Når folk taler om, at 2016 har været et forfærdeligt år, kan de henvise til mange forskellige ting, fra virusangst til elskede berømtheders død til hvad fanden der end skete den 8. november. Hvad de dog ikke kan mene, er filmene. Kun de, der har brugt alle deres penge på det største Hollywood-produkt, kan virkelig klage over biografen i 2016 (og selv da ville de have nogle ret gode Marvel-film og en solid Star Wars-spin-off at falde tilbage på). Som sædvanlig var der ikke noget stort samlende element, der forbandt alle årets bedste film, men der var nogle fælles temaer og motiver: sorg og håndteringen af den, spændte familiebånd, ansvaret (og byrden) ved religiøs tro og selvfølgelig biler. Mere end et par af årets bedste film tog sig også tid til at fremhæve detaljerne i det normale liv og knyttede deres drama, komedie eller deliriske fantasi til noget helt almindeligt, som man kan relatere til. Matematisk rangeret af vores seks faste anmeldere, der hver især har indsendt en kommenteret stemmeseddel, har de 20 film nedenfor alle mindst én ting til fælles: De gjorde 2016 lidt lettere at bære, enten ved at tilbyde en flugt fra dets mareridt eller ved at hjælpe med at give mening til dem.
Denne browser understøtter ikke video-elementet.
20. Louder Than Bombs
Reklame
Norges Joachim Trier (Oslo, 31. august) er en stor filmskaber, der ofte forveksles med blot en god, hvilket er med til at forklare, hvorfor hans engelsksprogede debut fik en høflig kritisk modtagelse tilbage i foråret, inden han stille og roligt forsvandt fra synet, sindet og skærmene. Men på sin mindre vigtige måde er Louder Than Bombs en stor bedrift: et intimt familiedrama, der gør den private proces med sorghåndtering til en spændende audiovisuel oplevelse. Filmen, der er centreret om en familie, der kæmper med den berømte fotografiske matriarks død (Isabelle Huppert, der har et helvedes godt år), bruger en collage af velkendte stilistiske/fortællende tricks – flashbacks, drømmesekvenser, flere fortællere, elliptisk montage – til at sætte seerne direkte ind i den følelsesmæssige tilstand hos sine karakterer, en far (Gabriel Byrne) og hans to sørgende sønner (Devin Druid og Jesse Eisenberg, sidstnævnte har også et ret godt år). Den er romanagtig i sin indsigt og spændende filmisk i sin teknik og fortjener i det mindste en del af den ros, som 2016’s kritiske darlings er blevet overøst med, herunder dens nærmeste åndelige slægtning, den anden undersøgelse af lukkede mænd i sorg, der sidder pænt i toppen af netop denne liste.
19. Jackie
Antaler
Denne impressionistiske fremstilling af den tidligere førstedame fra instruktøren Pablo Larrain, manuskriptforfatteren Noah Oppenheim og stjernen Natalie Portman er ikke strengt taget en Jacqueline Kennedy Onassis-biograffilm, men er først og fremmest et kig på, hvordan Jackie håndterede den umiddelbare efterdønning af mordet på præsident John F. Kennedy. Et par flashbacks minder om, hvordan den patricianske fru Kennedy vandt et skeptisk Amerika for sig og blev et stilikon. Men hovedparten af filmen handler om, hvordan hun gjorde sine rettigheder som enke gældende for at sikre, at hendes mand blev hædret ordentligt, på et tidspunkt, hvor hele landet var på spændingen. Portmans jernhårde præstation bekræfter værdigheden af en institution, der ofte opfattes som arkaisk og useriøs. I mellemtiden forstærker de hjemmebiografiske visuelle teksturer fra filmfotograf Stéphane Fontaine og et spændende, slidstærkt Mica Levi-musik de medrivende kvaliteter i en film, der argumenterer for værdien af ritualer, symboler og traditioner, selv midt i en ufattelig tragedie.
18. Midnight Special
Reklame
En jagtthriller, en overnaturlig parabel, et eksperiment i minimalistisk fortælling og vedvarende mystik – Jeff Nichols’ fremragende udflugt i genrestoffet er så uløseligt forankret i den amerikanske hverdagsvirkelighed, at det kan være let at overse, hvor mærkelig og ualmindelig den er som filmværk. Motellerne, tankstationerne og vejkanterne, hvor en stor del af filmen foregår, ser velkendte ud, og historien føles som om den er blevet fortalt før: et barn med ekstraordinære kræfter, der forfølges af regeringsagenter og dommedagskultister. Men Nichols, der er begavet med et øje for suggestive tomme rum og landskaber, skaber noget tvetydigt, gribende og i sidste ende transcendent, idet han risikerer meget på præstationer, uudtalte interne konflikter og en slutning, der synes at afsløre for meget, men ikke rigtig. Anført af Michael Shannon, der har medvirket i alle Nichols’ film, er det store cast fantastisk; selv om Joel Edgerton har modtaget rosende ord for sin rolle i Nichols’ Loving (også udgivet i år), er hans lakoniske birolle her nok hans bedste arbejde.
17. Right Now, Wrong Then
Reklamefilm
Den berømte koreanske filmskaber Hong Sang-soo har aldrig opnået bare den moderate succes i USA. som sine landsmænd Bong Joon-ho (Snowpiercer) og Park Chan-wook (se #6), mest fordi han laver små, snakkesalige, stort set plotløse film om uduelige, fordrukne mænd (næsten alle er filminstruktører og/eller manuskriptforfattere – ingen er mere fast forankret i devisen “skriv det, du kender”). Right Now, Wrong Then bevæger sig ikke langt væk fra skabelonen, men det er måske den mest gennemgående underholdende film, som Hong endnu har udtænkt. I den afslappede, forsigtigt undersøgende første halvdel møder den sædvanlige berømte kunstfilmsinstruktør (Jeong Jae-yeong) en håbefuld kunstner (Kim Min-hee-igen, se #6; hun spiller også hovedrollen i denne film), og det mislykkes ham fuldstændig at forføre hende, bl.a. fordi han prøver så forbandet hårdt. Selv om anden halvdel næsten er en gentagelse af første halvdel scene for scene, afviger den snart fra den oprindelige historie, men ikke nødvendigvis af de grunde eller på den måde, man kunne forvente. Adfærdsmæssig kontingens er sjældent blevet diagnosticeret så skarpt eller morsomt; hvis dette grundlæggende er den samme film, som Hong altid laver, må han lave mange flere.
16. The Witch
Antaler
Et titelkort i begyndelsen lyder i sin fulde længde: “The Witch: A New-England Folktale”. Teknisk set er det faktisk The VVitch, med to store V’er (der i århundreder mere eller mindre har været udskifteligt med bogstavet “U”) i stedet for det moderne “W”. Disse detaljer er vigtige, fordi Robert Eggers’ enestående uhyggelige debut henter en stor del af sin kraft fra en stringent tidsmæssig nøjagtighed. Den foregår i begyndelsen af det 17. århundrede blandt en puritansk familie, der er blevet forvist til en ensom tilværelse i skoven, og dialogen er taget direkte fra datidens dagbøger og retsprotokoller, hvilket skaber et ekstra lag af distance, der forstærker den allerede gennemtrængende følelse af fremmedhed. For dem, der ikke forstyrres af denne fremmedgørende effekt, er der også en spædbarnsslugende (og -slugende) heks, som titlen lover, sammen med eskalerende paranoia, flere troskriser, hallucinatorisk vanvid (der kulminerer i et kort, men uforglemmeligt chok) og en bogstaveligt talt djævelsk ged kaldet Black Phillip. I sidste ende stiller The Witch et spørgsmål, som nogle fandt uansvarligt, men som udgør førsteklasses mareridtsbrændstof: Hvad nu hvis de kvinder, der blev hængt i Salem et par årtier senere, i en vis udstrækning var en selvopfyldende profeti?
15. Everybody Wants Some
Antaler
“Bros will be bros” lyder som en temmelig skadelig beskrivelse af enhver film, selv en Richard Linklater-komedie. Men mens denne sætning absolut gælder for Linklaters Everybody Wants Some, får den også filmen til at føles forbandet nærmest mirakuløs for den måde, hvorpå den genvinder den dummede, konkurrencemindede, boldbøssende dudeadfærd og gør den charmerende. Linklater følger førsteårsstuderende Jake (Blake Jenner), mens han i løbet af en weekend vænner sig til livet på et college-baseballhold, en tidsramme, der – kombineret med 1980-situationen – gør Everybody til en passende bogstøtte til hans skelsættende Dazed And Confused. Men den har også forbindelser til hans andre film, f.eks. den måde Linklater ikke kan lade være med at sende Jake ud i en miniatureudgave af en Before Sunrise-situation med Beverly (Zoey Deutch), en teaterpige, som han tilfældigt møder. Med et par erkendelser af, hvor flygtige disse øjeblikke kan være, fortsætter Linklater efter Before-trilogien og efter Boyhood med at undersøge tidens gang, selv når han indfanger det at leve i nuet.
14. The Fits
Antaler
Forfatter og instruktør Anna Rose Holmers debutfilm er dels et tonedigt om at blive voksen, dels en dybt metaforisk kunst-horrorøvelse, men mest af alt er den sin egen mærkelige og vidunderlige ting, lige så uklassificerbar som den er smuk. Den præteenagede skuespillerinde Royalty Hightower spiller en tomboy, der bliver forelsket i den prisbelønnede dansetrup på hendes lokalcenter i Cincinnati, som hun melder sig ind i lige omkring det tidspunkt, hvor hendes jævnaldrende bliver grebet af uforklarlige kramper. Er der gået noget galt i miljøet? Eller er alle disse mærkværdigheder blot et udtryk for heltindens fremmedgørelse over for de andre piger, som tilsyneladende ved meget mere end hun om, hvordan man taler med hinanden og ser pæn ud? Holmer giver aldrig noget endegyldigt svar på, hvad The Fits betyder. Hun holder sig blot tæt til et barn, der forsøger at finde ud af det hele selv, og lader os se og føle med hende.
13. Silence
Antaler
Silence bærer historiens vægt, både den af dens årtiers lange rejse til skærmen og den af de forfærdelige begivenheder, der skildres i den. Men hvor nogle filmskabere ville gøre scener med kristne, der bliver tortureret og henrettet, til et grænsende til pornografisk skuespil, bærer den modstridende katolik Martin Scorsese stille og roligt byrden af deres lidelser. Den tungeste af alle er titlens stilhed – det frygtelige tomrum af ubesvarede bønner, der indhenter jesuitpræsten Fader Rodrigues (Andrew Garfield), mens hans tro bliver testet gang på gang. Rodrigues og hans jesuitterkollega, fader Garrpe (Adam Driver), rejser til Japan for at finde deres mentor (Liam Neeson), som efter sigende skulle have forkastet kristendommen og taget en japansk kone, og de bliver konfronteret med dyb fattigdom og en undertrykkende regering, der fordømmer kristne til at leve i frygt – desperate omstændigheder, som faderne mener kun kan forbedres ved at tro på Gud. Silence er praktisk talt blottet for comic relief og vedvarende dyster og er ikke nogen sjov film at se. Men det er en stærk en.
12. American Honey
Reklame
Andrea Arnold præsenterer en dynamisk vision af det unge, underlige Amerika i American Honey, en vidtstrakt roadmovie, der snor sig fra velhavende forstaders cul-de-sacs til fattige trailerparker på en rejse tværs over hele landet. Den nyankomne Sasha Lane spiller hovedrollen som Star, en impulsiv teenager, der forlader sit voldelige hjemliv for at sælge magasiner fra by til by og fra dør til dør med nogle utilpassede mennesker, som hun møder, mens hun danser til Rihanna midt i Kmart, herunder den rottehalede hjerteknuser Jake (Shia LaBeouf). Under kørslen på de golde motorveje i USA’s røde stater i en hvid beklædt varevogn fortæller de unge deres historier mellem nogle slurke vodka og et par joints, der altid er til stede, og de er hver især en blok i den amerikanske underklasses patchwork-quilt. Arnold lader sine skuespillere – hvoraf mange blev castet fra gaden – improvisere organiske, løst konstruerede scener, der giver deres eventyr et dokumentarisk præg. Tag æstetikken fra en Harmony Korine-film, men erstat nihilismen med en grænseløs menneskelighed, og du vil være tæt på at forstå American Honnings vilde charme.
11. Elle
Antaler
“Skam er ikke en stærk nok følelse til at stoppe os i at gøre noget som helst.” Med den fransksprogede Elle vendte Paul Verhoeven, filmens definerende subversive håndværker, tilbage til spillefilm efter et årti lang pause og leverede det, der nok er hans mørkeste og mest ætsende film. I en af sine bedste præstationer spiller Isabelle Huppert hovedrollen som en velhavende, succesfuld forretningskvinde, der bliver voldtaget af en ukendt indbrudstyv og vælger at tage hævn på sine egne betingelser. Elle nægter at anerkende enhver modsigelse eller offerrolle hos sin feministiske antihelt; hun er jaloux, anmassende og masochistisk og legemliggør næsten alle negative stereotyper, der nogensinde er blevet brugt til at rationalisere kvindehad og seksuel vold. I sine Hollywooddage lavede Verhoeven blockbusters med specielle effekter bedre end næsten nogen anden; her forvandler han den klassiske franske borgerlige thriller (tænk på Claude Chabrol fra midten af perioden) til en surrealistisk social satire, der er spændende uforudsigelig og sort som kuling.
10. The Lobster
Antaler
I en bizar dystopi i en nær fremtid bliver den nyligt fraskilte David (Colin Farrell, meget effektivt castet mod typen) sendt til et område ved havet fyldt med voksne singler for at finde en ny partner på 45 dage eller blive forvandlet til et dyr efter eget valg. Den græske instruktør Yorgos Lanthimos (Dogtooth), der perfektionerer sin stil med absurdistisk, dødspandede komedie, introducerer nye regler, aktiviteter og grusomme straffe ved hver eneste lejlighed: Parrene får tildelt børn, og man kan få forlænget sin tid ved at jage frafaldne singler, der bor i skoven og kun lytter til elektronisk musik. The Lobster er mere end blot en vittig parodi på meningsløse parforhold og bliver mere og mere dybdeborende, efterhånden som den kommer længere og længere ind i sin mærkelige og grusomme verden, og bygger op til en finale, der stiller spørgsmålet om, hvorvidt to mennesker kan elske hinanden på andre vilkår end dem, som samfundet har påtvunget dem.
9. Paterson
Reklame
Hvad nu hvis der var en buschauffør… der skrev digte?! Logbogen for Paterson får det til at lyde vagt afvisende, som om det er meningen, at vi alle skal være overraskede over, at der kan gemme sig en kreativ person i en ansat i den offentlige transport. Men ethvert strejf af nedladenhed forsvinder inden for de første minutter af Jim Jarmuschs sublimt tilbagelænede komedie, der med stor oprigtighed tror på det almindelige livs dyder – og integritet – i det almindelige liv. Paterson udspiller sig over en enkelt uge og følger sin titulære New Jersey-borger (Adam Driver, der finder nådenoter i ekstrem underdrivelse), mens han går på arbejde, hænger ud med sin løsslupne kunstnerkæreste (Golshifteh Farahani), tager på natlige besøg på et lokalt vandhul og finder fritid til at kradse en og anden strofe ud. Filmens skønhed ligger ikke blot i dens blide hverdagsrytme, men også i dens opfattelse af Patersons kunstneriske proces – antydningen af, at han finder inspiration i enhver interessant person, situation og detalje, han møder. For Jarmusch, den aldrende ambassadør for coolhed, er dette et Zen-højdepunkt: hans klogeste, sjoveste og bedste.
8. Toni Erdmann
Reklame
Vi har snydt lidt her og smidt to film i en enkelt slot. Den ene af dem er et skarpt, nøgternt og til tider fortvivlet arthousedrama om den udmattelse, der ligger i at kæmpe med virksomheders sexisme. Den anden er dens modpol: en fjollet, fritløbende komedie om en spøgefuld far, der forsøger at opmuntre sin anspændte, arbejdsnarkomaniske datter. Vi retfærdiggjorde dog deres parring med den begrundelse, at de begge er instrueret af den samme kvinde (den tyske filmskaber Maren Ade), at de samme skuespillere spiller de samme karakterer i den samme fortælling, og at de er blevet sømløst klippet sammen til et næsten tre timer langt seriokomisk epos. Med andre ord udviser Toni Erdmann (der har premiere i New York og Los Angeles på juledag, mens andre byer følger efter) et tonalt spektrum, der kan konkurrere med Mariah Careys vokalregister … selv om det er Whitney Houston, der inspirerer filmens mest mindeværdige sceneindslag. Intet aspekt af menneskelig adfærd er for trivielt til, at Ade kan dreje det til et øjeblik, der er hjerteskærende, absurd eller på en eller anden måde på samme tid hjerteskærende og absurd. Dette er det Rainer Werner Fassbinder/Adam Sandler-mashup, som du aldrig så meget som havde en mistanke om, at du ønskede.
7. Arrival
Antaler
Er der en skærmskuespiller med et mere udtryksfuldt reaktivt ansigt end Amy Adams? Hun kan være overbevisende, når hun blot læser en sømløs roman i Nocturnal Animals, eller når hun, som i den vidunderlige Arrival, går i tænkeboks over, hvordan man afkoder et fremmedsprog, mens hun kæmper med sin egen opfattelse af hukommelse og tid. Adams’ eftertænksomme, uhøjtidelige udfoldelse af følelser gør hende perfekt til den balance mellem pulp-procedurefilm og kunstnerisk seriøsitet, som Denis Villeneuve har pillet ved siden sin amerikanske debut, Prisoners. Denne blanding når en perfekt alkymi i Arrival, som følger en karakter – Adams’ lingvistiske ekspert – der sandsynligvis ville levere walk-on eksposition i en række mindre gode sci-fi-film. Når vi nu taler om det: Tidligere i år blev spændingen omkring invasionen af rumvæsener forværret med den uønskede efterfølger Independence Day: Resurgence. Arrival føles med sin fugtige efterårsklimatiske cinematografi og dejlige, men ufortrødne følelsesmæssige kroge som den virkelige genopstandelse.
6. The Handmaiden
Antaler
Park Chan-Wook opnår rang af biografmester med The Handmaiden, der transporterer Fingersmith, Sarah Waters’ roman om skjulte identiteter og lesbisk lidenskab, til 1930’ernes Sydkorea og tilføjer masser af Hitchcocksk spænding i processen. Park er overdådigt optaget med en fetichistisk formalitet, der minder om sidste års The Duke Of Burgundy, og han skaber en sanselig oplevelse, der er lige så overdådig som at bide i en overmoden fersken og lige så fræk som et par læderhandsker, der blidt stryger dig over nakken. Kim Tae-ri spiller hovedrollen som Sook-hee, en ung lommetyv, der bliver hyret til at arbejde for den tilsyneladende beskyttede japanske adelsdame Lady Hideko (Kim Min-hee). Planen er, at Sook-hee skal hjælpe sin svindlerkollega grev Fujiwara (Ha Jung-woo) – som i virkeligheden hverken er greve eller japaner – med at franarre Lady Hideko hendes formue. Men efterhånden som deres trekantsforhold bliver mere og mere kompliceret, bliver det klart, at Lady Hideko ikke er så naiv, som hun ser ud til. De kvindelige hovedrolleindehaveres fremragende præstationer bærer filmen gennem dens svimlende drejninger, underlagt en ond streg af sort komedie og en uventet tro på den sande kærligheds kraft.
5. Hell Or High Water
Reklame
Den skæve, underholdende og elementære Hell Or High Water var en vision af det moderne vesten, der rangerer på linje med No Country For Old Men, og den var et usandsynligt gennembrud for den begavede skotske instruktør David Mackenzie (Young Adam, Starred Up). To brødre, der er bankrøvere, bliver forfulgt af et par lovgivere gennem et landskab med skovbrande og tvangsauktioner. Mackenzies instruktør, der leder tilbage til de kreative, vilde dage i 1970’ernes amerikanske film, skaber en perfekt balance mellem den afslappede atmosfære og det excentriske i West Texas og spændingen og desperationen hos karaktererne; hans lange optagelser sætter seerne ind i øjeblikket og virker aldrig prangende. Manuskriptet (af Sicarios Taylor Sheridan) har fået velfortjent ros for sin dialog, men er lige så imponerende for den rigt romantiske struktur, som det giver en ret ligefrem fortælling om kriminalitet og forfølgelse. Filmen er fuld af stemningsfulde omveje, mindeværdige bifigurer og stærke påmindelser om Vestens arv af tyveri og udnyttelse, og den bygger op til en epilog, der mere end fortjener sin plads på vores liste over årets bedste scener. Og vi har ikke engang nævnt skuespillerne.
4. La La La Land
Reklame
En masse moderne, originale filmmusicals handler lige så meget om følelsen af deres forfædre som noget andet. Det gælder i nogen grad Damien Chazelles La La La Land med sit CinemaScope-billedformat (komplet med Tarantino-lignende titelkort), frodige og drømmende 35mm-farver, visuelle nik til Singin’ In The Rain og en coda, der minder om The Umbrellas Of Cherbourg. Men Chazelle formår noget så tricky, at det føles som magi: Han gør disse berøringssten til sine egne med Emma Stone og Ryan Gosling, der leverer en cocktail af filmstjernernes glamour og virkelighedens fortrydelse som to aspirerende entertainere (en jazzmand, en skuespillerinde), der forelsker sig og finder deres stemme. Trods referencerne ligner La La Land ikke specielt meget Rain eller Cherbourg; gennem sin interesse for omkostningerne og herlighederne ved kunstneriske ambitioner er den en sprudlende ledsager til Chazelles spændende, bruskede Whiplash. Passende nok er de lange takes i de musikalske sekvenser der ikke for at publikum kan “se dansen”, som den gamle kliché siger, men for at tryllebinde: De ubrudte kamerabevægelser, hvor selvbevidste de end måtte være, gør filmen mere drømmeagtig. Selv da historien bliver smerteligt melankolsk, er det en drøm, som man måske ikke har lyst til at bryde ud af.
3. Green Room
Reklame
Der er et øjeblik i Green Room, der aldrig undlader at sende et kollektivt gisp gennem enhver dagligstue eller biografsal. Det er det, der involverer en kassekniv, en blottet mave og point of no return for dens desperate helte, et hardcore band, der har forskanset sig backstage på et koncertsted i baglandet, mens voldelige skinheads kredser som hajer på den anden side af døren. Jeremy Saulniers helvedes intense indiethriller, der placerer de gode indenfor og de onde udenfor, som en slags punkrock-genopførelse af Assault On Precinct 13, viser ingen nåde for hverken sine karakterer eller sit publikum. At denne kunstfærdige kaos ser både skræmmende relevant og på grænsen til det katartiske ud har alt at gøre med Green Roms skræmmende tidslinje – dens fremkomst, i vores nye tidsalder med politisk opmuntrende hadefulde folk, som en tilfældig zeitgeist-film. Det vil sige, at selv hvis du ikke har mave til blodbadet, er det mørkt tilfredsstillende – her, nu og altid – at se nazister få den udtagning af organer, som de fortjener.
2. Moonlight
Antaler
I bredeste forstand kunne Moonlight kaldes en film “om at være sort” eller “om at være homoseksuel” eller endda “om at være opvokset i det narkoplagede Liberty City-kvarter i Miami”. Men forfatter og instruktør Barry Jenkins behandler identitet mere som en prisme end som en linse i sin filmatisering af Tarell Alvin McCraneys uproducerede skuespil In Moonlight Black Boys Look Blue. I tre hjemsøgende vignetter, der foregår med års mellemrum, undersøger Jenkins de komplicerede drifter og påvirkninger i en ung mand, Chiron, mens en venlig dope-pusher (smukt spillet af Mahershala Ali) tilbyder knægten vejledning, og en kærlig klassekammerat hjælper med at vække hans seksualitet. Fra øjeblik til øjeblik er Moonlight lille i skalaen. Men dens forskellige ekkoer og callbacks samler sig til et til tider sødt og til tider hjerteskærende portræt af en person, der tøver med at formulere sine ønsker.
1. Manchester By The Sea
Reklame
Hvor hårdt dit 2016 end var, er der et godt bud på, at det værste af det ikke helt kunne sammenlignes med det, der æder sig op af Lee Chandler, den tilbagetrukne Boston-håndværker Casey Affleck spiller i Manchester By The Sea. Lee er vendt tilbage til sin hjemby ved havet for at begrave sin storebror, og det er blot toppen af det traumatiske isbjerg for denne knuste mand, hvis ødelæggende historie hænger over filmens begivenheder som en stormsky over Massachusetts’ vand. Men på trods af al den hjertesorg, der pumper gennem den, er Kenneth Lonergans ambitiøse tredje spillefilm ikke noget elendigt slid: Manchester By The Sea, der er forankret i en af Afflecks bedste præstationer i karrieren, og som klarer den herkuliske bedrift at gøre følelsesmæssig utilgængelighed overbevisende, er ofte lige så morsom som den er rystende. Det, der gør den til vores yndlingsfilm i et usædvanligt år for dem, er den måde, hvorpå Lonergan, dramatikeren og filminstruktøren bag Margaret og You Can Count On Me, formår at forankre en familietragedie af svimlende proportioner i hverdagens banale lort. Selv når han forsøger at få det operatiske frem, holder han fokus på små menneskelige fejl: en mobiltelefon, der går i gang ved en begravelse; en bil, der er parkeret hvem ved hvor; en teenager (Lucas Hedges, i hvad der burde være et stjernedebut), hvis sorgproces ikke er mere optaget end hans desperate forsøg på at få lidt alenetid med sin kæreste. I et år, som mange ikke kunne vente med at afslutte, argumenterede Manchester By The Sea ikke for, at alting bliver godt til sidst – for nogle bliver det bestemt ikke – men at de mennesker i ens liv er grunden til, at man skal blive ved med at kæmpe, selv når håbet synes tabt. Nu, måske mere end nogensinde før, er det en medfølelse, som vi kan bruge.
Rådgivning