“VERDENSMUSIK”
(ikke-vestlig)
GENEREL BAGGRUND FOR VERDENSMUSIK
Den vestlige verden har en enorm musikalsk arv, der har udviklet sig gennem mange århundreder; Nogle asiatiske, polynesiske, afrikanske og nærorientalske musiktraditioner har imidlertid levet i Tusindvis af år. Mens Japan, Kina, Indien og Indonesien har langvarige kunstmusiktraditioner (hvor musikken udføres af nogle få veluddannede kunstnere), har de fleste ikke-vestlige samfund ikke kunstmusiktraditioner (“formelle koncerter”) – i stedet opfatter de musikken som en funktionel del af hverdagen, som samfundet som helhed deltager i. Meget af denne musik er improviseret og overlever udelukkende gennem mundtlig overlevering; den kan derfor ikke beskrives i standardiserede vestlige musiktermer eller nedskrives ved hjælp af vestlige notationssymboler. En sådan musik kan kun studeres ved hjælp af en omhyggelig kombination af musikvidenskabelige og antropologiske midler.
Så selv om der må skelnes mellem såkaldt “kunstmusik” (spillet af professionelle) og andre typer “funktionel” musik, er det ikke meningen at antyde, at “kunstmusik” er mere kunstnerisk eller bedre end nogen anden musik.
Væsentlige musikalske overvejelser i ikke-vestlig musik
De fleste typer af ikke-vestlig musik er baseret på begreber, der er helt forskellige fra den vestlige tradition:
Rytme
Ikke-vestlig musik (især afrikansk) kan gøre større og mere kreativ brug af rytme end vestlige idiomer.
Dynamik
I ikke-vestlig musik anvender sjældent dynamik som et selvstændigt begreb. Ændringer i lydstyrke/ro opstår ved at øge/formindske antallet af udøvende musikere.
Melodi
Non-vestlig musik bruger ofte mikrotonale melodiske intervaller, der er mindre eller større end de traditionelle vestlige skalaer.
Harmoni
Generelt er harmoni ikke så vigtig i ikke-vestlige idiomer som i den vestlige verden. Ikke-vestlig musik har måske slet ingen harmoni, eller den kan basere sine harmonier på helt andre skala-systemer end vestlig musik.
Tonefarve
Og selv om ikke-vestlig musik primært er vokal i naturen, har nogle kulturer også udviklet unikke uafhængige familier af instrumenter. Farverige percussionslyde og unikke stryge- og blæseinstrumenter er de mest almindeligt anvendte.
Tekst
Da harmoni ikke er en vigtig faktor, er ikke-vestlig musik ofte enten monofonisk (en enkelt tone eller melodi, der lyder alene) eller heterofonisk (to lidt forskellige versioner af den samme melodi, der fremføres på samme tid).
Form
Non-vestlig musik er mere frit struktureret end vestlig musik, og de fleste typer er i høj grad afhængige af improvisation (kreativitet på stedet). Denne form for musik overføres mundtligt; den bliver derfor sjældent – hvis overhovedet – udført på samme måde to gange.
Udvalgte eksempler på verdensmusik
Afrikansk musik
Musik – især vokalmusik – er en integreret del af det daglige liv i den afrikanske verden. Praktisk talt enhver begivenhed af betydning for et individ eller for kulturen som helhed fejres med musik. Mange afrikanske sprog er “tonale” (betydningen af et ord afhænger af det tonehøjde-niveau, som det tales på); afrikanske melodier følger derfor normalt tonehøjdekonturen af deres tekster. Afrikanske melodier er baseret på skalaer, der er helt anderledes end dem, man finder i Vesten.
Et fælles træk ved afrikanske vokalsange er “call and response”, hvor lederen af sangen improviserer et narrativt “call” om en tidligere eller aktuel begivenhed, hvorefter gruppen som helhed synger et gentaget “response”, som forbliver det samme gennem hele sangen. Call-and-response-teknikken blev med tiden et vigtigt element i den sortprægede populærmusik i den vestlige verden.
Improvisation og indviklede polyrytmer (den samtidige kombination af to eller flere forskellige rytmiske mønstre) er rigt forekommende i afrikansk musik, og afrikanske musikere har udviklet disse til et meget højere niveau, end man normalt finder i traditionelle vestlige musikstilarter.
Langt før opfindelsen i den vestlige verden af telegrammet, telefonen eller morsekoden havde der allerede været en lang tradition for at bruge forskellige slags trommer til at “tale” (recitere digte, sende “verbale” advarsler eller overføre egentlige komplekse budskaber i stil med det talte ord over lange afstande).
Figur 1: De forskellige musikalske regioner på det afrikanske kontinent (se kortet til højre)
Musikalske eksempler:
Klik her for at se afrikansk trommespil, sang og dans fra Angola (det nedre Vestafrika) via YouTube.
Klik her for at se koraen (en 13-strenget broharpe) spillet og forklaret af Kinobe–en sanger/performer fra Uganda (Dungu–Den Demokratiske Republik Congo).
Klik her for at se en nigeriansk trommeslager forklare og give et kort eksempel på, hvordan man spiller på en afrikansk “talende tromme” (bemærk, at spilleren med venstre arm klemmer på de strenge, der omgiver trommens glasformede ydre træskal, for at hæve dens tonehøjde). På denne måde kan trommer bruges til at simulere et egentligt sprog og bogstaveligt talt overføre komplekse budskaber.
* * * * * *
KUNSTMUSIKFRA INDONESIEN
Republikken Indonesien består af omkring 13.000 øer i Stillehavet, hvoraf kun 4.000 er navngivne og kun 1.000 er beboede. Dette komplekse samfund er en sammensmeltning af mere end 300 etniske grupper og over 250 forskellige sprog. Ud af denne mangfoldighed er der opstået en universel mangfoldighed af en helt særlig “indonesisk” musik, nemlig gamelanmusikken fra øerne Java og Bali (især Bali, som har en meget kompleks tradition). En Gamelan er et farverigt instrumentalensemble, der primært består af usædvanlige slagtøjsinstrumenter, herunder trommer, gonger og xylofoner af træ (som f.eks. kønnet eller bronze (som f.eks. bonang). Disse slagtøjsinstrumenter kan suppleres med en lille bambusfløjte eller et simpelt strengeinstrument og kan bruges som akkompagnement til traditionelle rituelle danse. Gamelan-instrumenterne har tonehøjder, der for vestlige ører lyder “ustemte” (mikrotoner). Som følge heraf kan denne musik ikke gengives nøjagtigt med vestlig notation.
Figur 2: Kort over Indonesien (med fremhævelse af Bali og Jakarta (hovedstaden på øen Java)
Musikalsk eksempel:
Klik på gamelanillustrationen nedenfor for at se etYouTube-klip.
Figur 3: Almindelige instrumenter i gamelan
* * * * * * *
MUSIKKEN I MEXICO
Forud for den spanske erobring (1519-21) var musikken en vigtig del af det aztekiske og mayaernes sociale liv på den mexicanske halvø. Med spaniernes ankomst blev de europæiske instrumenter hurtigt blandet med de indfødte musiktraditioner. Det mest bemærkelsesværdige resultat af denne kombination af påvirkninger er den mexicanske Mariachi-musik – en sang- og dansetradition med sangere, akustiske diskant- og basguitarer, violin, trompet og undertiden harpe. På trods af deres europæiske oprindelse giver disse instrumenter lyde, der er unikt latinamerikanske.
Figur 4: Kort over Mexico, hvor Jalisco – Mariachi-musikkens fødested – er fremhævet.
Figur 5: Traditionelle instrumenter i et mexicansk Mariachi-band
Musikalsk eksempel:
Klik på Mariachi-fotoet ovenfor for at se et YouTube-klip af den berømte Mariachi Vargas.
* * * * * *
KUNSTMUSIK FRA JAPAN
Japansk musik har haft en rig populær og klassisk tradition, der har strakt sig over mere end 1.000 år, med mange stilarter og idiomer. De vigtigste japanske instrumenter er kotoen, shamisen (en 3-strenget “banjo”) og shakuhachi (en bambusfløjte med 4 huller).Kotoens 13 strenge er stemt til en pentatonisk skala på 5 toner. Strengene trækkes, skrabes eller slås med “fingerplukker” af elfenben for at frembringe en række forskellige musikalske effekter. Spilleren kan også ændre tonehøjden på en streng ved at skubbe eller trække i strengen med venstre hånd.
Figur 6: Kort over de traditionelleregioner i Japan
Figur 7: Traditionelle kunstmusikinstrumenter i Japan
Musikalske eksempler:
Klik på illustrationen af de japanske instrumenter ovenfor for at høre en smuk fortolkning på YouTube-klip af den berømte japanske folkesang “Sakura” spillet på koto.
Klik her for at se en grundlæggende demonstration af, hvordan man spiller “Sakura” på koto, som det ses på YouTube.
Klik her for at se en sammensmeltning af koto, shamisen og shakuhachi med rockinstrumenter i et YouTube-klip af “Sakura” (“Cherry Blossoms”).
* * * * * *
KUNSTMUSIK I NÆR- OG MELLEMØSTEN
Nær- og Mellemøsten omfatter mange lande, der grænser op til Middelhavet, Vestasien og Nordafrika og er domineret af islamisk-arabisk-, persisk- og tyrkisktalende folk, der deler folke- og kunstmusiktraditioner, der går tilbage til det 7. århundrede. Et af de mest gennemgribende aspekter af den mellemøstlige kunstmusik er den ‘Ud–ashort-halsede fretless-lute med en pæreformet krop og fem par strenge. I modsætning til den vestlige lut spilles ‘Ud’en som et monofonisk melodisk instrument, der ofte ledsages af det farverige rytmiske akkompagnement fra darabukkah (også kaldet “Darbuka” eller “Doumbek”) – en lille lertromme, der ændrer tonehøjde, når spilleren lægger et variabelt fingertryk på trommeskindet.
Figur 8: Et politisk kort over Mellemøsten
Figur 9: Traditionelle instrumenter i Mellemøsten
Musikalske eksempler:
Klik på illustrationen af mellemøstlige instrumenter ovenfor for at se et YouTube-klip af ‘Ud og Darabukkah, der spiller sammen). Hvis du er interesseret i at studere den indre struktur af dette eksempel på en tyrkisk “sama’i”, kan du se hele videoen, som viser de vekslende sektioner, der kaldes kjana og thetaslim.
Klik her for at se en mestertrommeslager på Darabukkah, der udfører nogle utrolige numre på YouTube.
Klik her for at se “Ud og Darabukkah ledsage sangen af bodsbønnerne i et YouTube-klip af en jødisk Selichot-gudstjeneste som forberedelse til de hellige dage.
* * * * * *
KUNSTMUSIK I KINA
Traditionel kinesisk musikkan spores 7.000-8.000 år tilbage på baggrund af fundet af en knoglefløjte, der er lavet i bondestenalderen. I Xia-, Shang- og Zhou-dynastierne var det kun kongefamilier og højtstående embedsmænd, der nød musik, som blev spillet på klokkespil og klokker. I løbet af Tang-dynastiet blev dans og sang en almindelig udbredelse, der spredte sig fra det kongelige hof til det almindelige folk. Med indførelsen af fremmede religioner som buddhisme og islam blev eksotiske og religiøse melodier optaget i den kinesiske musik og blev nydt af kineserne på messer, der blev organiseret af religiøse templer.
Diverse typer af kinesisk opera udviklede sig i løbet af Ming- (1300-1600-tallet) og Qing-dynastierne (1600-1900-tallet), og den berømte Beijing-opera blev et af de tre vigtigste aspekter af kinesisk kultur (sammen med kinesisk medicin og kinesisk maleri) To vigtige kinesiske instrumenter er zheng’en (et stort, plukket instrument med 13 til 21 brostrenge) og erhu’en (et 2-strenget strygeinstrument)).
Figur 10: Et kort, der viser den tættenærhed mellem Kina, Indien, Indonesien, Japan og Mellemøsten
Figur 11: Traditionelle kinesiske instrumenter – erhu og zheng
Klik på billedet af de kinesiske instrumenter ovenfor for at se et YouTube-klip af The Orchid Ensemble, der spiller på erhu, zheng og en række kinesiske og vestlige slagtøjsinstrumenter.
Klik her for at se et eksempel på traditionel kinesisk opera på YouTube med indbygget oversættelse og med en helt anden lyd og æstetik end vestlig opera. (Ideen her er ikke at vurdere, om musikken er “god” eller “dårlig”, men blot at få en idé om den bredere vifte af lyde og udtryk, der er mulig i verdensmusikken.)
* * * * * * *
KUNSTMUSIK FRA INDIEN
Indien har musikalske traditioner, der går omkring 3.000 år tilbage i tiden. Indiskklassisk musik er improvisatorisk og anvender sofistikerede melodiske og rytmiske systemer kaldet ragas (melodiske mønstre) og talas (rytmiske mønstre), der styrer den udøvende kunstners valg af komplekse tonehøjder, ornamenter og rytmer.Indiske kunstnere anser deres musik for at være spirituel i sin natur – hver ragais er forbundet med en bestemt stemning, såsom ro, kærlighed eller heltemod.Indisk musik overføres mundtligt fra mester-lærer (guru) til eleven, der lærer ved nøje at efterligne læreren – ikke fra en skriftlig tradition. Kun de grundlæggende elementer i et stykke noteres – de væsentlige ornamenter og udførelser kan ikke skrives ned, men skal internaliseres gennem mange års intensivt studium.
Det vigtigste kunstmusikinstrument i Indien er sitar’en – en langhalset lut med et bredt gribebræt og bevægelige bånd. I løbet af 1960’erne, hvor rockkunstnere som Beatles søgte oplysning gennem indiske guruer, blev sitar’en populær i Vesten. Den mest kendte indiske guru/sitarmester er Ravi SHANKAR, som er mest kendt i Vesten for sin optræden på Woodstock i 1969. Sitaren kan være ledsaget af et slagtøjsinstrument kaldet Tabla.