom, que l’on trouve dans la ville natale des Toadies, Fort Worth, au Texas. « Cette chanson parle d’un personnage qui est en quelque sorte coincé dans un autre monde, flottant autour du lac Possum Kingdom », a déclaré le leader Todd Lewis. « Il est seul et effrayé et veut attirer quelqu’un d’autre dans son petit royaume. Ce type veut convaincre quelqu’un d’autre de faire ce qu’il a fait, c’est-à-dire de se brûler vif pour devenir cette autre chose. » Il a dit qu’il lisait beaucoup de Stephen King à l’époque.
Pink Floyd – « Money » (1973)
« e créa une progression 4/4 pour le solo de guitare et fit jouer le pauvre saxophoniste en 7/4 », se souvient David Gilmour à propos de ce classique des Floyd par son coéquipier Roger Waters. Facilement le riff 7/4 le plus célèbre de l’histoire du rock, ce petit morceau de Dark Side Of The Moon a été le plus grand succès au hit-parade de l’un des albums les plus vendus de tous les temps.
Chœur vocal féminin de la Radio d’État bulgare & Télévision – « Erghan Diado » (1975)
La musique des Balkans en 7/4 ne manque pas, de nombreuses danses folkloriques bulgares s’appuyant sur le mètre septuple. Cependant, aucune musique balkanique n’a captivé l’Amérique tout à fait comme le Chœur vocal féminin de la Radio d’État bulgare & Télévision, dont l’album réverbérant et obsédant Le Mystère Des Voix Bulgares, a été une révélation tranquille de dissonance et de beauté lors de sa sortie en 1975 – et une petite sensation lors de sa réédition par 4AD et Nonesuch en 1987.
Rush – « Tom Sawyer » (1981)
Probablement la meilleure chanson pop d’un groupe de branleurs, établissant une formule réalisable pour des groupes comme Primus, Extreme, et King’s X. L’intro du bruit spatial Oberheim de la chanson apparaît sur le 4/4 funky sauvage de Neil Peart, donc naturellement elle est adorée par les tourneurs comme DJ QBert et Mix Master Mike. La chanson passe en 7/4 environ 90 secondes pour un instrumental grondant et la majeure partie du solo de guitare déchirant.
Radiohead – « Paranoid Android » (1997)
Avec sa durée épique, son absence de refrain discernable, ses changements musicaux, sa rhétorique anticapitaliste et ses éclats de 7/4 acoustique et électrique, le premier single d’OK Computer a été l’annonce officielle que les mope-darlings statiques de l’alt-rock derrière « Creep » et « Fake Plastic Trees » avaient de plus gros circuits à faire frire. « Les gens pensaient que c’était du prog, mais le prog s’est toujours pris tellement au sérieux », a déclaré Ed O’Brien, guitariste de Radiohead, à Rolling Stone. « Et ‘Paranoid Android’, il y a une sorte de message sérieux là-dedans, mais c’est un peu comme un dessin animé. »
The Pretenders – « Tattooed Love Boys » (1980)
Ecrit la chanteuse/guitariste des Pretenders, Chrissie Hynde, dans ses mémoires : « Sur le timing étrange de l’éraillé ‘Tattooed Love Boys’, il a admis plus tard qu’il s’était juste accroché. Comme il ne pouvait pas compter, il s’est contenté de suivre les accords, en ajoutant des notes de carillon et en espérant que ça sonnerait comme s’il était au top. Le résultat était magique. » « Tattooed Love Boys » est un punk rock locomotive qui roule avec des mesures alternées de 7 et 8 dans les couplets. Plus tard, Hynde révélera que ses paroles intenses et énigmatiques ont été inspirées par une agression sexuelle.
Soundgarden – « Spoonman » (1994)
Pour leur premier single enregistré de l’autre côté de l’alterna-boom post-Nevermind, Soundgarden n’a fait qu’augmenter la bizarrerie de leur riffage décalé. Les 7 mètres des couplets de « Outshined » s’étalent désormais sur la majorité d’une chanson, le batteur Matt Cameron a ajouté des percussions cliquetantes de type pot-‘n’-pan, l’artiste de rue Artis The Spoonman a joué un solo de cuillère de et le clip de Jeffrey Plansker ne présentant aucune performance du groupe.
Peter Gabriel – « Solsbury Hill » (1977)
C’était le premier single de Gabriel après avoir quitté les titans du prog-rock Genesis et, bien… Vous pouvez retirer le génie pop du groupe prog, mais vous ne pouvez pas retirer le prog du génie pop. « Ce rythme 7/4 fonctionne bien parce qu’il ressemble à un rythme normal, mais il n’est pas tout à fait exact », a déclaré Peter Gabriel au magazine Sounds. « Ce n’est pas un rythme intelligent, juste un peu bizarre. Il sera intéressant de voir comment les gens dansent dessus. » On ne sait pas si ou comment les gens ont dansé sur « Solsbury Hill », mais ils l’ont certainement fait, propulsant cet air étrange et pastoral au Top 20 britannique. Il a eu de plus grands succès dans les trois décennies de sa carrière solo qui ont suivi, mais « Solsbury Hill » était un incontournable des bandes-annonces de films et – selon les statistiques de setlist.fm – reste la chanson la plus jouée dans l’oeurve live de Gabriel.
Soundgarden – « Outshined » (1991)
« Vous savez ce qui est étrange à ce sujet ? Au début, avec Chris , on écrivait des trucs comme ça », a déclaré Kim Thayil à Rolling Stone. » Quand on a intégré Scott dans le groupe, il ne pouvait pas jouer ces trucs en 7. Il est à fond dans Hendrix et Santana, donc il a de super grooves en 4. Et puis Matt est arrivé et il pouvait faire des trucs comme ça. On a écrit en fonction des forces de nos batteurs. » Le riff burly 7 et la batterie remplie de fioritures de bon goût de « Outshined » feraient de cette chanson un léger succès à travers les radios rock et MTV, mais la ligne de Chris Cornell « I’m looking California/ And feeling Minnesota » s’avérerait être l’un de ses traits les plus durables, immortalisé dans une câpre de 1996 de Keanu Reeves/Cameron Diaz.
Nine Inch Nails – « March Of The Pigs » (1994)
Bête noueuse et blessée d’un single principal, le riff de base « March Of The Pigs » fait correspondre trois mesures de 7 avec une de 8. Bien que le batteur Chris Vrenna fasse preuve d’une grande bravade dans le clip et dans le concert de NIN à Woodstock 94, le battement de la batterie est en fait une astuce de studio. « Nous avons fait des choses avec les tambours que je ne sais pas si quelqu’un a vraiment fait », a déclaré Trent Reznor à Spin. « Nous avons échantillonné des tambours en stéréo avec des micros stéréo et nous avons découvert que si vous les jouez sur des claviers, cela donne l’impression que vous êtes assis derrière les tambours pour de vrai ». Sur ‘March Of The Pigs’… il n’y a pas de batterie réelle, mais elle semblait être réelle parce qu’elle ne sonnait pas comme une machine. C’était impossible que quelqu’un puisse jouer comme ça. Ça ajoutait encore une sorte d’esprit de merde à ça. »
Led Zeppelin – « The Ocean » (1973)
« C’était une autre où les tambours sonnent juste incroyablement bien », a déclaré le producteur Eddie Kramer. « Certains des trucs que Jimmy lui a demandé de faire dans Led Zeppelin… c’était de la merde compliquée, et Jimmy devait les passer en revue avec lui plusieurs fois. Mais une fois qu’il avait verrouillé, une fois qu’il savait précisément ce qu’il devait jouer, il s’en foutait et vous époustouflait, mettait un remplissage là où vous ne vous y attendiez pas. On riait tous parce que c’était complètement fou. » Le closing de l’album le plus funky de Zep, Houses Of The Holy, comporte un riff 8+7 de Jimmy Page si classique que les Beasties ont dû l’emprunter – puis Robert Plant l’a emprunté en retour.
Devo – « Jocko Homo » (1978)
C’est une chanson robo-punk qui sonne comme un groupe tombant dans l’escalier, mais elle sert de déclaration de mission pour les hommes mécaniques préférés de l’Ohio : tendue, désorientante, déshumanisée, sardonique. Détaillant leur théorie de la « dé-évolution », « Jocko Homo » a été l’une des premières chansons que Jerry Casale a écrites pour Devo, suite aux discussions que le groupe a eues après la fusillade de 1970 à Kent State. On jouait « Jocko Homo » pendant 30 minutes, et on ne s’arrêtait que lorsque les gens se battaient avec nous, pour qu’on arrête de jouer la chanson », a déclaré Mark Mothersbaugh, chanteur de Devo, à l’Onion AV Club. « On n’arrêtait pas de dire : « On n’est pas des hommes ? Nous sommes Devo ! » pendant 25 minutes, en s’adressant aux gens d’une manière suffisamment agressive pour que même le hippie le plus pacifique ait envie de donner des coups de poing. On était dans un vortex d’énergie négative au milieu des années 70. » Un coup de chapeau spécial à « Weird Al » Yankovic, fan de Devo, pour l’avoir redressé en 4/4 sur son premier medley de polka enregistré, « Polkas On 45 », en 1984.
Blondie – « Heart Of Glass » (1978)
Groupe punk, chanson disco, revirement prog… succès pop ? « Les gens étaient nerveux et en colère à l’idée que nous apportions des influences différentes au rock », a déclaré Debbie Harry, de Blondie, au Guardian. « Bien que nous ayons repris ‘Lady Marmalade’ et ‘I Feel Love’ lors de concerts, beaucoup de gens nous en voulaient de ‘faire du disco’ avec ‘Heart Of Glass’. » Bien qu’il soit devenu un tube pop numéro un et un classique emblématique de la New Wave, « Heart Of Glass » n’a apparemment pas connu un grand succès dans les discothèques. Le fait qu’il y ait une astuce subversive au milieu de la chanson pour faire danser tout le monde n’a probablement pas aidé : Environ deux minutes après le début de la version album (ou 2:13 sur le 12 pouces), le groupe abandonne la pulsation omniprésente et importante du disco, qui définit le genre, pour trois mesures de step-stumbling 7.
The Beatles – « All You Need Is Love » (1967)
« En raison de l’ambiance de l’époque, cela semblait être une excellente idée de faire cette chanson », a déclaré George Harrison à propos de « All You Need Is Love », interprétée lors de la toute première émission satellite mondiale en direct, diffusée alors que le monde se remettait de la guerre des Six Jours au Moyen-Orient et naviguait dans le marasme du Vietnam. On s’est dit : « On va juste chanter « all you need is love », parce que c’est une sorte de RP subtile pour Dieu, en fait ». Il reste l’un des sentiments les plus universels et indélébiles de la musique populaire, mais « All You Need Is Love » a été livré dans une présentation peu orthodoxe : Bien que le refrain ressemble à un air de feu de camp (« All together now ! » « Everybody ! »), les couplets se gonflent de la démarche trébuchante de 7. Quelques semaines seulement après la sortie de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, le plus grand groupe de rock du monde représentait la Grande-Bretagne sur Our World, la première émission télévisée mondiale. La BBC aurait dit aux Fab Four de garder leur nouvelle chanson assez simple pour un monde qui regarde. S’ils ont certainement tenu compte de leur conseil pour le refrain emblématique, les Beatles et le producteur George Martin ont veillé à ce que l’emballage baroque soit tout sauf simple : un orchestre de 13 musiciens, des bribes de Bach et de Glenn Miller et un arrangement unique avec des mesures de 7 dans chaque couplet. Elvis Costello l’a appelée une « chanson folklorique du nord de l’Angleterre » lorsqu’il l’a interprétée au Live Aid, mais a fini par la redresser en un 4/4 plus gérable et plus adapté à un chant d’arène.
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