Skådespeleri har funnits länge, och konsten i sig har ett sätt att utvecklas i takt med tiden. Konstnärer har drivit de konventionella normerna för vad som förväntades av dem sedan Michelangelo och Picasso. Samma sak gäller för skådespeleri, så föreställningar kan åstadkommas på olika sätt på grund av den ständigt föränderliga kulturella atmosfären.
Så systematiserade skådespelartekniker lärs regelbundet ut på teaterskolor för att hjälpa till att bredda horisonten för alla som vill komma in på detta område. Du kanske specialiserar dig på ett specifikt område, men kärnan förblir densamma; att förstå det kreativa minfält som du är på väg att kliva ut i, och veta hur du ska hantera dem när du konfronteras med dem.
Här är några av de mest populära:
Stanislavskis metod
Konstantin Stanislavski är ett namn som du utan tvekan är bekant med, eller förväntar dig att känna det som ditt eget. Hans teknik är kanske den mest allmänt accepterade metoden som du kan närma dig skådespeleri. Idén bygger på den fasta grunden att en skådespelare måste känna de känslor som karaktären upplever varje gång han eller hon kommer in på scenen. Enligt Stanislavskis metod måste skådespelaren tänka, agera och bete sig sanningsenligt som karaktären skulle göra; ergo bli ett med karaktären. Gå in i detalj på hur en karaktär skulle bete sig i vissa situationer och leta efter genuina psykologiska skäl till varför karaktären gör som den gör. Detta får skådespelaren att förkroppsliga livet på scenen.
Det magiska ”om”
Du lever ett liv och plötsligt hamnar du i den situation (givet omständigheterna) som sker på scenen. Glöm publiken, det är den fjärde väggen, du lever bara ditt liv med dessa till synes oskyldiga händelser och sedan BAM… Något stötande händer. Vad gör du då? Tänk om detta hände dig? Vad skulle du tänka och hur skulle du agera? Alla har en önskan i hur de beter sig just nu (Inre objekt), vare sig det gäller att få någon att göra något eller att göra något själv. Den stora frågan är vad din (karaktärens) skulle vara i dessa fiktiva ögonblick och hur skulle du uppnå dem?
Meisners teknik
”För att vara en intressant skådespelare – för helvete, för att vara en intressant människa – måste du vara autentisk och för att du ska kunna vara autentisk måste du omfamna den du verkligen är, med vårtor och allt. Har du någon aning om hur befriande det är att inte bry sig om vad folk tycker om dig? Det är vad vi är här för att göra.” – Sanford Meisner om skådespeleri
Sanford Meisner försökte utvidga Stanislavskis läror genom att utveckla hur karaktären tänkte. Praktiken innefattar en komplex träningsstruktur som arbetar med din improvisationsförmåga, framhäver dina känslomässiga reaktioner, tolkar manuskriptet och slutligen lägger ihop allt detta på ett livligt sätt för att framhäva karaktärsdragen med dina egna erfarenheter som kommer till uttryck i arbetet. Skådespelaren ska inte behöva tänka på scenen, han ska vara i ögonblicket och reagera därefter. Meisners teknik fokuserar på karaktärens övergripande känsla, till skillnad från dramatikerns ord som löper parallellt.
Laban Movement
Rörelse är en integrerad del av skådespeleriet, tro det eller ej. Om du stod stilla när du levererade repliker eller gick för att sparka en tvättkorg på samma sätt som du tar ett steg skulle det se konstigt ut. Laban strävade efter att samla alla sätt på vilka mänsklig rörelse kunde undersökas och gick längre än någon annan när det gällde att kvantifiera den. Genom att fokusera på fyra huvudkategorier (kropp, ansträngning, form och utrymme) och genom att förstå förhållandet mellan var och en av dem kan man hjälpa en utövare att karaktärisera sin roll på scenen genom att utnyttja aspekterna på olika sätt. Som sådan bör Laban-rörelser utgöra kärnan i varje skådespelares träning.
-
Kropp – Hur kroppen fungerar på en inre nivå. Hur lemmar är sammankopplade/Hur rörelsen startas från kroppen/Hur påverkar vad på kroppen.
-
Ansträngning – Intentionen med vilken rörelsen levereras. Styrkan/Kontrollen/Timingen av en rörelse är avgörande för att publiken ska förstå vad du försöker göra.
-
Form – Det sätt på vilket en kropp förändras på grund av den rörelse den själv företar.
-
Rymd – Det sätt på vilket en kropp interagerar med sin omgivning. Sättet du går/ Sättet du plockar upp en hink etc.
Michael Chekhovs teknik
Michael Chekhov var Anton Chekhovs brorson och Stanislavskis utropade ”största elev”. Han vet ett och annat om skådespeleri och med Stanislavskis som grund skapade han sitt eget odjur som ett sätt att närma sig skådespeleriet. Den efterföljande regin bygger på idén om att dela upp ditt väsen från karaktärens, minska ditt ego och ditt sätt att leva till ingenting så att endast karaktären som du spelar finns kvar. Tjechovs teknik Det handlar om att släppa taget om allt när man går in i ett kreativt rum, så att alla förutfattade rädslor och tvivel man har övervinns av bara karaktärens tankesätt. Enligt Tjechov åstadkoms inspirerande föreställningar inte genom att hugga vilt i mörkret, utan genom noggranna förberedelser för att gå in i rätt rum mentalt. På så sätt kan du smälta in i den du vill, djärvt och unikt. När allt kommer omkring är det meningen att skådespelare ska fånga den mänskliga andan på ett fantastiskt och annorlunda sätt – om du inte är en kameleont, vad är du då för slags skådespelare?