Jest powód, dla którego wszystkie te piosenki Ramones zaczynają się od „1-2-3-4!” – a także powód, dla którego Captain Beefheart wściekł się przeciwko „big mama heartbeat”. Dla każdego, kto dorastał w Ameryce w ostatnim stuleciu, metrum 4/4 było rdzeniem muzyki popularnej – rock, pop, rap, blues, gospel, aż do ich początków w Afryce Zachodniej. Ergo, obcięcie jednego taktu z dwóch taktów 4/4 jest jak samochód z trzema i pół kołami: trudny w prowadzeniu, pełen niewygodnych wybojów, mieszanka nieoczekiwanego i zniewalającego. Kiedy zespół gra na 7/4 lub 7/8 (dla niewtajemniczonych, po prostu policzcie „1-2-3-4-5-6-7,” lub jakąkolwiek matematyczną kombinację jak „1-2, 1-2, 1-2-3″) – czuje się to jak igła gramofonowa potykająca się o kawałek kurzu lub kończąca ruch taneczny z podwiniętą kostką.
Początkowy boom rocka na 7 przyszedł bardzo krótko po momencie, w którym stało się jasne, że to tłuste, dziecięce gówno nie jest tylko do jeżdżenia, tańczenia i protestowania. Ośmielone epickimi ambicjami przełomowego utworu Beatlesów z 1967 roku Sgt. Pepper’s Lonely Heart’s Club Band, zespoły rockowe zaczęły nasycać swoją muzykę wszystkimi górnolotnymi atrybutami muzyki klasycznej i artystycznej, włączając w to zmieniające się sygnatury czasowe Mussorgskiego, Strawińskiego i Ravela. Beatlesi również próbowali swoich sił w 7 („All You Need Is Love”), a baronowie nadęcia progresywnego rocka naturalnie poszli w ich ślady – Yes, Soft Machine, Pink Floyd, Genesis, Gentle Giant.
W latach 70-tych i 80-tych, nowofalowe dziwadła takie jak Devo, Blondie, the Police i the Pretenders nasyciły swoje piosenki 7, dodając dodatkową warstwę wyobcowania. Zespoły grunge’owego boomu lat 90. wychowały się na tych punkach, ale pokochały też lurch Led Zeppelin (który użył 7 w utworze „The Ocean” z 1973 roku), bardziej prawdopodobny wpływ na zamulone riffy Alice In Chains, Soundgarden i Nirvany (która flirtowała z 7 w utworze „Beeswax” zespołu Kill Rock Stars). Nowoczesne zespoły art-indie jak Battles („Ddiamondd”) i Animal Collective („What Would I Want? Sky”) podtrzymują sztandar 7, tak samo jak wszystkie zespoły math-rockowe, mathcore’owe, progresywne metalowe i technical death metalowe, które żyją z podstępnych zwrotów akcji.
To było 25 lat temu dzisiaj – 8 marca 1994 roku – kiedy Soundgarden wydali swój czwarty album, Superunknown. Album był pełen nietypowych sygnatur czasowych (wg Wikipedii: „’Fell On Black Days’ jest w 6/4, 'Limo Wreck’ jest grane w 15/8, 'My Wave’ na przemian gra na 5/4 i 4/4, a 'The Day I Tried to Live’ na przemian gra sekcje 7/8 i 4/4”). A LP poprzedzał główny singiel „Spoonman”, którego główny riff był, oczywiście, w 7. Tego samego dnia, Nine Inch Nails wydali swój drugi album The Downward Spiral. Główny singiel z tego albumu, „March Of The Pigs”, również był w 7.
Więc świętujemy ćwierćwiecze Superunknown i The Downward Spiral poprzez ranking nieparzystej liczby utworów wykorzystujących metrum septuple. Oto 17 najlepszych zastosowań wspaniałej siódemki.
King Crimson – „Frame By Frame” (1981)
Ne plus ultra progresu lat sześćdziesiątych powróciło w latach osiemdziesiątych z nowofalową fryzurą. Oznaczało to również wzmocnienie składu o współpracownika Talking Heads/Bowie, Adriana Belewa i tapera Chapman Stick, Tony’ego Levina. Daleki od pastoralnego progresu In The Court Of The Crimson King „Frame By Frame” wyłonił się niczym indonezyjska muzyka gamelan lub art-rockowa przeróbka eksperymentu fazowego Steve’a Reicha. Współzałożyciel King Crimson, Robert Fripp, poznał Belewa na koncercie Steve’a Reicha w Nowym Jorku, na którym był razem z Davidem Bowie. Jakie to fajne!
Frank Zappa & The Mothers Of Invention – „Flower Punk” (1968)
The Summer Of Love nie było nawet roku za oknem, a Frank Zappa już robił genialne pisstakes, zamieniając garażową wersję „Hey Joe” The Leaves w satyryczne kpiny „part time punks” i epileptyczny ping-pong terroru 7/8. (Brzmi to bardziej jak ich wersja niż wersja rozsławiona przez Jimiego Hendrixa – kumpla Zappy, który pojawia się we własnej osobie na okładce albumu „Flower Punk”, We’re Only In It For the Money). Przyspieszony wokal „Flower Punk” wskazuje na Ween, jego math-punkowy ładunek można usłyszeć w zespołach takich jak Dillinger Escape Plan, a sam zwrot „flower punk” zostanie ostatecznie zaadoptowany przez Black Lips.
Alice In Chains – „Them Bones” (1993)
„Pamiętam, że ten utwór mnie wkurzał, ponieważ był dość prostym, metalowym kawałkiem”, powiedział perkusista Sean Kinney w wywiadzie dla Music Radar. „Pamiętam, że byłem dość sfrustrowany, przewracałem bębny i zastanawiałem się, co mógłbym tam zrobić. Zajęło to trochę czasu, aby to rozgryźć i uczynić bardziej unikalnym niż mogło być.” „Them Bones” i jego walący riff 7/8 nastąpił po singlowym singlu „Would?” jako kolejny smak grunge’owego przełomu Dirt, albumu, na którym Alice In Chains zaprezentowali brzydszą, bardziej dopesicką stronę zespołu, który miał przebój z „Man in the Box”. „Off-time stuff jest po prostu bardziej ekscytujący”, powiedział gitarzysta Alice in Chains Jerry Cantrell, „to bierze ludzi z zaskoczenia, kiedy zmieniasz biegi w ten sposób, zanim jeszcze wiedzą, co do cholery ich uderzyło”.
Toadies – „Possum Kingdom” (1994)
Ten przerażający, przesiąknięty morderstwami południowy gotycki grunge-popowy klasyk został zainspirowany rzeczywistym jeziorem Possum Kingdom, znajdującym się w rodzinnym mieście Toadies, Fort Worth w Teksasie. „Ta piosenka opowiada o postaci, która utknęła w innym świecie, pływając po jeziorze Possum Kingdom” – powiedział lider Todd Lewis. „Jest samotny, przerażony i chce zwabić kogoś innego do swojego małego królestwa. Ten facet chce przekonać kogoś innego, aby zrobił to, co on, czyli spalił się żywcem, aby być tą inną rzeczą.” Powiedział, że w tym czasie czytał dużo Stephena Kinga.
Pink Floyd – „Money” (1973)
„e stworzył progresję 4/4 dla solówki gitarowej i sprawił, że biedny saksofonista grał w 7/4”, wspominał David Gilmour o tym floydowskim klasyku autorstwa kolegi z zespołu Rogera Watersa. Z pewnością najsłynniejszy riff 7/4 w historii rocka, ten mały kawałek z Dark Side Of The Moon był największym hitem na listach przebojów z jednego z najlepiej sprzedających się albumów wszech czasów.
Bułgarskie Radio Państwowe & Telewizyjny Żeński Chór Wokalny – „Erghan Diado” (1975)
Nie brakuje bałkańskiej muzyki w 7/4, z wieloma bułgarskimi tańcami ludowymi opierającymi się na metrum septuple. Jednak żadna bałkańska muzyka nie urzekła Ameryki tak jak Bułgarski Państwowy Chór Wokalny Radia & Television Female Vocal Choir, którego zamyślony, nawiedzający album Le Mystère Des Voix Bulgares, był cichym objawieniem dysonansu i piękna po jego wydaniu w 1975 roku – i małą sensacją, gdy został ponownie wydany przez 4AD i Nonesuch w 1987 roku.
Rush – „Tom Sawyer” (1981)
Prawdopodobnie najlepsza popowa piosenka od gaggle of chops wanks, kładąca praktyczną formułę dla zespołów takich jak Primus, Extreme, i King’s X. Kosmiczne noise’owe intro Oberheima pojawia się nad dzikim funkowym 4/4 Neila Pearta, więc naturalnie jest uwielbiane przez turntablistów takich jak DJ QBert i Mix Master Mike. Piosenka przechodzi na 7/4 około 90 sekund później, aby usłyszeć warczący instrumental i większość rozdzierającej gitarowej solówki.
Radiohead – „Paranoid Android” (1997)
Z jego epickim czasem trwania, brakiem zauważalnego refrenu, muzycznymi zmianami, antykapitalistyczną retoryką i rozproszeniem akustycznego i elektrycznego 7/4, pierwszy singiel z OK Computer był oficjalnym ogłoszeniem, że sztywne alt-rockowe mop-darlingi stojące za „Creep” i „Fake Plastic Trees” miały większe obwody do usmażenia. „Ludzie myśleli, że to progres, ale progres zawsze traktował siebie tak poważnie” – powiedział Rolling Stone gitarzysta Radiohead, Ed O’Brien. „A 'Paranoid Android,’ jest tam pewien rodzaj poważnego przesłania, ale jest on w pewnym sensie kreskówkowy.”
The Pretenders – „Tattooed Love Boys” (1980)
W swoim pamiętniku wokalistka/gitarzystka Pretenders, Chrissie Hynde, napisała: „Na temat dziwnego czasu powstania poszarpanego 'Tattooed Love Boys’, przyznał później, że po prostu tam wisiał. Ponieważ nie mógł tego policzyć, po prostu podążał za akordami, dodając chrzęszczące nuty i mając nadzieję, że zabrzmi to tak, jakby był na szczycie. Rezultaty były magiczne.” „Tattooed Love Boys” to lokomotywa punk rocka, która jeździ z naprzemiennymi taktami 7 i 8 w zwrotkach. Później Hynde ujawniła, że jej intensywne, enigmatyczne teksty zostały zainspirowane napaścią na tle seksualnym.
Soundgarden – „Spoonman” (1994)
Jak na swój pierwszy singiel nagrany po drugiej stronie alterna-boomu post-Nevermind, Soundgarden tylko zwiększyli dziwność swoich odjechanych riffów. Siedmiometrowe wersy „Outshined” rozciągnęły się na większą część piosenki, perkusista Matt Cameron dodał brzęczącą perkusję pot-’n’-pan, uliczny performer Artis The Spoonman zagrał solo z łyżką, a w teledysku Jeffreya Planskera nie wystąpił żaden zespół.
Peter Gabriel – „Solsbury Hill” (1977)
To był pierwszy singiel Gabriela po opuszczeniu prog-rockowych tytanów Genesis i, cóż… Możesz zabrać geniusza popu z zespołu progresywnego, ale nie możesz zabrać progresu z geniusza popu. „Ten rytm 7/4 działa dobrze, ponieważ sprawia wrażenie normalnego rytmu, ale nie jest do końca poprawny,” powiedział Peter Gabriel magazynowi Sounds. „To nie jest sprytny rytm, tylko trochę dziwny. To będzie interesujące zobaczyć, jak ludzie będą do niego tańczyć”. Nie jest jasne, czy lub jak ludzie tańczyli do „Solsbury Hill”, ale na pewno wzięli to, sklepując dziwną, pastoralną melodię do UK Top 20. Miał większe hity w ciągu trzech dekad swojej solowej kariery, która nastąpiła później, ale „Solsbury Hill” było podstawą trailera filmowego i – według statystyk setlist.fm – pozostaje najczęściej graną piosenką w twórczości Gabriela na żywo.
Soundgarden – „Outshined” (1991)
„Wiesz, co jest w tym dziwne? Na początku, z Chrisem, pisaliśmy takie rzeczy,” powiedział Kim Thayil w wywiadzie dla Rolling Stone.” Kiedy dostaliśmy Scotta do zespołu, nie mógł grać tych rzeczy w 7. On jest fanem Hendrixa i Santany, więc ma świetne groove’y na 4. A potem przyszedł Matt i mógł robić takie rzeczy. Pisaliśmy do mocnych stron naszych perkusistów”. Waleczny 7 riff i gustowna, pełna rozkoszy perkusja „Outshined” uczyniłyby z tej piosenki łagodny hit w rockowym radiu i MTV, ale wers Chrisa Cornella „I’m looking California/ And feeling Minnesota” okazałby się jedną z jej trwalszych cech, uwiecznioną w kaprze Keanu Reevesa/Cameron Diaz z 1996 roku.
Nine Inch Nails – „March Of The Pigs” (1994)
Zardzewiała, zraniona bestia głównego singla, podstawowy riff „March Of The Pigs” łączy trzy dźwięki z 7 i jeden z 8. Choć perkusista Chris Vrenna brawurowo prezentuje się zarówno w teledysku, jak i w porywającym, niszczycielskim, zalanym błotem secie NIN na Woodstock ’94, to tak naprawdę to uderzenie w głowę było studyjną sztuczką. „Zrobiliśmy z perkusją rzeczy, których nie wiem, czy ktokolwiek naprawdę dokonał” – powiedział Trent Reznor w rozmowie z Spin. „Samplowaliśmy perkusję w stereo z mikrofonami stereo i odkryliśmy, że jeśli grasz na klawiaturach, brzmi to tak, jakbyś siedział za perkusją naprawdę”. Na 'March Of The Pigs’ … nie ma żywej perkusji, ale to nawiązywało do bycia prawdziwym, ponieważ nie brzmiało jak maszyna. Nie ma mowy, żeby ktoś mógł to tak zagrać. To dodatkowo dodawało do tego pewnego rodzaju mind fuck.”
Led Zeppelin – „The Ocean” (1973)
„To był kolejny, w którym perkusja po prostu brzmi niesamowicie,” powiedział producent Eddie Kramer. „Niektóre z rzeczy, o które Jimmy prosił go w Led Zeppelin… to było skomplikowane gówno i Jimmy musiałby z nim przez to przechodzić kilka razy. Ale kiedy już się w tym połapał, kiedy wiedział dokładnie, co ma zagrać, wtedy pieprzył się z tym i rozwalał twój umysł, wstawiał wypełnienie tam, gdzie się tego nie spodziewałeś. Wszyscy się śmialiśmy, bo to było takie szalone”. Podkład do najbardziej funkowego albumu Zepów, Houses Of The Holy, zawiera riff Jimmy’ego Page’a 8+7 tak klasyczny, że Beasties musieli go pożyczyć – a potem Robert Plant pożyczył go z powrotem.
Devo – „Jocko Homo” (1978)
To robo-punkowa piosenka, która brzmi jak zespół spadający ze schodów, ale służy jako deklaracja misji ulubionych mechanicznych ludzi z Ohio: napięta, dezorientująca, zdehumanizowana, sardoniczna. Opisując ich teorię „de-ewolucji”, „Jocko Homo” był jedną z pierwszych piosenek, jakie Jerry Casale napisał dla Devo, po dyskusjach, jakie grupa odbyła po strzelaninie w Kent State w 1970 roku. „Graliśmy 'Jocko Homo’ przez 30 minut i nie przestawaliśmy, dopóki ludzie nie zaczęli z nami walczyć, próbując zmusić nas do zaprzestania grania tej piosenki” – powiedział Mark Mothersbaugh, wokalista Devo, w wywiadzie dla The Onion AV Club. „Wciąż powtarzaliśmy: 'Czy nie jesteśmy mężczyznami? Jesteśmy Devo!’ przez jakieś 25 minut, skierowane do ludzi w na tyle agresywny sposób, że nawet najbardziej pokojowo nastawiony hipis chciał rzucić się z pięściami. W połowie lat 70-tych byliśmy w wirze negatywnej energii”. Specjalne wyrazy uznania dla fana Devo, „Weird Al” Yankovic’a, za wyprostowanie go na 4/4 w jego pierwszej nagranej polce, „Polkas On 45”, w 1984 roku.
Blondie – „Heart Of Glass” (1978)
Punkowy zespół, piosenka disco, progresywny zwrot… popowy sukces? „Ludzie denerwowali się i złościli na nas, że wnosimy różne wpływy do rocka”, powiedziała Debbie Harry z Blondie w wywiadzie dla The Guardian. „Chociaż na koncertach wykonywaliśmy 'Lady Marmalade’ i 'I Feel Love’, wielu ludzi było na nas wściekłych za to, że 'poszliśmy w stronę disco’ z 'Heart Of Glass'”. Choć skończyłoby się to numerem jeden wśród popowych hitów i ikonicznym klasykiem Nowej Fali, „Heart Of Glass” najwyraźniej nie było wielkim hitem w prawdziwych dyskotekach. Prawdopodobnie nie pomogło to, że w środku utworu znajdował się przewrotny trik, który sprawił, że każdy mógł tańczyć na przysłowiowych palcach: Mniej więcej w drugiej minucie wersji albumowej (lub 2:13 na 12-calówce), zespół odrywa się od wszechobecnego w disco, najważniejszego, definiującego gatunek pulsu four-on-the-floor na rzecz trzech taktów step-stumbling 7.
The Beatles – „All You Need Is Love” (1967)
„Ze względu na nastrój tamtych czasów, wykonanie tej piosenki wydawało się świetnym pomysłem”, powiedział George Harrison o „All You Need Is Love”, wykonanym podczas pierwszego w historii globalnego programu satelitarnego na żywo, nadawanego w czasie, gdy świat dochodził do siebie po wojnie sześciodniowej na Bliskim Wschodzie i poruszał się w odmętach Wietnamu. „Pomyśleliśmy, cóż, po prostu zaśpiewamy 'all you need is love’, ponieważ jest to rodzaj subtelnego odrobiny PR-u dla Boga, w zasadzie”. To pozostaje jednym z najbardziej uniwersalnych, niezatartych sentymentów muzyki popularnej, ale „All You Need Is Love” zostało dostarczone w dość niekonwencjonalnej prezentacji: Choć refren jest jak melodia z ogniska („All together now!” „Everybody!”), wersy wybrzmiewają z potykającym się o własne nogi chodem 7. Zaledwie kilka tygodni po wydaniu Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, największy zespół rockowy świata reprezentował Wielką Brytanię w Our World, pierwszej globalnej transmisji telewizyjnej. BBC podobno powiedziało Czwórce, żeby ich nowa piosenka była wystarczająco prosta dla oglądającego ją świata. Chociaż Beatlesi i producent George Martin z pewnością posłuchali ich rady w kwestii kultowego refrenu, zadbali o to, by barokowe opakowanie nie było proste – 13-osobowa orkiestra, fragmenty Bacha i Glenna Millera oraz unikalna aranżacja z 7-ma dźwiękami w każdym wersie. Elvis Costello nazwał ją „północnoangielską piosenką ludową”, gdy wykonywał ją na Live Aid, ale w końcu wyprostował ją do bardziej poręcznego 4/4, bardziej odpowiedniego do śpiewania na arenie.
Skompilowaliśmy tę Ultimate Playlist na Spotify. Posłuchaj tutaj.