Te presentamos los 50 mejores discos de 2012 de Pitchfork. Como siempre, tanto los LPs como los EPs son elegibles.
Lambchop
Mr. M
Las dos décadas de elegante crujido countrypolitano de Lambchop están marcadas por el ritmo deliberado de la música de la pequeña orquesta: las cuerdas lentas y las guitarras goteantes, los ritmos sin alboroto y la voz firme del líder Kurt Wagner. El lánguido ritmo sureño de Lambchop parece especialmente anacrónico en la era digital, ya que la mayor parte de las canciones del adornado y conmovedor Mr. M tardan al menos cinco minutos en llegar a su elíptico final. En Mr. M, Wagner dirige a Lambchop no sólo con algunas de sus canciones más suntuosas hasta la fecha, sino también con algunas de sus líneas más vivas. Ofrece una visión panorámica del mundo tal y como podría ser en realidad, vulnerable a la ira pero también acogedor a la calidez, con ríos formados por todo tipo de lágrimas. Pasa de la maravilla sentimental de «Never My Love» al arbitraje de mierda de «Buttons», de la curiosidad infantil de «Gone Tomorrow» a la elípticamente devastadora «Nice Without Mercy». Siéntate y reflexiona un rato, pide el caballero de Nashville; el sonido seguro que es agradable. –Grayson Currin
Lambchop: If Not I’ll Just Die
Crystal Castles
(III)
El ruidoso sonido gótico-pop/electro-punk de Alice Glass y Ethan Kath es tan específico que puede dar la sensación de que sus tres álbumes sin título forman parte de una única serie que se profundiza lentamente. En los artículos que rodean a (III), su álbum más consistente desde el punto de vista sonoro e implacablemente sombrío, Glass habló más de lo habitual sobre sus letras. Debido a que su canto está tan enterrado en el ruido, no se suele pensar en palabras concretas cuando se escucha a Crystal Castles, así que fue interesante escarbar bajo la gélida distorsión. Aquí, las palabras importan: (III) está repleta de meditaciones sobre la explotación de mujeres y niños y la opresión religiosa, a juego con esas voces asfixiadas. «Estoy a un paso de convertirme en un justiciero para proteger a la gente y hacer justicia a la gente que quiero», dijo Glass en una entrevista. Mientras que Crystal Castles parecían estilistas sin sustancia, con (III) han creado un álbum de música de protesta embrujada. –Brandon Stosuy
Crystal Castles: «Wrath of God» (vía SoundCloud)
Crystal Castles: «Affection» (vía SoundCloud)
Peaking Lights
Lucifer
La afición de Peaking Lights por los loops de psych-dub teñidos de neón continúa intacta en Lucifer, y si hay menos fuzz en este disco, sigue habiendo capas de repetición beatífica en las que perderse. Lucifer está estructurado como un día, abriendo con «Moonrise» y cerrando con «Morning Star», y a lo largo del camino se mueve desde el brillo de la vigilia de «Beautiful Son» al eco oscuro de «Lo Hi» de vuelta a través del brillante amanecer de «Dreambeat». La sencilla progresión refleja la seriedad infantil de las melodías, que podrían calmar al bebé más abatido (conozco al menos a un recién nacido que puede dar fe). Pero la inocencia musical de Peaking Lights es a la vez genuina y engañosa. En Lucifer hay rumores oscuros y corrientes profundas, que reflejan el personaje titular del álbum, cuyo nombre es sinónimo tanto de Venus, portadora de vida, como del diablo. Y es en esa resolución de contradicciones donde este álbum encuentra su verdadero poder. –Marc Masters
Peaking Lights: «Beautiful Son» (vía SoundCloud)
Peaking Lights: «Lo Hi» (vía SoundCloud)
Pallbearer
Sorrow and Extinction
El hype es una droga infernal. En ciertos círculos, este álbum parecía destinado a la grandeza incluso antes de que se grabara en cera y ha cumplido con creces la promesa de la demo de 2009 del conjunto de Arkansas. Sorrow and Extinction es conmovedor, elegante y devastador. Pero lo que separa a Pallbearer del millón y medio de otras bandas de doom es el alma. La música de Pallbearer es sencilla y está bien ejecutada, pero la atmósfera -el sentimiento, hombre- que consiguen transmitir utilizando la plantilla clásica del doom metal y los matices góticos sureños es mágica. La voz de Brett Campbell es poderosa y defectuosa, el medio perfecto para sondear las profundidades de la miseria y la redención que hacen del doom doom. Pallbearer saben lo que es sufrir, estar solo y sin dirección y sofocado, y alivian su sufrimiento de la única manera que saben: invocando los espíritus de Saint Vitus, Candlemass, y el bourbon barato de Kentucky, cruzando los dedos, y afinando bajo. –Kim Kelly
Embed no está disponible.
Rustie
Essential Mix
Cuando Russell Whyte se sentó a grabar su entrega de dos horas de la serie «Essential Mix» de la BBC la noche antes de su emisión en abril, no tenía un gran plan en mente. No se esforzaba por conectar los puntos entre sus propios sonidos extáticos -muchos de los cuales parecen citar la música de las estrellas de Mario Kart como una influencia guía- y los de artistas de hip-hop, dance y R&B tanto over como underground. Pero una mezcla como ésta es una salida ideal para derribar supuestos muros musicales; es donde el imparable «Goooo» de TNGHT puede poner la alfombra roja a Rick Ross, o donde Clams Casino puede hacer que «Geeked Up Off Them Bars» de Juicy J sea mucho más friki, o donde Nicki Minaj puede compartir unos minutos de minimalismo duro con la prometedora fábrica de bangers de Brooklyn Baauer. Rustie no intentaba definir el futuro, y probablemente por eso lo hizo con tanta facilidad.
Pero pensar en el futuro puede causar cierta confusión en el ahora. Cuando pillé al joven de 29 años de Glasgow en el Webster Hall de Manhattan en septiembre, el lugar estaba lleno de una mezcla única de compañeros de club sin camiseta, chicos de rap con gorra y algunos empollones. Así que cuando un amigo borracho rozó a un tipo de hip-hop que cabeceaba, las cosas se pusieron un poco tensas. «Tócame una vez más y te mato», dijo el tipo. «No te creo», respondió el amigo borracho. Se separaron. Pero entonces, entre el «Mercy» de Kanye y el «Ultra Thizz» del propio Rustie, los dos intercambiaron cálidas disculpas. La Gran Distensión de Rustie de 2012 estaba asegurada. –Ryan Dombal
Rustie: BBC Essential Mix (vía SoundCloud)
El-P
Cancer for Cure
La colaboración de 2012 de El-P con Killer Mike, R.A.P. Music, fue el duro gancho de izquierda a la mandíbula, pero su disco en solitario Cancer for Cure fue el golpe en el cuerpo… el que te hacía retumbar las tripas, te dejaba asqueado y confundido. La soledad siempre le ha sentado bien a El-P, y en este disco salió de ella con un disco tan denso e interno que era imposible discernir el zumbido de las máquinas del zumbido de su mente. El dejó que sus nervios chisporroteantes sangraran en cada rincón de su minuciosa mezcla, murmurando, gritando y suplicando con la misma convincente combinación de confesión y oscuridad que siempre ha caracterizado su música. En «For My Upstairs Neighbor», detiene a una mujer maltratada con un toque en el brazo, diciéndole: «Debes haber necesitado todos los músculos de tu cuerpo para producir ese pequeño movimiento que probablemente pensabas que era una sonrisa… Pero yo leo los relatos, conozco el sagrado arte del farol». La conexión es tan vívida porque El ha pasado el álbum, y su carrera, pintándose a sí mismo como un espíritu afín: Cancer for Cure es lo que se siente cuando un grito nunca sale de tu cerebro. –Jayson Greene
El-P: «The Full Retard»
METZ
METZ
La tecnología para subir el volumen de la guitarra a niveles descomunales, que revientan los oídos, se puede comprar en el mostrador, pero las bandas que pueden lograr el volumen mientras inducen la claustrofobia son algo especial. Metz es una de esas bandas. El debut de este trío de Toronto en Sub Pop es puro pum y fealdad en el mejor sentido. La batería retumba como si la estuvieran aporreando en el fondo del hueco de un ascensor. El bajo y la guitarra martillean patrones minimalistas a través de una cortina de fuzz y arena. Las canciones suenan en directo, no en el sentido de que hayan sido grabadas tal y como se interpretan, sino en el sentido de que representan cómo suenan realmente las bandas ruidosas cuando aparecen en un club mugriento con paredes de cemento. Las frecuencias altas rebotan en el campo estéreo. Las voces parecen cocidas por la retroalimentación y medio estranguladas. Hay momentos en los que Metz traicionan una deuda menor con el grunge, pero la mayor parte del tiempo, están en su propia longitud de onda bizzaro, cantando sobre las ratas, la inestabilidad mental, o cualquier otra cosa evoca los niveles adecuados de ansiedad. –Aaron Leitko
Metz: «Wet Blanket»
Metz: «Headache»
Mac DeMarco
2
El personaje de Mac DeMarco es tan voluntariamente baboso (en entrevistas, ha hablado de cómo una vez se metió el pulgar en el culo y luego se lo metió en la boca en un concierto y cómo una vez tuvo un trabajo metiendo mascotas muertas en bolsas para cadáveres) que podrías esperar que su música sea igual de desechable e infantil. Pero su talento es verdadero. El segundo disco del año de DeMarco, 2, es francamente grasiento; sus imprevisibles y lujuriosas melodías de guitarra se elevan por encima de la producción deformada y se exhiben con una claridad relajada y lubricada que es más de «Sultans of Swing» que de un holgazán desaliñado. El hecho de que el single principal, «My Kind of Woman», suscitara comparaciones con Cass McCombs, levantó algunas ampollas sobre la cuestión de la autenticidad; aquí tenemos a un chico conocido anteriormente como Makeout Videotape, cuyo último disco trataba sobre el glamour libertino, interpretando ahora al trovador sensible. Pero todo el mundo sufre el desamor, y 2 lanzó miradas de aceptación cansada a lo que parecía una situación familiar desesperada: un padre pegajoso con problemas de metanfetamina. Cualquiera que sea la verdad literal del personaje de DeMarco en 2, al menos alguien se esfuerza en hacer de provocador… y sin rebajar su música como parte del acto. –Laura Snapes
Mac DeMarco: «Ode to Viceroy» (vía SoundCloud)
Mac DeMarco: «My Kind of Woman» (vía SoundCloud)
Rick Ross
Rich Forever
A estas alturas todos conocemos las aspiraciones de fantasía de Rick Ross: Big Meech, Larry Hoover, John Lennon, empresario de Wingstop. Sin embargo, ¿el mejor rapero vivo? Esta no es una mixtape que sale y lo dice como Dedication 2 de Wayne o We Got It 4 Cheap, Vol. 2 de Clipse, pero había algo inmediatamente diferente sobre los objetivos de Rich Forever – y no es sólo que uno de los capitalistas más orgullosos de América estaba lanzando 79 minutos de música ridículamente cara de forma gratuita. Cuando se publicó el 6 de enero, Rozay avisó al hip-hop de que el resto de 2012 se regiría por su ley marcial; el benevolente y caricaturesco señor de Teflon Don se convierte en algo parecido a un tirano terriblemente real en Rich Forever, y cualquier atisbo de concesión pop es aplastado por unos ritmos dominantes al estilo Lex Luger y unos versos que se pueden citar al instante y que hay que escuchar y que se pueden tomar como una amenaza para cualquiera que no aparezca en la cinta. Los que lo hicieron – 2 Chainz, French Montana, Meek Mill, Drake, Wale, Future, sólo por nombrar algunos – pasarían a dividir y conquistar las listas de éxitos este año después de reunirse en pistas como «Stay Schemin'», «Fuck ‘Em», y «MMG The World Is Ours», singles de la calle que todavía se las arreglaron para infiltrarse en la corriente principal y hacer que el lanzamiento comercial de Ross God Forgives, I Don’t sea comparativamente seguro y lo suficientemente olvidable como para ganar una nominación al Grammy. –Ian Cohen
Rick Ross: Keys to the Crib
Dum Dum Girls
End of Daze EP
End of Daze debía parte de su éxito al mero sonido de la voz de Dee Dee, de repente tan llena de terciopelo y pesar inescrutable. Pero también a la forma de desplegarla, rica en dramatismo, entonando «I want to live a pure life» en «Lord Knows» como una mujer que se enfrenta valientemente a un pelotón de fusilamiento por pecados innominados. Cada gesto de «End of Daze» sonó con ese extraño carisma preternatural, el tipo de magnetismo injustamente distribuido que grita estrella de rock en ciernes, ya sea la progresión de acordes «Crimson and Clover» de «Lord Knows» o la impresionante versión central de «Trees and Flowers» de Strawberry Switchblade. Su versión no era más que una única guitarra brillante y un suspiro, pero creaba una cálida sensación de aislamiento y soledad lo suficientemente profunda como para vivir en su interior. –Jayson Greene