Es gibt einen Grund, warum all diese Ramones-Songs mit „1-2-3-4!“ beginnen. – und es gibt auch einen Grund, warum Captain Beefheart gegen den „big mama heartbeat“ wetterte. Für jeden, der im letzten Jahrhundert in Amerika aufgewachsen ist, war der 4/4-Takt das Herzstück der populären Musik – Rock, Pop, Rap, Blues, Gospel, bis hin zu ihren Ursprüngen in Westafrika. Ergo ist das Abschneiden eines einzelnen Taktes von zwei Takten des 4/4-Taktes wie ein Auto mit dreieinhalb Rädern: schwierig zu fahren, voller unangenehmer Unebenheiten, eine Mischung aus Unerwartetem und Zwingendem. Wenn eine Band im 7/4- oder 7/8-Takt spielt (für Nichtkenner: zählen Sie einfach „1-2-3-4-5-6-7“ oder eine beliebige mathematische Kombination wie „1-2, 1-2, 1-2-3″), fühlt sich das an wie eine Schallplattennadel, die über ein Staubkorn stolpert oder einen Tanzschritt mit einem umgeknickten Knöchel beendet.
Der anfängliche Boom des 7/4-Rocks kam kurz nach dem Moment, als klar wurde, dass dieser schmierige Kinderkram nicht nur zum Autofahren, Tanzen und Protestieren geeignet war. Ermutigt durch die epischen Ambitionen des 1967 erschienenen Meilensteins der Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band, begannen Rockbands, ihre Musik mit all den hochtrabenden Merkmalen der klassischen und künstlerischen Musik zu versehen, einschließlich der wechselnden Taktarten von Mussorgsky, Strawinsky und Ravel. Die Beatles versuchten sich ebenfalls an 7 („All You Need Is Love“), und die Barone des Prog-Rock folgten natürlich – Yes, Soft Machine, Pink Floyd, Genesis, Gentle Giant.
In den 70er und 80er Jahren füllten New-Wave-Spinner wie Devo, Blondie, The Police und die Pretenders ihre Songs mit 7 und fügten so eine zusätzliche Ebene der schrägen Entfremdung hinzu. Die Bands des Grunge-Booms der 90er Jahre wuchsen mit diesen Punks auf, aber sie liebten auch die schrägen Töne von Led Zeppelin (die die 7 in „The Ocean“ von 1973 verwendeten), ein wahrscheinlicherer Einfluss für die schmutzigen Riffs von Alice In Chains, Soundgarden und Nirvana (die bei „Beeswax“ von Kill Rock Stars mit der 7 flirteten). Moderne Art-Indie-Bands wie Battles („Ddiamondd“) und Animal Collective („What Would I Want? Sky“) halten die 7-Fahne hoch, ebenso wie all die Math-Rock-, Mathcore-, Progressive-Metal- und Technical-Death-Metal-Bands, die von kniffligen Turnarounds leben.
Heute vor 25 Jahren – am 8. März 1994 – veröffentlichten Soundgarden ihr viertes Album, Superunknown. Das Album war voll von ungewöhnlichen Taktarten (laut Wikipedia: „Fell On Black Days‘ ist im 6/4-Takt, ‚Limo Wreck‘ wird im 15/8-Takt gespielt, ‚My Wave‘ wechselt zwischen 5/4- und 4/4-Takt, und ‚The Day I Tried to Live‘ wechselt zwischen 7/8- und 4/4-Teilen“). Und der LP ging die Leadsingle „Spoonman“ voraus, deren Hauptriff natürlich in 7 war. Am selben Tag veröffentlichten die Nine Inch Nails ihr zweites Album The Downward Spiral. Die erste Single dieses Albums, „March Of The Pigs“, war ebenfalls im 7er-Takt.
Um ein Vierteljahrhundert Superunknown und The Downward Spiral zu feiern, haben wir eine ungerade Anzahl von Liedern im Septupel-Meter bewertet. Hier sind die 17 besten Verwendungen der großartigen 7.
King Crimson – „Frame By Frame“ (1981)
Das Nonplusultra des Prog der Sechziger kehrte in den Achtzigern mit einem New Wave Haarschnitt zurück. Das bedeutete auch, dass die Besetzung mit Talking Heads/Bowie-Kollaborateur Adrian Belew und Chapman Stick-Tapmaster Tony Levin aufgestockt wurde. Weit entfernt vom pastoralen Prog von In The Court Of The Crimson King entstand „Frame By Frame“ wie indonesische Gamelan-Musik oder eine Art-Rock-Neuauflage eines Steve Reich-Phasenexperiments. King Crimson-Mitbegründer Robert Fripp lernte Belew bei einem Steve Reich-Konzert in New York kennen, das er zusammen mit David Bowie besuchte. Wie cool ist das denn?
Frank Zappa & The Mothers Of Invention – „Flower Punk“ (1968)
Der Summer Of Love war noch nicht einmal ein Jahr alt und Frank Zappa machte schon brillante Pissakes, indem er die Garagenknaller-Version von „Hey Joe“ der Leaves in satirische „Teilzeit-Punks“-Witze und ein epileptisches Ping-Pong des 7/8-Terrors verwandelte. (Es klingt mehr nach ihrer Version als nach der Version, die Jimi Hendrix berühmt gemacht hat – ein Zappa-Kumpel, der leibhaftig auf dem Cover des dazugehörigen „Flower Punk“-Albums „We’re Only In It For the Money“ zu sehen ist). Der beschleunigte Gesang von „Flower Punk“ deutet auf Ween hin, seine Math-Punk-Ladung ist bei Bands wie Dillinger Escape Plan zu hören, und der Begriff „Flower Punk“ selbst wurde schließlich von Black Lips übernommen.
Alice In Chains – „Them Bones“ (1993)
„Ich erinnere mich, dass mich dieser Song ziemlich genervt hat, weil er eine ziemlich geradlinige, metallisch angehauchte Melodie war“, sagte Schlagzeuger Sean Kinney gegenüber Music Radar. „Ich erinnere mich, dass ich ziemlich frustriert war, das Schlagzeug umgeworfen habe und mich fragte, was ich da machen könnte. Es hat ein bisschen gedauert, bis ich es herausgefunden habe und es einzigartiger gemacht habe, als es hätte sein können.“ „Them Bones“ und sein wuchtiges 7/8-Riff folgten auf die Single „Would?“ als nächster Vorgeschmack auf das Grunge-Wahrzeichen „Dirt“, das Album, auf dem Alice In Chains die hässlichere, dümmere Seite der Band präsentierten, die mit „Man in the Box“ einen Hit hatte. „Das Off-Time-Zeug ist einfach aufregender“, sagte Alice In Chains-Gitarrist Jerry Cantrell, „es überrascht die Leute, wenn man so einen Gang runterschaltet, bevor sie überhaupt wissen, was ihnen passiert ist.“
Toadies – „Possum Kingdom“ (1994)
Dieser gruselige, mordgetränkte Südstaaten-Gothic-Grunge-Pop-Klassiker wurde durch den Possum Kingdom Lake inspiriert, der sich in der Heimatstadt der Toadies, Fort Worth, Texas, befindet. „Der Song handelt von einer Figur, die irgendwie in einer anderen Welt feststeckt und am Possum Kingdom Lake herumschwimmt“, sagt Sänger Todd Lewis. „Er ist einsam und ausgeflippt und will einfach nur jemand anderen in sein kleines Reich locken. Dieser Typ will andere davon überzeugen, das zu tun, was er getan hat, nämlich sich selbst bei lebendigem Leib zu verbrennen, um dieses andere Ding zu sein.“ Er sagte, er habe damals viel Stephen King gelesen.
Pink Floyd – „Money“ (1973)
„Wir haben eine 4/4-Progression für das Gitarrensolo geschaffen und den armen Saxophonisten im 7/4-Takt spielen lassen“, erinnerte sich David Gilmour an diesen Floyd-Klassiker von Bandkollege Roger Waters. Das wohl berühmteste 7/4-Riff der Rockgeschichte, dieses kleine Stück von Dark Side Of The Moon, war der größte Chart-Hit eines der meistverkauften Alben aller Zeiten.
Bulgarischer Staatlicher Rundfunk & Fernsehfrauenchor – „Erghan Diado“ (1975)
Es gibt keinen Mangel an Balkanmusik im 7/4-Takt, viele bulgarische Volkstänze beruhen auf dem Septupel-Takt. Doch keine Balkanmusik hat Amerika so sehr in ihren Bann gezogen wie der bulgarische Staatliche & Fernsehfrauenchor, dessen hallendes, eindringliches Album Le Mystère Des Voix Bulgares bei seiner Veröffentlichung 1975 eine stille Offenbarung der Dissonanz und Schönheit war – und eine kleine Sensation, als es 1987 von 4AD und Nonesuch wiederveröffentlicht wurde.
Rush – „Tom Sawyer“ (1981)
Wahrscheinlich der beste Popsong einer Schar von Chops Wanks, der eine brauchbare Formel für Bands wie Primus, Extreme und King’s X lieferte. Das Oberheim-Space-Noise-Intro des Songs erscheint über Neil Pearts wildem, funkigem 4/4-Takt, und so ist es nur natürlich, dass er von Turntablists wie DJ QBert und Mix Master Mike geliebt wird. Der Song wechselt nach etwa 90 Sekunden in den 7/4-Takt für ein knurrendes Instrumental und den größten Teil des mitreißenden Gitarrensolos.
Radiohead – „Paranoid Android“ (1997)
Mit seiner epischen Laufzeit, dem Fehlen eines erkennbaren Refrains, den musikalischen Veränderungen, der antikapitalistischen Rhetorik und den Einsprengseln von akustischem und elektrischem 7/4 war die erste Single von OK Computer die offizielle Ankündigung, dass die behäbigen Alt-Rock-Muffel hinter „Creep“ und „Fake Plastic Trees“ größere Pläne hatten. „Die Leute dachten, es sei Prog, aber Prog hat sich immer so ernst genommen“, sagte Radiohead-Gitarrist Ed O’Brien dem Rolling Stone. „Und ‚Paranoid Android‘ hat eine ernste Botschaft, aber es ist irgendwie cartoonartig.“
The Pretenders – „Tattooed Love Boys“ (1980)
Schrieb Pretenders-Sängerin/Gitarristin Chrissie Hynde in ihren Memoiren: „Über das merkwürdige Timing von ‚Tattooed Love Boys‘ gab er später zu, dass er einfach nur dabei war. Da er nicht mitzählen konnte, folgte er einfach den Akkorden, fügte läutende Noten hinzu und hoffte, dass es sich so anhören würde, als hätte er es im Griff. Das Ergebnis war magisch.“ „Tattooed Love Boys“ ist lokaler Punkrock, der mit abwechselnden 7er- und 8er-Takten in den Strophen reitet. Später enthüllte Hynde, dass der intensive, rätselhafte Text von einem sexuellen Übergriff inspiriert wurde.
Soundgarden – „Spoonman“ (1994)
Für ihre erste Single, die auf der anderen Seite des Post-Nevermind-Alternativbooms aufgenommen wurde, steigerten Soundgarden nur die Verrücktheit ihrer schrägen Riffs. Die 7-Meter-Strophen von „Outshined“ erstrecken sich nun über den größten Teil des Songs, Schlagzeuger Matt Cameron fügte klirrende Pot-’n‘-Pan-Percussion hinzu, Straßenkünstler Artis The Spoonman spielte ein Löffel-Solo aus und das Jeffrey Plansker-Musikvideo zeigte keinerlei Bandperformance.
Peter Gabriel – „Solsbury Hill“ (1977)
Es war Gabriels erste Single, nachdem er die Prog-Rock-Titanen Genesis verlassen hatte, und, nun ja … Man kann das Pop-Genie aus der Prog-Band herausnehmen, aber man kann das Prog nicht aus dem Pop-Genie herausnehmen. „Dieser 7/4-Rhythmus funktioniert gut, weil er sich wie ein normaler Rhythmus anfühlt, aber nicht ganz richtig ist“, sagte Peter Gabriel dem Magazin Sounds. „Es ist kein cleverer Rhythmus, nur ein bisschen seltsam. Es wird interessant sein, zu sehen, wie die Leute dazu tanzen.“ Es ist nicht klar, ob oder wie die Leute zu „Solsbury Hill“ tanzten, aber sie taten es auf jeden Fall und brachten das seltsame, pastorale Stück in die britischen Top 20. In den drei Jahrzehnten seiner Solokarriere, die folgten, hatte er größere Chart-Hits, aber „Solsbury Hill“ war eine feste Größe in Filmtrailern und bleibt – laut setlist.fm-Statistiken – der meistgespielte Song in Gabriels Live-Oeuvre.
Soundgarden – „Outshined“ (1991)
„Weißt du, was daran seltsam ist? In den frühen Tagen, mit Chris, haben wir solche Sachen geschrieben“, sagte Kim Thayil dem Rolling Stone.“ Als wir Scott in die Band holten, konnte er das Zeug in 7 nicht spielen. Er steht auf Hendrix und Santana, also hat er tolle Grooves in vier. Und dann kam Matt dazu und konnte solche Sachen machen. Wir haben uns nach den Stärken unserer Schlagzeuger gerichtet. Das stämmige 7er-Riff und das geschmackvoll verschnörkelte Schlagzeug von „Outshined“ machten den Song zu einem kleinen Hit im Rockradio und auf MTV, aber Chris Cornells Zeile „I’m looking California/ And feeling Minnesota“ sollte sich als eine der beständigsten Eigenschaften herausstellen, die in einem Keanu Reeves/Cameron Diaz-Kapern von 1996 verewigt wurde.
Nine Inch Nails – „March Of The Pigs“ (1994)
Ein knorriges, verwundetes Biest von einer Leadsingle, das Grundriff „March Of The Pigs“ verbindet drei 7er-Takte mit einem 8er-Takt. Obwohl Schlagzeuger Chris Vrenna sowohl im Musikvideo als auch in NINs aufregendem, zerstörerischem, schlammverschmiertem Woodstock ’94-Set eine bravouröse Leistung abliefert, war der kopfschüttelnde Beat eigentlich ein Studiotrick. „Wir haben Dinge mit dem Schlagzeug gemacht, von denen ich nicht weiß, ob sie schon mal jemand gemacht hat“, so Trent Reznor gegenüber Spin. „Wir haben das Schlagzeug in Stereo mit Stereomikrofonen gesampelt und herausgefunden, dass es sich anhört, als säße man wirklich hinter dem Schlagzeug, wenn man es auf den Keyboards spielt. Auf ‚March Of The Pigs‘ … gibt es kein Live-Schlagzeug, aber es klingt echt, weil es nicht wie eine Maschine klingt. Es war unmöglich, dass jemand das so spielen konnte.
Led Zeppelin – „The Ocean“ (1973)
„Das war ein weiteres Stück, bei dem das Schlagzeug einfach fantastisch klang“, sagte Produzent Eddie Kramer. „Einiges von dem, was Jimmy von ihm in Led Zeppelin verlangte … das war kompliziertes Zeug, und Jimmy musste es ein paar Mal mit ihm durchgehen. Aber wenn er erst einmal drin war, wenn er genau wusste, was er zu spielen hatte, dann hat er damit herumgealbert und dich umgehauen und ein Fill an einer Stelle eingebaut, wo du es nicht erwartet hättest. Wir haben alle gelacht, weil es einfach so verrückt war.“ Der Schlussteil von Zep’s funkigstem Album, Houses Of The Holy, enthält ein Jimmy Page’s 8+7 Riff, das so klassisch ist, dass die Beasties es sich ausleihen mussten – und Robert Plant es sich dann zurücklieh.
Devo – „Jocko Homo“ (1978)
Es ist ein Robo-Punk-Song, der wie eine Band klingt, die die Treppe hinunterfällt, aber er dient als Mission Statement für Ohios bevorzugte mechanische Männer: straff, desorientierend, entmenschlicht, sardonisch. Jocko Homo“ war einer der ersten Songs, die Jerry Casale für Devo schrieb, nachdem die Gruppe 1970 nach der Schießerei an der Kent State University darüber diskutiert hatte, wie ihre Theorie der „De-Evolution“ aussehen könnte. „Wir spielten ‚Jocko Homo‘ 30 Minuten lang und hörten erst auf, als die Leute mit uns kämpften und versuchten, uns dazu zu bringen, den Song nicht mehr zu spielen“, sagte Devo-Sänger Mark Mothersbaugh dem Onion AV Club. „Wir haben einfach immer wieder gesagt: ‚Sind wir keine Männer? Wir sind Devo!‘, etwa 25 Minuten lang, so aggressiv an die Leute gerichtet, dass selbst der friedliebendste Hippie die Fäuste schwingen wollte. Damals, Mitte der 70er Jahre, befanden wir uns in einem Strudel negativer Energie. Ein besonderer Gruß geht an Devo-Fan „Weird Al“ Yankovic, der ihn 1984 in seinem ersten aufgenommenen Polka-Medley „Polkas On 45“ in einen 4/4-Takt umwandelte.
Blondie – „Heart Of Glass“ (1978)
Punkband, Disco-Song, Prog-Wende … Pop-Erfolg? „Die Leute wurden nervös und wütend, weil wir andere Einflüsse in den Rock einbrachten“, sagte Debbie Harry von Blondie dem Guardian. „Obwohl wir bei unseren Auftritten ‚Lady Marmalade‘ und ‚I Feel Love‘ gecovert hatten, waren viele Leute sauer auf uns, weil wir mit ‚Heart Of Glass‘ in die Disco gingen.“ Obwohl es ein Nummer-Eins-Pop-Hit und ein ikonischer New-Wave-Klassiker werden sollte, war „Heart Of Glass“ in den Diskotheken offenbar kein großer Hit. Wahrscheinlich half es auch nicht, dass es in der Mitte des Liedes einen subversiven Trick gab, der jeden auf seinen sprichwörtlichen Zehen tanzen ließ: Etwa zwei Minuten nach der Albumversion (bzw. 2:13 auf der 12-Inch) unterbricht die Band den allgegenwärtigen, alles bestimmenden, das Genre definierenden „Four-on-the-floor“-Puls der Disco für drei Takte des „Step-stumbling 7“.
The Beatles – „All You Need Is Love“ (1967)
„Aufgrund der damaligen Stimmung schien es eine großartige Idee zu sein, diesen Song zu machen“, sagte George Harrison über „All You Need Is Love“, das während der ersten globalen Live-Satellitensendung überhaupt gespielt wurde, die ausgestrahlt wurde, während sich die Welt vom Sechs-Tage-Krieg im Nahen Osten erholte und im Morast von Vietnam navigierte. „Wir dachten uns, wir singen einfach ‚all you need is love‘, weil es im Grunde eine Art subtile PR für Gott ist. Es ist nach wie vor eines der universellsten und unauslöschlichsten Gefühle der Popmusik, aber „All You Need Is Love“ wurde in einer recht unorthodoxen Weise vorgetragen: Obwohl der Refrain wie eine Lagerfeuermelodie klingt („All together now!“ „Everybody!“), wölben sich die Strophen mit der stolpernden Gangart von 7. Nur wenige Wochen nach der Veröffentlichung von Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band vertrat die größte Rockband der Welt Großbritannien bei Our World, der ersten globalen Fernsehsendung. Die BBC soll den Fab Four gesagt haben, sie sollten ihren neuen Song so einfach halten, dass die Welt ihn sehen kann. Während sie ihren Rat beim ikonischen Refrain sicherlich befolgten, sorgten die Beatles und der Produzent George Martin dafür, dass die barocke Verpackung alles andere als einfach war – ein 13-köpfiges Orchester, Fetzen von Bach und Glenn Miller und ein einzigartiges Arrangement mit 7er-Takten in jeder Strophe. Elvis Costello nannte es einen „nordenglischen Folksong“, als er es bei Live Aid aufführte, aber am Ende wurde es zu einem handlicheren 4/4-Takt begradigt, der sich besser zum Mitsingen in einer Arena eignet.
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