Există un motiv pentru care toate cântecele Ramones încep cu „1-2-3-4!” – și, de asemenea, un motiv pentru care Captain Beefheart s-a dezlănțuit împotriva „big mama heartbeat”. Pentru oricine a crescut în America în ultimul secol, metrul 4/4 a fost nucleul muzicii populare – rock, pop, rap, blues, gospel, până la originile lor din Africa de Vest. Ergo, tăierea unei singure bătăi din două măsuri de 4/4 este ca o mașină cu trei roți și jumătate: greu de condus, plină de denivelări incomode, un amestec de neașteptat și convingător. Când o trupă cântă în 7/4 sau 7/8 (pentru neinițiați, numărați „1-2-3-4-4-5-6-7”, sau orice combinație matematică de genul „1-2, 1-2, 1-2, 1-2-3″) – se simte ca un ac de disc care se împiedică de o bucată de praf sau care termină o mișcare de dans cu o gleznă răsucită.
Primul boom inițial al rock-ului în 7 a venit la foarte scurt timp după momentul în care a devenit clar că această chestie de puști unsuros nu era doar pentru condus, dansat și proteste. Încurajate de ambițiile epice ale reperului Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band al trupei Beatles din 1967, trupele rock au început să își îmbrace muzica cu toate capcanele de înaltă ținută ale muzicii clasice și artistice, inclusiv semnăturile temporale schimbătoare ale lui Mussorgsky, Stravinsky și Ravel. The Beatles au făcut propriile lor incursiuni în 7 („All You Need Is Love”), iar baronii rock-ului progresiv au urmat în mod natural exemplul – Yes, Soft Machine, Pink Floyd, Genesis, Gentle Giant.
În anii ’70 și ’80, ciudățeniile New Wave precum Devo, Blondie, the Police și The Pretenders și-au îmbibat cântecele cu 7, adăugând un strat suplimentar de înstrăinare ciudată. Trupele din boom-ul grunge din anii ’90 au crescut cu acei punkiști, dar au iubit, de asemenea, și șovăiala celor de la Led Zeppelin (care au folosit 7 în piesa „The Ocean” din 1973), o influență mai probabilă pentru riff-urile murdare ale celor de la Alice In Chains, Soundgarden și Nirvana (care au cochetat cu 7 în piesa „Beeswax” a celor de la Kill Rock Stars). Trupele moderne art-indie precum Battles („Ddiamondd”) și Animal Collective („What Would I Want? Sky”) continuă să arboreze steagul 7, la fel ca și toate trupele de math-rock, mathcore, progressive metal și technical death metal care trăiesc din răsturnări de situație dificile.
Astăzi se împlinesc 25 de ani – 8 martie 1994 – când Soundgarden și-a lansat cel de-al patrulea album, Superunknown. Albumul a fost plin de semnături temporale neobișnuite (conform Wikipedia: „‘Fell On Black Days’ este în 6/4, ‘Limo Wreck’ este cântată în 15/8, ‘My Wave’ alternează între 5/4 și 4/4, iar ‘The Day I Tried to Live’ alternează între secțiuni 7/8 și 4/4”). Iar LP-ul a fost precedat de single-ul principal „Spoonman”, al cărui riff principal era, bineînțeles, în 7. În aceeași zi, Nine Inch Nails și-a lansat cel de-al doilea album, The Downward Spiral. Single-ul principal al acelui LP, „March Of The Pigs”, era și el în 7.
Așa că sărbătorim un sfert de secol de la Superunknown și The Downward Spiral prin clasificarea unui număr impar de melodii folosind metrul septuplu. Iată cele mai bune 17 utilizări ale magnificului 7.
King Crimson – „Frame By Frame” (1981)
Ne plus ultra al prog-ului din anii ’60 s-a întors în anii ’80 cu o tunsoare New Wave. Asta a însemnat, de asemenea, întărirea liniei cu Adrian Belew, colaborator Talking Heads/Bowie, și cu Tony Levin, maestrul de la Chapman Stick. Departe de prog-ul pastoral din In The Court Of The Crimson King, „Frame By Frame” a apărut ca o muzică gamelan indoneziană sau ca o rescriere art-rock a unui experiment de fază a lui Steve Reich. Cofondatorul King Crimson, Robert Fripp, l-a întâlnit de fapt pe Belew la un concert Steve Reich din New York la care a participat împreună cu David Bowie. Cât de mișto este asta?
Frank Zappa & The Mothers Of Invention – „Flower Punk” (1968)
Vara iubirii nu era nici măcar de un an în retrovizoare și Frank Zappa făcea deja pisstake-uri geniale, transformând versiunea garage-banger a lui The Leaves a piesei „Hey Joe” în glume satirice „part time punks” și un ping-pong epileptic de teroare 7/8. (Seamănă mai mult cu versiunea lor decât cu versiunea făcută celebră de Jimi Hendrix – un amic al lui Zappa care apare în carne și oase pe coperta albumului corespondent al lui „Flower Punk”, We’re Only In It For the Money). Vocea accelerată a lui „Flower Punk” indică mai departe spre Ween, încărcătura sa math-punk poate fi auzită în trupe precum Dillinger Escape Plan, iar sintagma „flower punk” însăși va fi adoptată în cele din urmă de Black Lips.
Alice In Chains – „Them Bones” (1993)
„Îmi amintesc că aceasta m-a enervat pentru că era un fel de melodie destul de directă, cu accente de metal”, a declarat toboșarul Sean Kinney pentru Music Radar. „Îmi amintesc că m-am simțit destul de frustrat, lovind tobele și întrebându-mă ce aș putea face acolo. A fost nevoie de puțin timp ca să-mi dau seama și să o fac mai unică decât ar fi putut fi.” „Them Bones” și riff-ul său zdrobitor în 7/8 a urmat single-ului „Would?” ca următoarea mostră a reperului grunge Dirt, albumul pe care Alice In Chains a prezentat latura mai urâtă și mai dodoloață a trupei care a avut un succes cu „Man in the Box”. „Lucrurile off-time sunt pur și simplu mai incitante”, a declarat chitaristul lui Alice in Chains, Jerry Cantrell, „îi ia pe oameni prin surprindere când schimbi vitezele în felul acesta înainte ca ei să știe ce naiba i-a lovit”.
Toadies – „Possum Kingdom” (1994)
Acest clasic gothic grunge-pop sudist înfiorător, îmbibat de crimă, a fost inspirat de adevăratul lac Possum Kingdom, aflat în orașul natal al trupei Toadies, Fort Worth, Texas. „Acest cântec este despre un personaj care este oarecum blocat într-o altă lume, plutind în jurul Possum Kingdom Lake”, a declarat liderul Todd Lewis. „Este singur și speriat și vrea doar să atragă pe altcineva în micul său tărâm. Acest tip vrea să convingă pe altcineva să facă ceea ce a făcut el, adică să își dea foc de viu pentru a fi acest alt lucru.” El a spus că citea mult Stephen King în acea perioadă.
Pink Floyd – „Money” (1973)
„e a creat o progresie în 4/4 pentru solo-ul de chitară și l-a făcut pe bietul saxofonist să cânte în 7/4”, și-a amintit David Gilmour despre acest clasic Floyd al colegului de trupă Roger Waters. Cu ușurință cel mai faimos riff în 7/4 din istoria rock-ului, această mică bucată din Dark Side Of The Moon a fost cel mai mare hit din topurile unuia dintre cele mai bine vândute albume din toate timpurile.
Bulgarian State Radio & Television Female Vocal Choir – „Erghan Diado” (1975)
Nu lipsește muzica balcanică în 7/4, multe dansuri populare bulgare bazându-se pe metrul septuplu. Cu toate acestea, nicio muzică balcanică nu a captivat America așa cum a făcut-o Corul Vocal Feminin al Radioului de Stat Bulgar & al Televiziunii de Stat &, al cărui album reverberant și obsedant, Le Mystère Des Voix Bulgares, a fost o revelație tăcută de disonanță și frumusețe la lansarea sa în 1975 – și o mică senzație atunci când a fost reeditat de 4AD și Nonesuch în 1987.
Rush – „Tom Sawyer” (1981)
Probabil cea mai bună melodie pop de la o gașcă de labagii de chops, stabilind o formulă viabilă pentru trupe precum Primus, Extreme și King’s X. Intro-ul de zgomot spațial Oberheim al cântecului apare peste 4/4 funky sălbatic al lui Neil Peart, așa că, în mod natural, este îndrăgit de turntablists precum DJ QBert și Mix Master Mike. Cântecul trece în 7/4 după aproximativ 90 de secunde pentru un instrumental grobian și cea mai mare parte a solo-ului de chitară sfâșietor.
Radiohead – „Paranoid Android” (1997)
Cu durata sa epică, lipsa unui refren perceptibil, schimbările muzicale, retorica anti-capitalistă și fragmente de 7/4 acustic și electric, primul single de la OK Computer a fost anunțul oficial că statornicii mop-darlings alt-rock din spatele lui „Creep” și „Fake Plastic Trees” aveau circuite mai mari de prăjit. „Oamenii au crezut că este prog, dar prog s-a luat întotdeauna atât de în serios”, a declarat chitaristul Radiohead, Ed O’Brien, pentru Rolling Stone. „Și „Paranoid Android”, există un fel de mesaj serios acolo, dar este ca un fel de desen animat.”
The Pretenders – „Tattooed Love Boys” (1980)
A scris vocalista/chitarista Pretenders Chrissie Hynde în memoriile sale: „Cu privire la momentul ciudat al piesei zdrențuite „Tattooed Love Boys”, a recunoscut mai târziu că doar a rezistat. Pentru că nu putea să o numere, a urmărit doar acordurile, adăugând note de chiming și sperând că va suna ca și cum ar fi fost deasupra ei. Rezultatele au fost magice”. „Tattooed Love Boys” este un punk rock de locomotivă care se plimbă cu măsuri alternante de 7 și 8 în versuri. Mai târziu, Hynde avea să dezvăluie că versurile sale intense și enigmatice au fost inspirate de o agresiune sexuală.
Soundgarden – „Spoonman” (1994)
Pentru primul lor single înregistrat de cealaltă parte a alternativului boom post-Nevermind, Soundgarden nu a făcut decât să sporească ciudățenia riffurilor lor off-kilter. Cei 7 metri de versuri din „Outshined” se întindeau acum pe cea mai mare parte a unui cântec, toboșarul Matt Cameron a adăugat percuție clănțănitoare de tip „pot-‘n’-pan”, artistul de stradă Artis The Spoonman a interpretat un solo de lingură din și videoclipul lui Jeffrey Plansker, care nu prezenta niciun fel de interpretare a trupei.
Peter Gabriel – „Solsbury Hill” (1977)
A fost primul single al lui Gabriel după ce a părăsit titanii prog-rock Genesis și, ei bine … Poți să scoți geniul pop din trupa prog, dar nu poți scoate prog din geniul pop. „Acel ritm 7/4 funcționează bine pentru că pare un ritm normal, dar nu este chiar corect”, a declarat Peter Gabriel pentru revista Sounds. „Nu este ca un ritm inteligent, ci doar un pic ciudat. Va fi interesant de văzut cum vor dansa oamenii pe el.” Nu este clar dacă sau cum au dansat oamenii pe „Solsbury Hill”, dar cu siguranță au fost încântați de ea, făcând ca această melodie ciudată și pastorală să ajungă în Top 20 în Marea Britanie. A avut hituri mai mari în cele trei decenii de carieră solo care au urmat, dar „Solsbury Hill” a fost o piesă de bază pentru trailerele de film și – conform statisticilor setlist.fm – rămâne cea mai cântată melodie din oeurve-ul live al lui Gabriel.
Soundgarden – „Outshined” (1991)
„Știi ce e ciudat la ea? La început, cu Chris , scriam chestii de genul ăsta”, a declarat Kim Thayil pentru Rolling Stone.” Când l-am adus pe Scott în trupă, el nu putea să cânte chestiile în 7. Lui îi place Hendrix și Santana, așa că are groove-uri grozave în 4. Apoi a venit Matt și a putut să facă chestii de genul ăsta. Am scris în funcție de punctele forte ale toboșarilor noștri.” Riff-ul robust de 7 și tobele pline de fiorituri de bun gust din „Outshined” aveau să facă din acest cântec un ușor hit la radiourile rock și la MTV, dar versul lui Chris Cornell „I’m looking California/ And feeling Minnesota” avea să se dovedească a fi una dintre cele mai durabile trăsături ale piesei, imortalizată într-un film de groază din 1996 cu Keanu Reeves/Cameron Diaz.
Nine Inch Nails – „March Of The Pigs” (1994)
O bestie noduroasă și rănită a unui single principal, riff-ul de bază „March Of The Pigs” potrivește trei măsuri de 7 cu una de 8. Deși toboșarul Chris Vrenna are o prestație plină de bravură atât în videoclipul muzical, cât și în setul emoționant, distructiv și plin de noroi al trupei NIN de la Woodstock ’94, ritmul de căpătâi a fost, de fapt, o șmecherie de studio. „Am făcut lucruri cu tobele pe care nu știu dacă le-a mai făcut cineva cu adevărat”, a declarat Trent Reznor pentru Spin. „Am eșantionat tobele în stereo cu microfoane stereo și am descoperit că, dacă le cânți la clape, sună ca și cum ai sta în spatele tobelor cu adevărat. Pe ‘March Of The Pigs’… nu există tobe live, dar a făcut aluzie la faptul că era reală pentru că nu suna ca o mașină. Nu se poate ca cineva să cânte așa ceva. A adăugat în continuare un fel de mind fuck la ea.”
Led Zeppelin – „The Ocean” (1973)
„Aceasta a fost o altă piesă în care tobele sună pur și simplu uimitor”, a spus producătorul Eddie Kramer. „Unele dintre lucrurile pe care Jimmy i-a cerut să le facă în Led Zeppelin … erau chestii complicate, iar Jimmy trebuia să le parcurgă cu el de câteva ori. Dar odată ce se bloca, odată ce știa exact ce trebuie să cânte, atunci își bătea joc de el și te lăsa cu gura căscată, punea un fill acolo unde nu te-ai fi așteptat. Râdeam cu toții pentru că era o nebunie.” Closer-ul celui mai funky album al celor de la Zep, Houses Of The Holy, conține un riff 8+7 al lui Jimmy Page atât de clasic încât Beasties a trebuit să îl împrumute – și apoi Robert Plant l-a împrumutat înapoi.
Devo – „Jocko Homo” (1978)
Este un cântec robo-punk care sună ca o trupă care cade pe scări, dar servește ca o declarație de misiune pentru oamenii mecanici preferați din Ohio: tensionat, dezorientant, dezumanizat, sardonic. Detaliind teoria lor despre „de-evoluție”, „Jocko Homo” a fost unul dintre primele cântece pe care Jerry Casale le-a scris pentru Devo, în urma discuțiilor pe care grupul le-a avut după împușcăturile din 1970 de la Kent State. „Cântam „Jocko Homo” timp de 30 de minute și nu ne opream până când oamenii nu se certau efectiv cu noi, încercând să ne facă să nu mai cântăm cântecul”, a declarat Mark Mothersbaugh, vocalistul Devo, pentru Onion AV Club. „Continuam să spunem: ‘Nu suntem bărbați? Noi suntem Devo!” timp de vreo 25 de minute, adresându-ne oamenilor într-o manieră suficient de agresivă încât chiar și cel mai pașnic hippie ar fi vrut să arunce cu pumnii. Eram într-un vortex de energie negativă la mijlocul anilor ’70.” O mențiune specială pentru fanul Devo, „Weird Al” Yankovic, pentru că a îndreptat-o în 4/4 în primul său medley de polka înregistrat, „Polkas On 45”, în 1984.
Blondie – „Heart Of Glass” (1978)
Formație punk, cântec disco, răsturnare prog … succes pop? „Oamenii au devenit nervoși și supărați că am adus influențe diferite în rock”, a declarat Debbie Harry de la Blondie pentru The Guardian. „Deși am preluat ‘Lady Marmalade’ și ‘I Feel Love’ la concerte, o mulțime de oameni erau supărați pe noi pentru că „am devenit disco” cu ‘Heart Of Glass’.” Deși avea să ajungă un hit pop numărul unu și un clasic iconic al New Wave, „Heart Of Glass” se pare că nu a fost un mare succes în discotecile actuale. Probabil că nu a ajutat nici faptul că exista un truc subversiv în mijlocul melodiei pentru a ține pe oricine să danseze pe degetele de la picioare proverbiale: După aproximativ două minute din versiunea de pe album (sau 2:13 pe cea de 12 inch), trupa întrerupe pulsul omniprezent, important și definitoriu al genului disco, de patru pe podea, pentru trei măsuri de pas cu pas de 7.
The Beatles – „All You Need Is Love” (1967)
„Din cauza stării de spirit de la acea vreme, părea a fi o idee grozavă să facem acest cântec”, a spus George Harrison despre „All You Need Is Love”, interpretat în timpul primului program live, global prin satelit, difuzat vreodată, în timp ce lumea se refăcea după Războiul de Șase Zile din Orientul Mijlociu și naviga în marasmul din Vietnam. „Ne-am gândit: „Ei bine, vom cânta pur și simplu „All you need is love”, pentru că este un fel de PR subtil pentru Dumnezeu, practic.” Rămâne unul dintre cele mai universale și indelebile sentimente ale muzicii populare, dar „All You Need Is Love” a fost transmis într-o prezentare destul de neortodoxă: Deși refrenul este ca o melodie de foc de tabără („All together now!” „Everybody!”), versurile se umflă cu mersul împiedicat de 7. La doar câteva săptămâni după lansarea Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, cea mai mare trupă rock din lume a reprezentat Marea Britanie la Our World, prima emisiune globală de televiziune. Se pare că BBC le-a spus celor de la Fab Four să păstreze noul lor cântec suficient de simplu pentru o lume care privește. Deși au ascultat cu siguranță sfatul lor în ceea ce privește refrenul iconic, Beatles și producătorul George Martin s-au asigurat că ambalajul baroc nu era deloc simplu – o orchestră de 13 membri, fragmente din Bach și Glenn Miller și un aranjament unic cu măsuri de 7 în fiecare vers. Elvis Costello l-a numit un „cântec folcloric din nordul Angliei” când l-a interpretat la Live Aid, dar a sfârșit prin a-l îndrepta către un 4/4 mai ușor de gestionat, mai potrivit pentru un cântec de arenă.
Am compilat această listă de redare finală pe Spotify. Ascultați aici.