Acting tem andado por aí ao longo do tempo, e a própria arte tem uma forma de evoluir com o tempo em que está definida. Os artistas têm pressionado as normas convencionais do que se esperava deles desde Miguel Ângelo e Picasso. O mesmo se aplica à representação, por isso as representações podem ser realizadas por vários meios diferentes, devido à atmosfera cultural em constante mudança.
Assim, técnicas de representação sistematizadas são ensinadas regularmente nas escolas de teatro para ajudar a ampliar os horizontes de qualquer um que queira entrar neste campo. Você pode se especializar em uma área específica, mas o cerne permanece o mesmo; compreender o campo minado criativo em que você está prestes a pisar e saber como lidar com eles quando confrontado por eles.
Aqui estão alguns dos mais populares:
Método de Stanislavski
Konstantin Stanislavski é um nome com o qual você está sem dúvida familiarizado, ou espera conhecê-lo como o seu. Sua técnica é, talvez, o método mais universalmente aceito para o qual você pode se aproximar da atuação. A ideia deriva da base firme que um ator deve sentir as emoções que o personagem está experimentando cada vez que entra em cena. De acordo com o método de Stanislavski, o ator deve pensar, agir e se comportar de forma verdadeira como a personagem o faria; ergo tornando-se um com a personagem. Indo aos detalhes de como um personagem se comportaria em certas situações e procurando por razões psicológicas genuínas para que o personagem esteja fazendo o que está fazendo. Isto leva o ator a encarnar a vida no palco.
O mágico “se”
Você está vivendo uma vida e de repente você é empurrado para a situação (dadas as circunstâncias) que está acontecendo no palco. Esqueça o público, essa é a quarta parede, você está apenas vivendo sua vida com esses acontecimentos aparentemente inócuos e depois BAM… Algo ofensivo acontece. O que você faz? E se isto te acontecesse a ti? O que pensarias e como agirias? Todo mundo tem um desejo em como eles estão se comportando neste momento (objetos internos), seja fazendo alguém fazer algo ou fazendo você mesmo algo. A grande questão é qual seria a tua (a do personagem) nestes momentos fictícios e como os conseguirias?
Técnica do Meisner
“Para ser um actor interessante – inferno, para ser um ser humano interessante – tens de ser autêntico e para seres autêntico tens de abraçar quem realmente és, verrugas e tudo. Tens alguma ideia de como é libertador não te importares com o que as pessoas pensam de ti? Bem, é isso que estamos aqui para fazer”. – Sanford Meisner em Acting
Sanford Meisner procurou expandir os ensinamentos de Stanislavski em progredir como a personagem pensava. As práticas envolvem uma complexa estrutura de treinamento que trabalha em suas habilidades de improvisação, trazendo suas respostas emocionais, interpretando o roteiro e finalmente adicionando todas elas juntas de uma maneira realista para trazer à tona os traços dos personagens com suas próprias experiências que irrompem no trabalho. O ator não deve ter que pensar no palco, ele deve estar no momento e reagir de acordo. A técnica de Meisner concentra-se na emoção global do personagem, ao contrário das palavras do dramaturgo que correm em paralelo.
Movimento do Líbano
Movimento é parte integrante da atuação, acredite ou não. Se você ficasse parado entregando linhas ou fosse chutar um cesto de roupa da mesma forma que você dá um passo, pareceria estranho. Laban pretendia recolher todas as formas em que o movimento humano podia ser examinado e foi mais longe do que qualquer outra pessoa em quantificá-lo. Concentrando-se em 4 categorias principais (Corpo, Esforço, Forma, Espaço), compreender as relações entre cada uma delas pode ajudar um intérprete a caracterizar o seu papel no palco, utilizando aspectos diferentes. Como tal, o movimento Laban deve estar no centro do treino de qualquer actor.
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Body – Como o corpo funciona a nível interno. Como os membros estão conectados / Como o movimento é iniciado a partir do corpo / O que influencia o que no corpo.
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Effort – A intenção com a qual o movimento é entregue. A força/ O controle/ O tempo de um movimento é integral para a audiência compreender o que você está a tentar fazer.
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Forma – A forma como um corpo muda devido ao movimento que ele próprio realiza.
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Espaço – A forma como um corpo interage com o seu ambiente. A forma como caminha/ A forma como pega num balde etc.
Técnica de Michael Chekhov
Michael Chekhov era sobrinho de Anton Chekhov e Stanislavski foi proclamado “o maior aluno”. Ele sabe uma ou duas coisas sobre atuação e, usando Stanislavski’s como base, criou sua própria besta como forma de se aproximar dela. A direção subseqüente se baseou na idéia de separar seu ser do da personagem, diminuindo seu ego e seus modos de vida para o nada, de modo que apenas a personagem que você interpretava permanecesse. A técnica de Chekhov Trata-se de deixar ir tudo quando você entra num espaço criativo, para que todos os medos e dúvidas pré-concebidos que você tem, sejam superados apenas pela moldura mental da personagem. Para Tchekhov, as performances inspiradoras não são trazidas pelo esfaqueamento selvagem no escuro, mas pela preparação cuidadosa para entrar mentalmente no espaço certo. Assim, permitindo que você se funda com quem você quiser, de forma corajosa e única. Afinal de contas, os actores são destinados a capturar o espírito humano de uma forma espantosa e diferente – se não és um camaleão, então que tipo de actor és tu?