”Världsmusik”
(Icke-västerländsk)
GENERELL BAKGRUND TILL VÄRLDSMUSIKEN
Västvärlden har ett enormt musikaliskt arv som har utvecklats under många århundraden; Vissa asiatiska, polynesiska, afrikanska och näröstliga musiktraditioner har dock levt i tusentals år. Medan Japan, Kina, Indien och Indonesien har långvariga konstmusiktraditioner (där musiken framförs av ett fåtal välutbildade artister) har majoriteten av de icke-västerländska samhällena inga konstmusiktraditioner (”formella konserter”) – i stället uppfattar de musikskapande som en funktionell del av vardagen som hela samhället deltar i. En stor del av denna musik är improviserad och lever enbart genom muntlig överföring; den kan därför inte beskrivas med västerländska musikaliska standardtermer eller skrivas ner med hjälp av västerländska notationssymboler. Sådan musik kan endast studeras genom en noggrann kombination av musikvetenskapliga och antropologiska metoder.
Så även om man måste göra en åtskillnad mellan så kallad ”konstmusik” (som spelas av professionella musiker) och andra typer av ”funktionell” musik, är det inte meningen att detta ska innebära att ”konstmusik” är mer konstnärlig eller överlägsen någon annan.
Viktiga musikaliska överväganden i icke-västerländsk musik
De flesta typer av icke-västerländsk musik grundar sig på begrepp som skiljer sig ganska mycket från den västerländska traditionens:
Rytm
Nej västerländsk musik (särskilt afrikansk) kan använda sig av rytm på ett mer omfattande och kreativt sätt än västerländska idiomer.
Dynamik
Nej västerländsk musik använder sällan dynamik som ett självständigt begrepp. Förändringar i ljudstyrka/vilja sker genom att antalet utövare ökar/minskar.
Melodi
I icke västerländsk musik används ofta mikrotonala melodiska intervaller som är mindre eller större än de traditionella västerländska skalorna.
Harmoni
Harmoni är generellt sett inte lika viktigt i icke västerländska idiomer som i västvärlden. Icke-västerländsk musik kan inte ha någon harmoni alls, eller så kan den basera sina harmonier på helt andra skalor än västerländsk musik.
Tonfärg
Tyvärr är den icke-västerländska musiken huvudsakligen vokal till sin natur, men vissa kulturer har också utvecklat unika oberoende instrumentfamiljer. Färgglada slagljud och unika sträng- och blåsinstrument är vanligast förekommande.
Textur
Då harmoni inte är en viktig faktor är icke västerländsk musik ofta antingen monofonisk (en enda ton eller melodi som låter ensam) eller heterofonisk (två lite olika versioner av samma melodi som framförs samtidigt).
Form
Nej västerländsk musik är mer fritt strukturerad än västerländsk musik, och de flesta typerna är i hög grad beroende av improvisation (kreativitet på plats). Sådan musik överförs muntligt, vilket innebär att den sällan eller aldrig framförs på samma sätt två gånger.
UTVÄLJADE EXEMPEL PÅ VÄRLDSMUSIK
AFRISKANISK MUSIK
Musik, särskilt vokalmusik, är en integrerad del av det dagliga livet i den afrikanska världen. Praktiskt taget varje händelse som är viktig för en individ eller för kulturen som helhet firas med musik. Många afrikanska språk är ”tonala” (betydelsen av ett ord beror på vilken tonhöjd det talas på); därför följer afrikanska melodier vanligtvis tonhöjdskonturen i sina texter. Afrikanska melodier bygger på skalor som är helt annorlunda än de som finns i västvärlden.
Ett vanligt inslag i afrikanska sånger är ”call and response”, där ledaren för sången improviserar ett berättande ”call” om en förfluten eller aktuell händelse, och sedan sjunger gruppen i stort ett upprepat ”response”, som förblir detsamma under hela sången. Call and response-tekniken blev så småningom ett viktigt inslag i den svartinfluerade populärmusiken i västvärlden.
Improvisation och intrikata polyrytmer (den samtidiga kombinationen av två eller flera olika rytmiska mönster) är rikligt förekommande i afrikansk musik, och afrikanska musiker har utvecklat dessa till en mycket högre nivå än vad som vanligtvis förekommer i traditionella västerländska musikstilar.
Långt innan telegrammet, telefonen eller morsekoden uppfanns i västvärlden fanns det redan en lång tradition av att använda olika typer av trummor för att ”prata” (recitera poesi, sända ut ”verbala” varningar eller överföra verkliga komplexa meddelanden på samma sätt som det talade ordet över långa avstånd).
Figur 1: De olika musikaliska regionerna på den afrikanska kontinenten (se karta till höger)
Musikaliska exempel:
Klicka här för att se afrikanska trummor, sång och dans från Angola (nedre västra Afrika) via YouTube.
Klicka här för att se Kora (en 13-strängad harpa) spelad och förklarad av Kinobe – en sångare/artist från Uganda (Dungu – Demokratiska republiken Kongo).
Klicka här för att se en förklaring och ett kort exempel av en nigeriansk trummis på hur en afrikansk ”talande trumma” spelas (lägg märke till att spelarens vänstra arm trycker på strängarna som omger trummans glasformade yttre träskal för att höja dess tonhöjd). På detta sätt kan trummor användas för att simulera ett verkligt språk och bokstavligen överföra komplexa budskap.
* * * * * * *
KUNSTMUSIKFRAMOM INDONESIEN
Republiken Indonesien består av cirka 13 000 öar i Stilla havet, av vilka endast 4 000 är namngivna och endast 1 000 är bebodda. I detta komplexa samhälle samsas mer än 300 etniska grupper och över 250 olika språk. Ur denna mångfald har det uppstått en universell variation av tydligt ”indonesisk” musik – Gamelan på öarna Java och Bali (särskilt Bali, som har en mycket komplex tradition). En gamelan är en färgstark instrumentalgrupp som främst består av ovanliga slagverksinstrument som trummor, gonggongar och xylofoner av trä (t.ex. genus) eller brons (t.ex. bonang). Dessa slagverksinstrument kan kompletteras med en liten bambuflöjt eller ett enkelt stränginstrument och kan användas som ackompanjemang till traditionella rituella danser. Instrumenten i gamelan har tonhöjder som för västerländska öron låter ”otakt” (mikrotoner). Därför kan denna musik inte representeras korrekt med västerländsk notation.
Figur 2: Karta över Indonesien (med Bali och Jakarta (huvudstad på ön Java) markerade)
Musikaliskt exempel:
Klicka på gamelanillustrationen nedan för att se ett YouTube-klipp.
Figur 3: Vanliga instrument i gamelan
* * * * * * *
MUSIKEN I MEXIKO
För den spanska erövringen (1519-21) var musiken en viktig del av det sociala livet hos aztekerna och mayaerna på den mexikanska halvön. När spanjorerna anlände blandades europeiska instrument snabbt med inhemska musiktraditioner. Det mest anmärkningsvärda resultatet av denna kombination av influenser är den mexikanska Mariachimusiken – en levande sång- och danstradition med sångare, akustiska diskant- och basgitarrer, violin, trumpet och ibland harpa. Trots sin europeiska uppkomst ger dessa instrument ljud som är unikt latinamerikanska.
Figur 4: Karta över Mexiko, där Jalisco – Mariachimusikens födelseplats – är framhävd.
Figur 5: Traditionella instrument i ett mexikanskt Mariachiband
Musikaliskt exempel:
Klicka på Mariachifotot ovan för att se ett YouTube-klipp från den berömda Mariachi Vargas.
* * * * * *
KONSTMUSIK FRÅN JAPAN
Den japanska musiken har haft en rik populär och klassisk tradition som sträcker sig över 1 000 år, med många olika stilar och idiom. De viktigaste japanska instrumenten är koto, shamisen (en tre-strängad ”banjo”) och shakuhachi (en bambuflöjt med fyra hål).Kotos 13 strängar är stämda i en pentatonisk skala med fem toner. Strängarna plockas, skrapas eller slås med fingerplock av elfenben för att åstadkomma en mängd olika musikaliska effekter. Spelaren kan också ändra tonhöjden på en sträng genom att trycka eller dra i strängen med vänster hand.
Figur 6: Karta över de traditionella regionerna i Japan
Figur 7: Traditionella konstmusikinstrument i Japan
Musikaliska exempel:
Klicka på illustrationen med japanska instrument ovan för att höra en vacker tolkning på YouTube-klipp av den berömda japanska folksången ”Sakura” spelad på koto.
Klicka här för att se en grundläggande demonstration av hur man spelar ”Sakura” på koto på YouTube.
Klicka här för att se en sammanslagning av koto, shamisen och shakuhachi med rockinstrument i ett YouTube-klipp av ”Sakura” (”Körsbärsblommor”).
* * * * * *
NÄR- OCH MELLANÖSTENS KONSTMUSIK
När- och Mellanöstern omfattar många länder som gränsar till Medelhavet, Västasien och Nordafrika, och som domineras av islamiska arabisk-, persisk- och turkisktalande folk som har gemensamma traditioner för folk- och konstmusik som sträcker sig ända till 700-talet. En av de mest genomgripande aspekterna av Mellanösterns konstmusik är ’Ud – en fretless luta med korthals, päronformad kropp och fem par strängar. Till skillnad från den västerländska lutan spelas ’Ud som ett monofoniskt melodiskt instrument, ofta tillsammans med det färgglada rytmiska ackompanjemanget från darabukkah (även kallad ”Darbuka” eller ”Doumbek”) – en liten lertrumma som ändrar tonhöjd när spelaren tillämpar ett varierande fingertryck på trumskinnet.
Figur 8: En politisk karta över Mellanöstern
Figur 9: Traditionella instrument i Mellanöstern
Musikaliska exempel:
Klicka på illustrationen av Mellanösterns instrument ovan för att se ett YouTube-klipp där ’Ud och Darabukkah spelas tillsammans). Om du är intresserad av att studera den inre strukturen i detta exempel på en turkisk ”sama’i” kan du se hela videon, som visar på de alternerande sektionerna, som kallas kjana och thetaslim.
Klicka här för att se en mästare i Darabukkah-trummor utföra några fantastiska låtar på YouTube.
Klicka här för att se ”Ud och Darabukkah som ackompanjerar sången av botböner i ett YouTube-klipp från en judisk Selichot-gudstjänst som förberedelse för de heliga dagarna.
* * * * *
KUNSTMUSIK I KINA
Traditionell kinesisk musik kan spåras 7 000-8 000 år tillbaka i tiden, baserat på fyndet av en flöjt av ben som tillverkades under neolitisk tid. Under Xia-, Shang- och Zhou-dynastierna var det endast kungafamiljer och dignitära tjänstemän som kunde njuta av musik, som spelades med klockspel och klockor. Under Tangdynastin blev dans och sång vanliga och spreds från det kungliga hovet till vanligt folk. I och med introduktionen av utländska religioner som buddhism och islam införlivades exotiska och religiösa melodier i den kinesiska musiken, och det kinesiska folket njöt av dem vid mässor som anordnades av religiösa tempel.
Diverse typer av kinesisk opera utvecklades under Ming- (1300-1600-tal) och Qing-dynastierna (1600-1900-tal), och den berömda Pekingoperan blev en av de tre viktigaste aspekterna av den kinesiska kulturen (tillsammans med kinesisk medicin och kinesiskt måleri). Två viktiga kinesiska instrument är Zheng (ett stort, plockat instrument med 13 till 21 sträckade strängar) och Erhu (ett tvåsträngat stråkeinstrument).
Figur 10: En karta som visar hur nära Kina, Indien, Indonesien, Japan och Mellanöstern ligger varandra
Figur 11: Traditionella kinesiska instrument – erhu och zheng
Klicka på bilden av de kinesiska instrumenten ovan för att se ett YouTube-klipp där The Orchid Ensemble spelar erhu, zheng och en mängd olika kinesiska och västerländska slagverksinstrument.
Klicka här för att se ett exempel på traditionell kinesisk opera på YouTube, med inbäddad översättning och ett helt annat ljud och en annan estetik än västerländsk opera. (Tanken här är inte att bedöma om musiken är ”bra” eller ”dålig”, utan bara att få en uppfattning om det bredare utbud av ljud och uttryck som är möjligt inom världsmusiken.)
* * * * * * *
KONSTMUSIK FRÅN INDIEN
Indiens musikaliska traditioner sträcker sig cirka 3 000 år tillbaka. Den klassiska indiska musiken är improvisatorisk och använder sofistikerade melodiska och rytmiska system som kallas ragas (melodiska mönster) och talas (rytmiska mönster) och som styr utövarnas val av komplexa tonhöjder, ornament och rytmer.Indiska utövare anser att deras musik är andlig till sin natur – varje raga är förknippad med en viss sinnesstämning, t.ex. lugn, kärlek eller hjältemod.Indisk musik överförs muntligt från en mästare-lärare (guru) till en elev, som lär sig genom att strikt efterlikna läraren – inte från en skriven tradition. Endast de grundläggande elementen i ett stycke noteras – de väsentliga ornamenten och bearbetningarna kan inte skrivas ner, utan måste internaliseras genom år av intensivt studium.
Det viktigaste konstmusikinstrumentet i Indien är sitar – en långhalsad luta med bred greppbräda och rörliga band. Under 1960-talet, när rockartister som Beatles sökte upplysning genom indiska guruer, blev sitarerna populära i västvärlden. Den mest kända indiska gurun/sitarmästaren är Ravi SHANKAR, som är mest känd i västvärlden för sitt framträdande på Woodstock 1969. Sitar kan åtföljas av ett slagverksinstrument som kallas Tabla.