La actuación ha existido durante mucho tiempo, y el arte en sí mismo tiene una forma de evolucionar con el tiempo que se establece. Los artistas han estado empujando las normas convencionales de lo que se esperaba de ellos desde Miguel Ángel y Picasso. Lo mismo ocurre con la actuación, por lo que las interpretaciones pueden lograrse a través de varios medios diferentes debido a la atmósfera cultural en constante cambio.
Por lo tanto, en las escuelas de teatro se enseñan regularmente técnicas de actuación sistematizadas para ayudar a ampliar los horizontes de cualquiera que desee entrar en este campo. Puedes especializarte en un área específica, pero el quid sigue siendo el mismo: entender el campo de minas creativo en el que vas a adentrarte y saber cómo lidiar con ellas cuando te enfrentes a ellas.
Aquí tienes algunos de los más populares:
El Método Stanislavski
Konstantin Stanislavski es un nombre con el que sin duda estás familiarizado, o esperas conocerlo como propio. Su técnica es, tal vez, el método más universalmente aceptado al que puedes acercarte para actuar. Parte de la firme base de que el actor debe sentir las emociones que experimenta el personaje cada vez que entra en escena. Según el método de Stanislavski, el actor debe pensar, actuar y comportarse de forma veraz como lo haría el personaje; es decir, convertirse en uno con el personaje. Hay que profundizar en los detalles de cómo se comportaría el personaje en determinadas situaciones y buscar las verdaderas razones psicológicas de por qué el personaje hace lo que hace. Esto empuja al actor a encarnar la vida en el escenario.
El mágico «si»
Estás viviendo una vida y de repente te ves empujado a la situación (dadas las circunstancias) que está ocurriendo en el escenario. Olvídate del público, esa es la cuarta pared, estás viviendo tu vida con esos sucesos aparentemente inocuos y de repente BAM… Sucede algo ofensivo. ¿Qué haces? ¿Qué pasaría si esto te ocurriera a ti? ¿Qué pensarías y cómo actuarías? Todo el mundo tiene un deseo en cómo se está comportando en este momento (objetos internos), ya sea haciendo que alguien haga algo o haciendo algo tú mismo. La gran pregunta es cuál sería el tuyo (el del personaje) en esos momentos ficticios y cómo lo conseguirías…
Técnica de Meisner
«Para ser un actor interesante -demonios, para ser un ser humano interesante- debes ser auténtico y para que seas auténtico debes abrazar lo que realmente eres, con verrugas y todo. ¿Tienes idea de lo liberador que es que no te importe lo que la gente piense de ti? Pues para eso estamos aquí». – Sanford Meisner on Acting
Sanford Meisner buscó ampliar las enseñanzas de Stanislavski en el progreso del pensamiento del personaje. Las prácticas implican una compleja estructura de entrenamiento que trabaja en sus habilidades de improvisación, sacando a relucir sus respuestas emocionales, la interpretación del guión y, finalmente, sumando todo ello de una manera parecida a la vida para sacar a relucir los rasgos de los personajes con sus propias experiencias estallando en la obra. El actor no debe pensar en el escenario, debe estar en el momento y reaccionar en consecuencia. La técnica de Meisner se centra en la emoción general del personaje, en contraposición a las palabras del dramaturgo que corren en paralelo.
Movimiento Labano
El movimiento es una parte integral en la actuación, lo creas o no. Si te quedaras quieto repartiendo frases o fueras a dar una patada a un cesto de la ropa sucia de la misma manera que das un paso, se vería extraño. Laban se propuso recoger todas las formas en las que se podía examinar el movimiento humano y fue más allá en su cuantificación que nadie. Centrándose en 4 categorías principales (Cuerpo, Esfuerzo, Forma, Espacio), la comprensión de las relaciones entre cada una de ellas puede ayudar a un intérprete a caracterizar su papel en el escenario utilizando los aspectos de forma diferente. Como tal, el movimiento Laban debería estar en el centro del entrenamiento de cualquier actor.
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Cuerpo – Cómo funciona el cuerpo a nivel interno. Cómo se conectan las extremidades/Cómo se inicia el movimiento desde el cuerpo/Qué influye en el cuerpo.
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Esfuerzo – La intención con la que se realiza el movimiento. La fuerza/El control/El tiempo de un movimiento es integral para que la audiencia entienda lo que estás tratando de hacer.
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Formación – La forma en que un cuerpo cambia debido al movimiento que emprende por sí mismo.
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Espacio – La forma en que un cuerpo interactúa con su entorno. La forma de caminar/la forma de coger un cubo, etc.
La técnica de Michael Chéjov
Michael Chéjov fue el sobrino de Antón Chéjov y el proclamado «mejor alumno» de Stanislavski. Sabe un par de cosas sobre la actuación y, tomando como base la de Stanislavski, creó su propia bestia como forma de abordarla. La dirección posterior se apoyó en la idea de escindir tu ser del del personaje, reduciendo tu ego y tus formas de vida a la nada para que sólo quedara el personaje que interpretas. La técnica de Chéjov consiste en desprenderse de todo cuando entras en un espacio creativo, de modo que todos los miedos y dudas preconcebidos que tienes se ven superados por el mero marco mental del personaje. Para Chéjov, las actuaciones inspiradoras no se consiguen apuñalando a lo loco en la oscuridad, sino con una cuidadosa preparación para entrar en el espacio mental adecuado. De este modo, te permite fundirte en quien quieras, de forma audaz y única. Al fin y al cabo, los actores están destinados a captar el espíritu humano de una forma sorprendente y diferente: si no eres un camaleón, ¿qué clase de actor eres?