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Im Musikgeschäft gibt es keinen Namen mit so viel Resonanz wie Motown. Der ehemalige Präsident von Uptown Entertainment, Andre Harrell – der Mann, der für Jodeci, Mary J. Blige und Heavy D verantwortlich ist – übernimmt das legendäre Label und verspricht, für frischen Wind zu sorgen. Aber kann er die Nostalgie überwinden und Motown in das 21. Jahrhundert führen? Von Anthony DeCurtis. Fotografien von Dana Lixenberg

„Wissen Sie, wie Jeffrey Katzenberg zu Disney wurde? Das ist es, was ich tun möchte. Man hat gemerkt, dass Jeffrey eine Leidenschaft für Disney hatte – seine Mickey Mouse-Uhren, sein Disney-Sweatshirt, seine Disney-Krawatte. Das ist es, wovon ich spreche. Ich werde im Motown Cafe sein. Ich werde Motown-Krawatten, -Uhren und -Sweatshirts herstellen. Ich habe vor, Motown zum schwarzen Disney zu machen“, sagt Andre Harrell mit einem Lächeln. „Sie können mich genauso gut Walt nennen.“

Harrell, 35, ist offensichtlich ein Mann mit einem Plan. Und das ist auch gut so. Er tritt einen der sichtbarsten Jobs in der Unterhaltungsindustrie an: Präsident und CEO von Motown Records. „Es war schon immer ein Traum von mir, Motown zu leiten“, sagt er.

Doch die hohe Position konfrontiert Harrell mit einer entscheidenden Herausforderung. Motown hat sich weit von dem entfernt, was es einmal war. Abgesehen von den monumentalen Boyz II Men ist Motown immer mehr zu einem Soundtrack für Nostalgie geworden, der mehr an die Vergangenheit als an die Gegenwart erinnert. Es ist in der Tat so schwer, sich von gestern zu verabschieden. Harrell, ein Produkt der Hip-Hop-Generation, weiß, dass es seine Aufgabe ist, Motown – Musik, Fernsehen, Film, Video, Animation und neue Medien – in die Zukunft zu tragen.

Der gebürtige Bronxianer begann seine Karriere in den frühen Achtzigern als eine Hälfte des Rap-Duos Dr. Jekyll und Mr. Hyde. (Er war Dr. Jekyll.) Nachdem er sich auf die geschäftliche Seite der Branche verlegt hatte, schloss er sich dem Rap-Mogul Russell Simmons an und bekam bald einen Spitzenplatz in Simmons‘ Firma Rush Communications, wo er mit Leuten wie Run-D.M.C., L.L. Cool J und Whodini zusammenarbeitete.

Harrell machte sich 1986 selbstständig, als er sein eigenes Label Uptown Entertainment als Teil eines Joint Ventures mit MCA gründete. Bei Uptown definierte Harrell einen zeitgenössischen R&B-Sound für das Hip-Hop-Zeitalter und brachte der Welt Guy, Heavy D, Jodeci, Mary J. Blige, Al B. Sure!, Father MC und zuletzt Soul for Real (mit denen er seinen ersten Nr.-1-Pop-Hit „Candy Rain“ hatte). Er produzierte 1991 den Film Strictly Business und ist Koproduzent der Fox-Hitserie New York Undercover.

So erfolgreich die Künstler seines Labels auch waren, Harrell fühlte sich in seinen Bemühungen, sie zu Pop-Superstars zu machen, eingeschränkt, sowohl durch seine Vereinbarung mit der Muttergesellschaft von Uptown, MCA, als auch durch die beunruhigende Rassenpolitik des Musikgeschäfts im Allgemeinen. Der Wechsel zu Motown, das jetzt in Los Angeles ansässig ist und zu PolyGram gehört, bietet Harrell die Möglichkeit, zumindest einige dieser Probleme hinter sich zu lassen. Bei Motown, sagt Harrell, hat er mehr Leute, mehr Vorrechte, mehr Durchsetzungsvermögen.

Auf einer Couch im Wohnzimmer seiner New Yorker Upper West Side Wohnung sitzend, einfach in ein schwarzes Hemd und eine weiße Hose gekleidet, konzentriert sich Harrell durch seine blaue Sonnenbrille auf das, was getan werden muss. Auf einem Beistelltisch stand ein gerahmtes Foto, das einen ernst dreinblickenden Harrell Arm in Arm mit Mickey Mouse zeigte.

Als Mann, der gerne die Kontrolle hat, war Harrell leise und entschlossen. Er wollte nicht missverstanden werden. „Liege ich richtig?“, fragte er dann. „Können Sie mir folgen?“ Er beugte sich vor, und seine Stimme erhob sich leidenschaftlich, als er seine Frustrationen mit MCA diskutierte. Ansonsten ließ er sich in die Kissen seines Sofas zurückfallen und sprach, als würde er sich sein zukünftiges Leben im Traum ausmalen.

Harrell weiß, dass für ihn genauso viel auf dem Spiel steht wie für Motown, wenn nicht sogar mehr. Alle Augen werden auf ihn gerichtet sein. Es ist eine Sache zu sagen, man hätte etwas getan, wenn man nur die Chance dazu bekommen hätte. Eine ganz andere ist es, die Chance zu bekommen und es dann auch zu tun.

„Jede Platte muss stimmen“, sagte er. „Ich versuche, Stars unter Vertrag zu nehmen. Ich werde keinen Wackelpudding bei mir haben. Habe ich nie und werde ich auch nie.“

Was hat Motown im Laufe der Jahre für Sie bedeutet? Wann wusstest du zum ersten Mal, was das ist?

Das erste richtige Motown-Erlebnis hatte ich, als die Jackson 5 in der Ed Sullivan Show waren. Ich glaube, das muss so 1969, 70 gewesen sein. Sie sangen „Stand!“ und „I Want You Back“. Ich hatte noch nie einen schwarzen Teenager im Fernsehen gesehen – es war unglaublich. Danach wurde mir klar, wer die Motown-Künstler waren. Meine Eltern hörten sie sich an: die Supremes, Marvin Gaye, Diana Ross, die Four Tops, die Temptations.

Wofür stand die Firma für Sie?

Motown war immer der Inbegriff schwarzer Exzellenz und Kunstfertigkeit. Stevie sang auf sehr einfühlsame Weise über die Liebe und erzählte von der Not seines Volkes. Marvin sang über die Notlage seines Volkes und seinen inneren Kampf, aber er sang über die Liebe auf eine sehr sexy Art und Weise. Das waren große Einflüsse.

Apropos Stevie Wonder, er hat letztes Jahr ein starkes Album gemacht und es ist nichts daraus geworden. Kann Motown heutzutage noch eine Stevie Wonder-Platte verkaufen?

Die Four Tops, die Temps und vor allem Stevie Wonder und Diana Ross – das sind nationale Schätze. Man muss sie wie Ereignisse behandeln. Stevie Wonder ist jemand, mit dem ich ein Unplugged machen würde. Oder vor ein paar Jahren war es Stevies 3-jähriges Jubiläum im Showgeschäft. Man hätte Stevie Wonder ein Fernsehspecial verschaffen können. Wir hätten Künstler haben können, die ihm Tribut zollen – Popkünstler, Rockkünstler, R&B-Künstler, Rapkünstler, alle hätten mitmachen können. Und es gibt wahrscheinlich keine andere Frau, ob schwarz oder weiß, die so fabelhaft ist wie Diana Ross, die den Glamour und die Aufregung einer Star-Diva verkörpert.

Was ist mit neuen Richtungen? Was macht Motown in den Neunzigern aus?

Motown muss das Lifestyle-Label für die Zeit werden, in der das aktive Publikum, das Platten kauft – das Publikum zwischen 15 und 3 Jahren – lebt. Das kann man unter anderem dadurch erreichen, dass man Platten herausbringt, die dem Lebensgefühl dieser Zielgruppe entsprechen. Wenn Mary J. Blige zum Beispiel eine Motown-Künstlerin wäre, würde Motown etwas von ihrem Image haben. Es ist diese junge, Hip-Hop-Soul, Generation X Energie. Dasselbe wäre der Fall, wenn Jodeci auf dem Label wäre. Damals sprach Motown mit jedem im Ghetto – und auch mit dem Rest der Welt.

„WHEN YOU THINK OF MOTOWN NOW, YOU’RE GONNA THINK OF ANDRE HARRELL. I’M NOT GONNA WORK FOR MOTOWN, I’M GONNA BE MOTOWN.“

Das klingt wie die Philosophie, die Sie bei Uptown vertraten.

Das, was Berry Gordy vorgemacht hat, ist die Idee, dass der Labelchef das Image des Labels wird. Ich selbst habe es zugelassen, dass jede Berühmtheit in meiner Karriere durch die Künstler zustande kam. Ich war so konsequent mit den Künstlern, die bei meinem Label waren, dass man sich nach einer Weile fragte: „Wer steckt dahinter?“ Ich steckte dahinter.

Mein Plan für Motown ist folgender: Wenn du jetzt an Motown denkst, denkst du an Andre Harrell. Ich werde nicht für Motown arbeiten, ich werde Motown sein – in der Art, wie ich mich kleide, in den Platten, die ich herausbringe, in den Dingen, für die ich mich engagiere, in den Künstlern der Vergangenheit, in den Künstlern, die jetzt dort sind, und in den Künstlern der Zukunft. So wie ich Uptown Records gelebt habe, werde ich Motown Records leben.

Aber Sie, Russell Simmons, Sean „Puffy“ Combs – und Berry Gordy vor Ihnen – sind Unternehmer. Man identifiziert Sie mit den Firmen, die Sie gegründet haben. Damit treten Sie in etwas ein –

-, das bereits existiert. Ich werde Motown für diese Generation von jungen, erwachsenen Plattenkäufern sein. Motown war die Blaupause. Berry Gordy war die Blaupause für das, was ich geworden bin.

Warst du im Zwiespalt, Uptown zu verlassen?

Ich hatte einen enormen Konflikt. Es war, als würde ich meine Kunstwerke aufgeben. Es wird nie eine andere Mary J. Blige geben – es ist selten, eine Königin zu finden. Es wird nie eine andere Jodeci geben. Aber ich muss gehen, denn Motown gibt mir die Kraft, die ich brauche, um die nächste Ebene zu erreichen. Ich muss afro-amerikanische Superstars machen. In Uptown war ich in der Lage, schwarze Ikonen zu schaffen, aber sie waren nur für Schwarze eine Ikone.

Ich habe versucht, Uptown wachsen zu lassen, unabhängig zu sein und sagen zu können: „Dieser Act ist dabei, ein weltweiter Star zu werden, und ich werde alle meine Ressourcen nehmen, und wir werden zu diesem einen Beat marschieren.“ Das habe ich neun Jahre lang versucht. Zwischen mir und dem Unternehmen konnte ich es nie zustande bringen.

In Bezug auf die Unterstützung von MCA?

Ich glaube, MCA wollte nach einer gewissen Zeit, dass einige dieser Dinge passieren. Aber aus welchen Gründen auch immer, hat die Umsetzung zwischen den beiden Seiten nie funktioniert. Die größte Platte, die ich je hatte, war Forever My Lady von Jodeci – 3 Millionen.

Als Clive Davis ins Spiel kam, spürte ich, wie ich schrumpfte. Sobald er mit LaFace und Rowdy Records und Puffy ins Geschäft kam, brachten Davis‘ Engagement und seine Ausführung diese Künstler dorthin, wo ich meine Künstler haben wollte. Ich wollte, dass Mary J. Blige die 7 Millionen verkauft, die Toni Braxton erreicht hat.

Jodeci kamen zu mir, weil ich Al B. Sure hatte! Also dachten sie sich: „Er weiß, wie man das macht. Wir wollen bei ihm mitmachen.“ Sie sind 13 Stunden gefahren, saßen acht Stunden lang in meiner Lobby, nur um mich zu treffen. Ich habe das Gefühl, dass Arista durch die Zusammenarbeit mit LaFace und den anderen Labels 7 Millionen Toni Braxtons verkauft hat. Sie haben 6 Millionen TLCs verkauft. Ich denke, wenn ich diese Art von Platten nicht verkaufen kann, werde ich langsam schrumpfen. Ich habe mich bei meinen Künstlern unbeliebt gemacht, die diese Art von Statur haben wollten. Ich brachte diese Frustration zu MCA, und wir konnten uns nicht einigen.

Ich fühlte mich wie ein Aushängeschild. Ich hatte diese ganze Energie um mich herum – ich war der Mann. Ich war der Gründer und Vorsitzende von Uptown Records, einer großen, kulturell einflussreichen Unterhaltungsfirma für Afroamerikaner in den neunziger Jahren. Aber ich fühlte mich nicht wie der Mann, weil ich nicht den Finger auf den Knopf legen konnte, der das wirklich bewirken würde. Ich möchte nicht mehr in dieser Position sein. Ich muss mehr Kontrolle haben. Ich muss für das große Ganze verantwortlich sein. Und bei Motown habe ich die Möglichkeit, ein wirklich schwarzes Pop-Unternehmen zu gründen. Ich habe eine Filmabteilung, eine Fernsehabteilung. Ich habe grünes Licht für kleine Filme. Ich muss niemanden fragen.

Was sind Ihre Pläne mit Gordy?

Wir werden eine Reihe von Werbespots machen – Print und Fernsehen. Er unterstützt mich. Wir haben gestern etwa eine Stunde miteinander gesprochen, und er sagte: „Wenn ich dir einen Rat geben kann, wie es weitergehen soll, kannst du mich gerne anrufen.“ Wir werden Zeit miteinander verbringen und über seine Geschichte mit den älteren Stars sprechen. Ich habe das Gefühl, dass ich sehr viel Erfahrung im Umgang mit dem Drama und dem Ego von Stars habe, aber wir reden hier von einer ganz anderen Ebene von Stars. Ich habe noch nie einen Superstar aufgebaut. Es gibt Superstars in diesem Haus.

Wie baut man Superstars auf?

Wenn schwarze Stars eine Chance haben, Popstars zu werden, dann nur, weil der Vorsitzende der Firma sich für sie einsetzt – und weil ihre Musik sein persönlicher Geschmack ist. Das ist es, was ich der schwarzen Musik und den schwarzen Musikstars bringe. Nicht nur ihre Kunstform, sondern ihre Notlage als afroamerikanische Männer und Frauen.

Was Sie beschreiben, ist eine Rolle, die schwarze Führungskräfte spielen, aber sind sie nicht oft frustriert bei ihren Versuchen, bei den meisten Plattenfirmen aufzusteigen?

Ich kann gar nicht genug darüber reden, wie wenig schwarze Führungskräfte die Möglichkeit haben, ihr Spielfeld zu kontrollieren. Schwarze Musik wird zur Musik der Popkultur. Deshalb setzen die Unternehmen ihre Prioritäten neu und versuchen, mitzumischen. Aber da schwarze Musik immer wichtiger wird, sollte es mehr schwarze Präsidenten und schwarze Vorstandsvorsitzende geben. Sobald der Künstler des schwarzen Managers Platin erreicht, müssen sich Künstler und Manager plötzlich mit dem Präsidenten des Unternehmens auseinandersetzen, weil dieser die Prioritäten beim Popradio bestimmt. Der schwarze Manager wird obsolet. Je größer seine Musik wird, desto mehr schwindet seine Macht. Ihm wird mehr oder weniger gesagt: „Such dir den nächsten Act und baue ihn auf.“

Die Betonung liegt auf dem Kreativen –

– im Gegensatz zum Geschäft. Das ist der Grund, warum junge schwarze Führungskräfte nicht zu den alten Vorsitzenden werden – den weisen Männern, die es gesehen und getan haben. Sie bleiben so lange heiße schwarze Führungskräfte, wie ihre Instinkte heiß sind. Aber dies ist ein Lifestyle-Geschäft – nur wenige von uns, ob schwarz oder weiß, werden so cool sein, dass sie während ihrer gesamten Karriere einen guten Instinkt haben.

Die schwarze Führungskraft hat nicht die Möglichkeit, das Geschäft und die Musik zu werden. Why not? Warum sollte er nicht derjenige sein, an den alle berichten? Wenn man einen Act hat, der 5 Millionen verkauft – bei einer großen Firma – dann ist der schwarze Manager nicht mehr im Raum. Aber wenn es irgendein Problem gibt, schaut das Major-Label auf den schwarzen Manager: „Warum kannst du dich nicht um diesen Act kümmern?“ Wenn der Künstler einen gewalttätigen Manager einstellt und der gewalttätige Manager sich an die Plattenfirma wendet, fragt das Label: „Wie konnte es so weit kommen?“ Und wie? Weil sie es nicht kommen sehen konnten. Weil sie für seine Probleme nicht sensibel sind. Zu diesem Zeitpunkt ist die Beziehung zwischen der Plattenfirma und dem Künstler bereits gestört. Und dann wird der schwarze Manager beschuldigt und gefeuert. Aber sie haben das Monster erschaffen.

Als ich den Künstler hatte, sprach ich mit seiner Mutter, seiner Freundin, der Mutter seiner beiden Kinder, hatte mit seinem Drogenberater zu tun und mit allen anderen dysfunktionalen Problemen der Generation X, die er hat. Er rief mich bis spät in die Nacht an.

Aber er hat das Gefühl, dass sie nur Geschäftsleute sind. Und sie verstehen ihn nicht. Und sie könnten rassistisch sein. Er kommt mit dieser ganzen Energie. Selbst wenn sie ihn als Person mögen, hat er immer noch jahrelange Probleme, die er überwinden muss, um sie zu akzeptieren. Und sie haben eine Menge Arbeit vor sich, um sein Vertrauen und seinen Respekt zu gewinnen.

Was sind also deine unmittelbaren Pläne?

Ich werde nach Beverly Hills ziehen. Ich werde dort für einen Zeitraum von 12 bis 18 Monaten ein Haus haben und zwischen den Büros in New York und L.A. hin- und herpendeln. Dann ziehe ich mit dem Unternehmen nach New York. Ich werde ein Satellitenbüro in Atlanta haben – A&R-orientiert. Ich werde ein Aufnahmestudio in New York bauen, die Motown Studios.

Gibt es neue musikalische Richtungen?

Der Sound, den ich jetzt suche, ist Soul. Ich suche nach Stimmen, die wie 400 Jahre Sklaverei klingen und noch mehr. Ich bin auf der Suche nach dieser inspirierenden, „Nimm-uns-aus-dem-Licht“-Stimme von Aretha Franklin, Bill Withers oder Al Green. Ich möchte diese Art von Stars jetzt aufbauen.

Was ist mit den jüngeren Acts von Motown? Haben Sie sich mit Boyz II Men getroffen?

Nein. Diese Treffen werden stattfinden, nachdem ich den Deal abgeschlossen habe. Boyz II Men sind die größte Gruppe, die ich je gesehen habe. Ich weiß nicht, was ich zur Party beisteuere, außer dass ich sie davon abhalte, durch den Erfolg, den sie hatten, verrückt zu werden. Sie brauchen wahrscheinlich eine Pause, eine kleine Auszeit, um ihr Privatleben zu führen. Ansonsten funktioniert diese Formel. Queen Latifah, ich möchte ihre Plattenverkäufe so steigern, dass sie ihrer Berühmtheit entsprechen. Zhané würde ich gerne ein bisschen mehr Image geben. Ich werde Johnny Gill zurückholen – er hatte ein fabelhaftes erstes Album. Und ich freue mich auf die Zusammenarbeit mit Michael Bivins. Er ist ungeheuer talentiert, und wenn er und ich zusammenkommen, können wir wirklich einige wichtige Dinge tun.

Sind Sie besorgt?

Ich habe eine Menge Arbeit zu tun. Aber keine Probleme. Treffer zu landen ist kein Problem. Ich werde sehr schnell für Aufsehen sorgen. Und ich werde nicht aufhören, Lärm zu machen, bis ich fertig bin.

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Dieser Artikel erschien ursprünglich in der Dezember 1995 – Januar 1996 Ausgabe des VIBE Magazins | Geschrieben von Anthony DeCurtis | Header Fotografie von Dana Lixenberg