The Blues
Uma das pedras angulares da música americana, o 12-bar blues oferece possibilidades quase ilimitadas de variação harmónica.
Na sua forma mais básica utiliza apenas acordes I, IV e V, mas os músicos de jazz são agora mais propensos a tocar alguma variação num ‘bebop blues’, como exemplificado por músicas de Charlie Parker como ‘Billie’s Bounce’, ‘Now’s The Time’, ‘Cheryl’ e ‘Relaxin’ em Camarillo’.
As mudanças de ‘Blues for Alice’ do Bird são um caminho ainda mais harmoniosamente denso através da sequência de 12 compassos.
A maioria dos álbuns de jazz clássicos em linha recta contêm pelo menos um blues, e praticamente todos os grandes compositores de jazz já abordaram a forma.
Lista de cabeças de blues comuns
- Take The Coltrane (Duke Ellington)
- C Jam Blues (Duke Ellington)
- Things Ain’t What They Used To Be (Duke Ellington)
- Sandu (Clifford Castanho)
- Bags’ Groove (Milt Jackson)
- Blue Monk (Thelonious Monk)
- Straight No Chaser (Thelonious Monk)
- Billie’s Bounce (Charlie Parker)
The minor blues is another, menos frequente, variação na forma de 12 barras. Exemplos incluem ‘Birks Works’ (Dizzy Gillespie) e Mr. P.C. (John Coltrane).
Classic blues recording: Charlie Parker – Now’s The Time
Bird’s mix of chromatic bebop and expressive blues language contrasta com uma abordagem mais contida e diatónica de um jovem Miles Davis.
Gravação moderna do blues: Jochen Rueckert Quartet feat. Melissa Aldana
Mudanças de ritmo
Após o blues, ‘Rhythm changes’ é a próxima forma mais comum no jazz.
O termo refere-se a músicas que são baseadas na harmonia do ‘I Got Rhythm’ de George Gershwin. Tem uma forma AABA de 32-bar com secções A normalmente na chave do B maior plano e uma ponte contendo um ciclo de acordes dominantes. (Na verdade, ‘I Got Rhythm’ tem uma etiqueta extra de duas barras na última seção A, fazendo uma forma de 34 barras, mas a maioria das músicas de mudanças de ritmo não incluem isso).
Músicas famosas de jazz baseadas em mudanças de ritmo
Existem inúmeras músicas famosas baseadas na forma, incluindo:
- Oleo’ (Sonny Rollins)
- Moose The Mooche (Charlie Parker),
- Ow (Dizzy Gillespie)
- Cottontail (Duke Ellington)
- Ritmo-a-Ning’ (Theloniou Monk)
Like the blues, As mudanças de ritmo oferecem aos jogadores a possibilidade de implicar uma série de substituições harmônicas, com inúmeras rotas através das seções A especialmente, e é muitas vezes usado como um número up-tempo para os jogadores flexibilizarem seus músculos musicais ou “batalha” com outros jogadores.
Um número de mudanças de ritmo, incluindo ‘The Eternal Triangle’ (Sonny Stitt), ‘Straight Ahead (Kenny Dorham) e ‘Dizzy Atmosphere’ (Dizzy Gillespie), utilizam uma ponte alternativa, cromaticamente descendente.
Gravação clássica: Miles Davis – Oleo
Do álbum Relaxin’ With The Miles Davis Quintet de 1956, este take apresenta um grande solo de John Coltrane que está repleto de mudanças arquetípicas de vocabulário.
A gravação de 1954 do Bags’ Groove de Miles fornece uma comparação interessante, com mais brilho tenor de Sonny Rollins, o compositor.
Gravação de mudanças de ritmo moderno: Joshua Redman/Brad Mehldau – Oleo
Folhas de Outono
Originalmente intitulada ‘Les Feuilles Mortes’, esta canção francesa recebeu letra inglesa e foi retitulada por Johnny Mercer e é um dos padrões de jazz mais instantaneamente reconhecidos, tendo sido gravada comercialmente mais de 1000 vezes!
Oferece uma grande introdução a alguma harmonia jazzística central, uma vez que é largamente baseada em longas (um acorde por compasso) Progressões II-V-I tanto em teclas maiores como menores, sendo estas provavelmente as cadências mais usadas no jazz.
Gravação clássica: Cannonball Adderley – Autumn Leaves
Do álbum Somethin’ Else, esta é outra versão clássica padrão de jazz que apresenta Miles Davis. Esta clássica sessão Blue Note foi uma das últimas aparições do trompetista e Cannonball Adderley é um dos seus solos de blues mais conhecidos.
Gravação moderna: Keith Jarrett – Autumn Leaves
Esta versão recomendada de Autumn Leaves, tocada pelo Keith Jarrett Trio, foi lançada como parte do álbum ao vivo de Tóquio ’96. Você pode saber mais sobre seus lendários lançamentos ao vivo no ECM aqui.
All The Things You Are
Jerome Kern, famoso odiador de músicos de jazz interpretando e improvisando sobre suas músicas de teatro cuidadosamente criadas.
Felizmente para ele, muitas das suas composições tornaram-se padrões de jazz (outras incluem ‘Smoke Gets in Your Eyes’, ‘The Way You Look Tonight’ e ‘Long Ago and Far Away’), mas ‘All The Things You Are’ é um favorito particular.
Atravessa uma série de mudanças harmónicas surpreendentes e viagens através de vários centros chave tornam-no um desafio para os improvisadores, particularmente em comparação com outras canções mais simples do Songbook americano.
Contém muitas cadências clássicas de jazz, incluindo quick (dois acordes por compasso) e long (um acorde por compasso) II-V-Is, que você pode aprender mais sobre aqui.
A canção originalmente apareceu no musical Very Warm For May do Kern, que de outra forma era algo como um flop.
Melodias escritas sobre o acorde muda para ‘All the Things You Are’
- Ablution (Lennie Tristano)
- Prince Albert (Kenny Dorham)
Gravação clássica: Dizzy Gillespie – All the Things You Are
Esta gravação de 1945 inclui a famosa introdução de Gillespie, que desde então se tornou uma parte padrão da canção.
Se nunca a ouviu antes, ouça um jovem Michael Jackson a cantar uma interpretação algo surpreendente da canção em 1973.
Versão moderna de All The Things You Are – Dick Oatts
Passos Gigantes
Nos anos 60 John Coltrane abraçaria a procura do jazz modal, onde ele explorou um acorde ou escala por longos períodos em álbuns como A Love Supreme.
Mas diretamente antes desse período ele estava experimentando com música que, com mudanças rápidas de acorde e centros de teclas se movendo em terços, era quase o oposto polar dessa abordagem.
Giant Steps quase parece um exercício técnico, e é famoso por ser difícil de tocar: certamente o mundo do jazz não tinha ouvido nada parecido quando Coltrane gravou a peça em 1959 (embora ‘Moment’s Notice’ e ‘Lazy Bird’ do Blue Train de Coltrane de 1957 a prefigurem até certo ponto).
Outras músicas que usam ‘Coltrane changes’
- Countdown (baseado no padrão de jazz Tune Up)
- Satellite (baseado no padrão de jazz How High The Moon)
- 26-2 (baseado no clássico Bebop Confirmation)
‘Coltrane changes’ também pode ser aplicado às cadências normais II-V-I como uma substituição harmónica. ‘Passos Gigantes’ é provavelmente menos provável que seja chamada numa sessão de gig ou jam do que outros padrões de jazz desta lista, mas virtualmente todos os músicos de topo já o terão estudado em algum momento, e se conseguir construir melodias fortes sobre uma sequência de acordes rápida e estranha como essa, então estará pronto para quase tudo.
Gravação clássica: John Coltrane – Passos Gigantes
A gravação original, clássica de 1959 apresenta o saxofonista tenor rasgando através das mudanças.
Versão moderna dos Passos Gigantes – Kenny Garrett (Triologia)
So What/Impressions
No final dos anos 50, os músicos começaram a experimentar o jazz modal, A harmonia mais funcional do bebop (largamente baseada em cadências II-V-I) foi descartada a favor de acordes e escalas correspondentes que frequentemente permaneciam estáticas por longos períodos antes dos movimentos para outros acordes e escalas, possivelmente não relacionados.
‘So What’, a faixa de abertura de Kind of Blue – o álbum de jazz mais vendido de todos os tempos – continua a ser o exemplo clássico disto. Tem uma típica forma AABA de 32-bar, com as secções A usando uma escala D dorian, subindo um semitom para E flat dorian.
‘So What’ não é tocada em concertos standard que muitas vezes – talvez porque parece demasiado andar em solo sagrado – mas é uma excelente introdução à abordagem diferente necessária para a improvisação modal.
John Coltrane’s ‘Impressions’ tem os mesmos acordes e forma mas uma melodia diferente, e é normalmente tocada a um ritmo mais rápido.
Gravação clássica: Miles Davis – So What (de Kind of Blue)
Ajudado no seu caminho pelo famoso acidente de címbalo de Jimmy Cobb, o solo de Miles é perfeito: frio, melódico e mostrando seu uso de marca registrada do espaço.
Gravação moderna: Dave Stryker feat. Chris Potter – Impressões
Esta versão moderna recomendada é retirada do álbum Messin’ With Mister T.
Body and Soul
Body and Soul é uma das baladas mais tocadas e gravadas no jazz. Composta por Johnny Green em 1930, é uma canção de amor não correspondido que é a favorita dos cantores e instrumentistas.
Usualmente tocada em D flat major, modula até meio passo para começar a ponte em D major. É harmoniosamente denso, com acordes que se tornam grossos e rápidos. O arranjo de lilting de Coltrane aplica ‘Coltrane changes’ à ponte, e a versão de Freddie Hubbard (do Here To Stay) também adiciona uma torção harmónica.
Gravação clássica: Coleman Hawkins – Body and Soul
Hawkins mal se refere à melodia desta famosa gravação de 1939, mas a sua improvisação altamente cromática prefigura o bebop.
Modern Body & Soul recording – Lionel Loueke
Cherokee
‘Cherokee’ é muitas vezes visto como um teste para músicos de jazz em início de carreira por duas razões principais.
Primeiro, é normalmente tocado rapidamente, com muitas versões chegando a mais de 300 batidas por minuto. Em segundo lugar, a ponte passa por um número de teclas menos familiares, que são percebidas como sendo ‘mais difíceis’, começando com um longo II-V-I a B major, meio passo acima da tecla de casa do B flat major, e descendo em tons a partir daí.
Foi escrito em 1938 pelo bandleader e compositor britânico Ray Noble e, com 64 compassos, é o dobro do comprimento da maioria das músicas padrão. A ‘Ko-Ko’ de Charlie Parker e a ‘Parker 51’ de Jimmy Raney são ambas baseadas na sua sequência de acordes.
Gravação clássica Cherokee: Clifford Brown e Max Roach
Taken from the album Study in Brown and featuring a famous trumpet solo from Brown and an ending that has now almost become standard, this is classic hard bop at a breakneck pace.
Modern recording: Christian McBride – Cherokee (de Out Here)
Take The “A” Train
Composta em 1939 por Billy Strayhorn, este padrão popular foi uma música de assinatura da Orquestra Duke Ellington.
O título refere-se à linha de metro em Nova Iorque, que era nova na altura. Normalmente tocado em dó maior, o terceiro e quarto compassos de cada seção A oferecem a chance de trabalhar no seu ‘secundário dominante’ (o dominante do dominante – neste caso um acorde em ré sete, que é o dominante do sol, que é o dominante do dó), que é destacado pelo 11º agudo na melodia.
Bonus aponta aqui se você aprender o ‘coro de gritos’.
Clásico Pegue a gravação do trem “A”: Duke Ellington and His Famous Orchestra
A partir de 1941, esta é a primeira gravação instrumental. Uma versão Ellington de 1952 apresenta um refrão vocal de Betty Roche.
Gravação moderna: Ehud Asherie – Take the “A” Train
Bossa Azul
Uma jam session favorita, esta composição de Kenny Dorham funde o ritmo da bossa nova com a harmonia do bop duro.
Tem uma forma relativamente curta de 16 compassos, por isso deve ser bastante fácil de memorizar, e oferece um bom treino sobre cadências longas II-V-I tanto em chaves maiores como menores, com harmonia de escala alterada implicada em vários pontos da melodia.
Gravação clássica: Joe Henderson – Blue Bossa
Página Um, a estreia de Henderson como líder de banda, é também uma de várias colaborações clássicas com o trompetista Kenny Dorham. McCoy Tyner também apresenta um conjunto brilhante.
Versão moderna do Blue Bossa – Marcus Printup
Página Um, a estreia de Henderson como líder de banda, é também uma das várias colaborações clássicas com o trompetista Kenny Dorham.