Skuespil har eksisteret i lang tid, og kunsten i sig selv har en måde at udvikle sig i takt med tiden, de er sat det. Kunstnere har skubbet til de konventionelle normer for, hvad der blev forventet af dem siden Michelangelo og Picasso. Det samme gælder for skuespil, så forestillinger kan opnås med forskellige midler på grund af den konstant skiftende kulturelle atmosfære.
Så der undervises regelmæssigt i systematiserede skuespilteknikker på skuespillerskoler for at udvide horisonten for alle, der ønsker at komme ind på dette område. Man kan specialisere sig inden for et bestemt område, men kernen forbliver den samme; at forstå det kreative minefelt, som man er ved at træde ud i, og vide, hvordan man skal håndtere dem, når man bliver konfronteret med dem.
Her er nogle af de mest populære:
Stanislavskis metode
Konstantin Stanislavski er et navn, du uden tvivl er bekendt med, eller forventer at kende det som dit eget. Hans teknik er måske den mest universelt accepterede metode, som man kan nærme sig skuespilleteknikken efter. Ideen udspringer af det faste grundlag, at en skuespiller skal føle de følelser, som karakteren oplever, hver gang han eller hun kommer på scenen. Ifølge Stanislavskis metode skal skuespilleren tænke, handle og opføre sig sandfærdigt, som karakteren ville gøre det; ergo bliver han ét med karakteren. At gå ind i detaljerne om, hvordan en karakter ville opføre sig i bestemte situationer og lede efter ægte psykologiske årsager til, hvorfor karakteren gør, som den gør. Dette tvinger skuespilleren til at legemliggøre livet på scenen.
Det magiske “hvis”
Du lever et liv, og pludselig bliver du kastet ind i den situation (givet omstændighederne), der sker på scenen. Glem publikum, det er den fjerde væg, du lever bare dit liv med disse tilsyneladende uskadelige hændelser, og så BAM… Der sker noget stødende. Hvad gør du så? Hvad nu, hvis det skete for dig? Hvad ville du tænke, og hvordan ville du handle? Alle har et ønske i den måde, de opfører sig på lige nu (Indre objekter), uanset om de får nogen til at gøre noget eller selv gør noget. Det store spørgsmål er, hvad dit (karakterens) ville være i disse fiktive øjeblikke, og hvordan ville du opnå dem?
Meisners teknik
“For at være en interessant skuespiller – for fanden, for at være et interessant menneske – skal du være autentisk, og for at du kan være autentisk, skal du omfavne den, du virkelig er, vorter og alt. Har du nogen idé om, hvor befriende det er at være ligeglad med, hvad folk tænker om dig? Det er det, vi er her for at gøre.” – Sanford Meisner om skuespil
Sanford Meisner søgte at udvide Stanislavskis lærdom ved at udvikle, hvordan karakteren tænkte. Øvelserne involverer en kompleks træningsstruktur, der arbejder med dine improvisationsevner, bringer dine følelsesmæssige reaktioner frem, fortolker manuskriptet og til sidst lægger det hele sammen på en livagtig måde for at få karaktertrækkene frem med dine egne erfaringer, der springer ud i arbejdet. Skuespilleren bør ikke skulle tænke på scenen, han bør være i øjeblikket og reagere derefter. Meisners teknik fokuserer på karakterens overordnede følelser i modsætning til dramatikerens ord, der løber parallelt.
Laban Movement
Bevægelse er en integreret del af skuespillet, tro det eller lad være. Hvis du stod stille og leverede replikker eller gik hen og sparkede til en vasketøjskurv på samme måde, som du tager et skridt, ville det se mærkeligt ud. Laban havde til formål at samle alle de måder, hvorpå den menneskelige bevægelse kunne undersøges, og gik længere i kvantificering af den end nogen anden. Ved at fokusere på fire hovedkategorier (krop, anstrengelse, form og rum) kan en forståelse af forholdet mellem hver af dem hjælpe en udøvende kunstner med at karakterisere sin rolle på scenen ved at udnytte aspekterne forskelligt. Som sådan bør Laban-bevægelse være kernen i enhver skuespillers træning.
-
Krop – Hvordan kroppen fungerer på et indre plan. Hvordan lemmer er forbundet/Hvordan bevægelsen startes fra kroppen/Hvad der påvirker hvad på kroppen.
-
Anstrengelse – Den intention, hvormed bevægelsen leveres. Styrken/kontrollen/timingen af en bevægelse er afgørende for, at publikum forstår, hvad du forsøger at gøre.
-
Form – Den måde, som en krop ændrer sig på grund af den bevægelse, den selv foretager.
-
Rum – Den måde, hvorpå en krop interagerer med sine omgivelser. Den måde du går på/Den måde du samler en spand op osv.
Michael Chekhov’s Technique
Michael Chekhov var Anton Chekhov’s nevø og Stanislavski’s udråbte ‘største elev’. Han ved et og andet om skuespil og har med Stanislavskis som grundlag skabt sit eget bæst som en måde at gribe det an på. Den efterfølgende instruktion lænede sig op ad ideen om at adskille dit væsen fra karakterens, at reducere dit ego og dine måder at leve på til ingenting, så kun den karakter, du spiller, er tilbage. Tjekhovs teknik Det handler om at give slip på alting, når man træder ind i et kreativt rum, så al den forudfattede frygt og tvivl, man har, bliver overvundet af blot karakterens tankegang. For Tjekhov er inspirerende forestillinger ikke fremkaldt ved at stikke vildt i mørket, men ved omhyggelig forberedelse til at træde ind i det rette rum mentalt. På den måde får du mulighed for at smelte ind i den person, du ønsker, modigt og unikt. Når alt kommer til alt er det meningen, at skuespillere skal indfange den menneskelige ånd på en fantastisk og anderledes måde – hvis du ikke er en kamæleon, hvilken slags skuespiller er du så?