おそらく多くの人が、意識することなく、すでにモビールアートに出会っていることでしょう。 モビールとも呼ばれるこれらの構造は、通常、ベビーベッドの上に吊るされ、乳幼児に娯楽と視覚的なシミュレーションを提供するために設計されています。 しかし、その用途はそれだけにとどまらず、モビール作家のアレキサンダー・カルダーの貢献により、多くの類似した構造が創造的なインテリア装飾の一部となり、広く芸術作品と見なされているのです。 モビールの特徴は、その芸術的効果を得るために、バランスと動きに頼っていることです。モビールは、多くの要素、通常は抽象的な形状を、ワイヤー、紐、金属棒などで相互に接続することによって構成されています。 そのため、従来の彫刻とは異なり、静止しているのではなく、気流やわずかな接触、あるいは小さなモーターによって動き出す、キネティック・スカルプチャー（運動彫刻）の一種と言えるでしょう。 各パーツの優れたデザイン、そして全体としての構造は、おそらくその素晴らしい美学の核となる、ある種の均衡を達成することに成功しているのでしょう。
A brief history of Modern Mobile Art
風鈴もモビールだと考えると、モビール芸術はかなり長い歴史があることが分かります。 アジアやギリシャ、古代ローマでは、ガラスやブロンズ、木などを使って、筒や棒、鈴などを吊るして、風と風との接触で音を鳴らす風鈴が作られていました。 風鈴は現在でも見ることができ、縁起を担いで玄関に置いたり、悪霊を追い払ったりする文化もある。 しかし、モビールが芸術の世界に登場したのは20世紀初頭のことで、ロシア構成主義の芸術家の作品や初期のキネティックモビールの彫刻がモビールの実験を始めた。特にアレクサンドル・ロドチェンコ、ナウム・ガボ、ウラジミール・タトリンといった芸術家がそうである。 1920年、シュルレアリスムのアーティスト、マン・レイは、モビールアートの最初の例といえるものを発表した。「オブストラクション」と名付けられたこの作品は、鋤や馬車を引く馬やラバに取り付けられる力機構、ウィップルツリーをもとに、29個のコートハンガーを組み立てたものである。 鋤や馬車を引く馬やラバに付いている力装置「ウィップルツリー」を応用し、同じ物理法則で連結し、均等に力を分散させることでバランスをとっています。 その10年後、イタリアのデザイナー兼アーティスト、ブルーノ・ムナーリは、厚紙と鮮やかな色彩で作られた、環境との相互作用を考慮した「役に立たない機械」（Macchine Inutili）を制作した。 そして1930年代、アレクサンダー・カルダーの革新的な吊り下げ式モビールのデザインによって、芸術的媒体としての彫刻の意味と目的が根底から揺さぶられることになったのだ。
The Revolutionary Mobiles of Alexander Calder
1943年にアルベルト・アインシュタインは近代美術館で開かれたアレキサンダー・カルダーのハンギング作品展を訪れて有名な言葉を残している。 “I wish I had thought of that “という言葉は有名である。 これが彼のモビールが達成したことの十分な認識でないとすれば、何がそうなのかよくわからない。 実際、この傑出したアーティストのキネティック作品が画期的なのは、彼が好奇心と実験精神に富んでいたからである。 彼もまた、ウィップルツリーのメカニズムの可能性を追求しましたが、キャリングエレメントの両端に低いエレメントを取り付けるのではなく、抽象的な形状に置き換えました。
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1931年、マルセル・デュシャンは「モビール」という言葉を作り、この言葉を使って、この芸術家の初期の機械仕掛けの作品を説明し、その重要な特徴として動きを定義づけました。 これらの作品は、幾何学的な図形とシンプルな色彩を用いたピエト・モンドリアン、ジョアン・ミロ、ソフィー・タウバー＝アルプらの抽象作品に影響を受けています。 彼はこのような抽象性を、空間の中を動く形、通常はシートメタルで作られ、同じ色で塗られ、時には布、ゴム、コルク、拾い物など、異なる物を伴うことによって発信した。 クランクやモーターで動くモビールは、やがて彼の代表作となり、彫刻のメディアとしての捉え方を変えました。 興味深いのは、彼がモビール・アートにおける機械の重要性を、人類の未来にとって重要な新しいファクターとして強調し、しばしば自分の作品を役に立たない、意味のないものと表現していたことです。 “ただ美しい”、それだけなんです。 それを理解すれば、とても感情的になることができる。 もちろん、何らかの意味があれば理解しやすいが、それでは遅すぎる」
アレクサンダー・カルダーは、ミニチュア作品から高さ100フィートにも及ぶインスタレーション全体まで、こうした無駄で無意味な吊り下げ式のモビールを何千と作ることになる。 また、コレクターの間でも人気が高く、2014年には、1957年に制作された「ポワソン・ヴォラン」がクリスティーズ・ニューヨークでなんと2600万ドルで落札されています。
Video – Alexander Calder Mobile Art piece entitled Poisson Volant, 360 View
Mobiles Today
Alexander Calder がモバイル アートの分野で絶対的に優位に立っているため、今日、この創造的な分野で運試しをする人はあまりおらず、したとしても、たいてい彼と不利な方法で比較されて終わるだけでしょう。 しかし、20世紀におけるモダンからコンテンポラリーへのデザインの進化は、素材、手法、視覚的な側面において、多くの可能性を与えてくれる。 モビールは、どんなスタイルや空間にも合うように調整し、カスタマイズできるユニークなアートであり、時代を超越したエバーグリーンな存在なのです。 今日、「モバイルの父」が残した強力な遺産に怯むことなく、才能あるモバイルクリエイターが数人います。 1980年代初頭から天然金属やカラフルな布などの素材を用いて吊り下げ式のキネティック作品を制作してきたジョエル・ホッチキス、ヘンリー・シーガーマンと共同で小さなファインアート彫刻や特注の大型モビール、3Dプリント作品を制作するマルコ・マーラー、ジュリー・フリスのハンドメイド作品、マティスのジャズ切り絵にインスピレーションを得て制作したジョセフ・クレイグ・イングリッシュ、ティモシー・ローズの内在型構築、キャロリン・ウィアーのキネティック作品・・・などがその例です。
Alexander Calder: アレクサンダー・カルダーは、彫刻の伝統的な形態を単に改作するのではなく、この媒体のまったく新しい可能性を構想し、その静的な性質を動的で応答的なものへと変化させたのです。 本書は、個人的なドローイングやメモの複製に加え、幅広い著名な研究者による新たな研究を掲載し、彼の愛したモビールの驚くべき深さへの理解を深め、モダニズムの象徴としての彼の地位を確固たるものにするものです。 本書は、機械工学者としての彼のトレーニングが、彼をモダニズムの最も魅力的で影響力のある人物の一人に変えた、モビールとキネティック彫刻の特徴的なフォームを開発することにどのように影響したかについての洞察を与えてくれます。