Most populaire acteermethoden en technieken

Acteren bestaat al heel lang, en kunst zelf heeft een manier om mee te evolueren met de tijd waarin ze zijn ingesteld. Kunstenaars hebben sinds Michelangelo en Picasso de conventionele normen van wat van hen werd verwacht, verlegd. Hetzelfde geldt voor acteren, dus voorstellingen kunnen worden bereikt met verschillende middelen als gevolg van de voortdurend veranderende culturele sfeer.

Dus, gesystematiseerde acteertechnieken worden regelmatig onderwezen op toneelscholen om te helpen verbreden van de horizon van iedereen die op zoek om dit veld te betreden. Je kunt je specialiseren in een specifiek gebied, maar de crux blijft hetzelfde; het begrijpen van het creatieve mijnenveld waarin je op het punt staat te stappen, en weten hoe ermee om te gaan als je ermee geconfronteerd wordt.

Hier volgen enkele van de meest populaire:

Stanislavski’s Methode

Konstantin Stanislavski is een naam die u ongetwijfeld kent, of verwacht te kennen als de uwe. Zijn techniek is, misschien, de meest universeel aanvaarde methode waarmee je acteren kunt benaderen. Het idee komt voort uit de vaste basis dat een acteur de emoties moet voelen die het personage ervaart elke keer als hij op het toneel komt. Volgens Stanislavski’s methode moet de acteur waarheidsgetrouw denken, handelen en zich gedragen zoals het personage dat zou doen; ergo één worden met het personage. Je verdiept je in de details van hoe een personage zich in bepaalde situaties zou gedragen en zoekt naar echte psychologische redenen waarom het personage doet wat hij doet. Dit duwt de acteur in het belichamen van het leven op het toneel.

De magische “als”

Je leeft een leven en plotseling word je in de situatie geduwd (gegeven omstandigheden) die zich op het toneel afspeelt. Vergeet het publiek, dat is de vierde muur, je bent gewoon je leven aan het leven met deze schijnbaar onschuldige gebeurtenissen en dan BAM … Er gebeurt iets aanstootgevends. Wat doe je dan? Wat als dit met jou zou gebeuren? Wat zou je denken en hoe zou je handelen? Iedereen heeft een verlangen in hoe hij of zij zich nu gedraagt (Innerlijke objecten), of het nu is om iemand iets te laten doen of om zelf iets te doen. De grote vraag is wat die van jou (van het personage) zou zijn in deze fictieve momenten en hoe zou je die bereiken?

Meisner’s Technique

“Om een interessant acteur te zijn – hel, om een interessant mens te zijn – moet je authentiek zijn en om authentiek te zijn moet je omarmen wie je werkelijk bent, wratten en alles. Heb je enig idee hoe bevrijdend het is om je niets aan te trekken van wat mensen over je denken? Nou, dat is wat we hier zijn om te doen. ” – Sanford Meisner over acteren

Sanford Meisner zocht uitbreiding op de leer van Stanislavski in het bevorderen van hoe het personage dacht. De oefeningen omvatten een complexe trainingsstructuur die werkt aan je improvisatievaardigheden, het naar voren brengen van je emotionele reacties, het interpreteren van het script en tenslotte het allemaal samenvoegen op een levensechte manier om de karaktereigenschappen naar voren te brengen met je eigen ervaringen die in het werk naar voren komen. De acteur zou niet moeten nadenken op het toneel, hij zou in het moment moeten zijn en dienovereenkomstig reageren. Meisners techniek richt zich op de overkoepelende emotie van het personage, in tegenstelling tot de woorden van de toneelschrijver die parallel lopen.

Laban Movement

Beweging is een integraal onderdeel van acteren, geloof het of niet. Als je stil zou staan bij het uitspreken van tekst of een wasmand zou gaan schoppen op dezelfde manier als je een stap zet, zou dat er vreemd uitzien. Laban wilde alle manieren waarop de menselijke beweging kon worden onderzocht verzamelen en ging verder in het kwantificeren ervan dan wie dan ook. Gericht op 4 hoofdcategorieën (Lichaam, Inspanning, Vorm, Ruimte), kan het begrijpen van de relaties tussen elk van hen een performer helpen zijn rol op het podium te karakteriseren door aspecten verschillend te gebruiken. Als zodanig zou Laban beweging de kern moeten vormen van de training van elke acteur.

• Lichaam – Hoe het lichaam werkt op een intern niveau. Hoe ledematen verbonden zijn/Hoe beweging wordt gestart vanuit het lichaam/Wat wat beïnvloedt op het lichaam.

• Effort – De intentie waarmee beweging wordt geleverd. De kracht/de beheersing/de timing van een beweging is van wezenlijk belang voor het publiek om te begrijpen wat je probeert te doen.

• Vorm – De manier waarop een lichaam verandert als gevolg van de beweging die het zelf maakt.

• Ruimte – De manier waarop een lichaam in wisselwerking staat met zijn omgeving. De manier waarop je loopt/de manier waarop je een emmer oppakt etc.

De techniek van Michael Tsjechov

Michael Tsjechov was de neef van Anton Tsjechov en de door Stanislavski uitgeroepen ‘grootste leerling’. Hij weet het een en ander van acteren en creëerde, met Stanislavski’s als basis, zijn eigen beest als manier om het te benaderen. De daaropvolgende regie leunde op het idee om je wezen te splitsen van dat van het personage, je ego en levenswijze tot het niets te reduceren, zodat alleen het personage dat je speelt overblijft. Tsjechovs techniek Het gaat erom alles los te laten wanneer je een creatieve ruimte binnengaat, zodat alle vooringenomen angsten en twijfels die je hebt, worden overwonnen door alleen het denkkader van het personage. Voor Tsjechov komen inspirerende prestaties niet tot stand door wild in het duister te tasten, maar door een zorgvuldige voorbereiding om mentaal de juiste ruimte binnen te gaan. Zodat je kunt samensmelten met wie je wilt, moedig en uniek. Acteurs zijn tenslotte bedoeld om de menselijke geest op een verbluffende en verschillende manier te vangen – als je geen kameleon bent, wat voor acteur ben je dan?