La pintura de campo de color está relacionada con la abstracción post-pintura, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura de borde duro y la abstracción lírica. Inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente la obra de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y varias series de pinturas de Joan Miró. El crítico de arte Clement Greenberg consideraba que la pintura de campo de color estaba relacionada con la pintura de acción, pero era diferente de ella.
Una distinción importante que diferenciaba la pintura de campo de color de la expresión abstracta era el manejo de la pintura. La técnica más básica que define a la pintura es la aplicación de la misma, y los pintores del campo de color revolucionaron el modo en que la pintura podía aplicarse eficazmente.
La pintura del campo de color pretendía librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas y Frank Stella, entre otros, utilizaron a menudo formatos muy reducidos, con un dibujo esencialmente simplificado a sistemas repetitivos y regulados, referencias básicas a la naturaleza y un uso muy articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminaron la imaginería reconocible en favor de la abstracción. Algunos artistas citaron referencias al arte del pasado o del presente, pero en general la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al seguir esta dirección del arte moderno, estos artistas querían presentar cada cuadro como una imagen unificada, cohesionada y monolítica, a menudo dentro de series de tipos relacionados.
A diferencia de la energía emocional y las marcas superficiales gestuales y el manejo de la pintura de los expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning, la pintura de campos de color parecía inicialmente fría y austera. Los pintores de campo de color borran la marca individual en favor de grandes áreas planas, manchadas y empapadas de color, consideradas como la naturaleza esencial de la abstracción visual junto con la forma real del lienzo, que Frank Stella, en particular, logró de manera inusual con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura de campo de color ha demostrado ser sensual y profundamente expresiva, aunque de forma diferente al expresionismo abstracto gestual. Al negar su relación con el expresionismo abstracto o con cualquier otro movimiento artístico, Mark Rothko habló claramente de sus pinturas en 1956:
No soy un abstraccionista… No me interesa la relación del color o la forma ni nada más. … Sólo me interesa expresar las emociones humanas básicas -la tragedia, el éxtasis, la perdición, etc.- y el hecho de que mucha gente se derrumbe y llore al ver mis cuadros demuestra que comunico esas emociones humanas básicas. … La gente que llora ante mis cuadros está teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté. Y si, como usted dice, sólo se conmueven por sus relaciones de color, entonces se pierden el punto!
Pintura de manchasEditar
Joan Miró fue uno de los primeros y más exitosos pintores de manchas. Aunque las manchas al óleo se consideraban peligrosas para el lienzo de algodón a largo plazo, el ejemplo de Miró durante las décadas de 1920, 1930 y 1940 fue una inspiración y una influencia para la generación más joven. Una de las razones del éxito del movimiento Color Field fue la técnica de la tinción. Los artistas mezclaban y diluían su pintura en cubos o latas de café haciendo un líquido fluido y luego lo vertían en lienzos crudos sin imprimar, generalmente pato de algodón. La pintura también podía aplicarse con una brocha, un rodillo, una pistola o un spray, y se extendía por la tela del lienzo. Por lo general, los artistas dibujaban formas y zonas mientras manchaban. Muchos artistas emplearon la tinción como técnica elegida para realizar sus cuadros. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins y docenas de otros pintores descubrieron que verter y manchar abría la puerta a innovaciones y métodos revolucionarios para dibujar y expresar el significado de nuevas maneras. El número de artistas que mancharon en la década de 1960 aumentó enormemente con la disponibilidad de la pintura acrílica. En 1970, la artista Helen Frankenthaler comentaba lo siguiente sobre su uso de las manchas:
Cuando empecé a pintar con manchas, dejé grandes zonas del lienzo sin pintar, creo, porque el propio lienzo actuaba con la misma fuerza y positividad que la pintura, la línea o el color. En otras palabras, el propio suelo formaba parte del medio, de modo que en lugar de pensar en él como fondo o espacio negativo o lugar vacío, esa zona no necesitaba pintura porque tenía pintura al lado. La cosa era decidir dónde dejarlo y dónde rellenarlo y dónde decir esto no necesita otra línea u otro cubo de colores. Es decirlo en el espacio.
Pintura en sprayEditar
Sorprendentemente, pocos artistas utilizaron la técnica de la pistola de aerosol para crear grandes extensiones y campos de color rociados a través de sus lienzos durante las décadas de 1960 y 1970. Entre los pintores que utilizaron eficazmente la técnica de pintura con pistola se encuentra Jules Olitski, que fue pionero en su técnica de pulverización que cubría sus grandes cuadros con una capa tras otra de diferentes colores, a menudo cambiando gradualmente el tono y el valor en una sutil progresión. Otra innovación importante fue el uso por parte de Dan Christensen de una técnica de pulverización de gran efecto en bucles y cintas de colores brillantes; pulverizados en marcas claras y caligráficas a través de sus pinturas a gran escala. William Pettet, Richard Saba y Albert Stadler utilizaron la técnica para crear campos multicolores a gran escala, mientras que Kenneth Showell pulverizaba sobre lienzos arrugados y creaba una ilusión de naturaleza muerta abstracta. La mayoría de los pintores de aerosol estuvieron activos especialmente durante los últimos años de la década de 1960 y la década de 1970.
RayasEditar
Las rayas fueron uno de los vehículos más populares para el color utilizado por varios pintores de Color Field en una variedad de formatos diferentes. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland y David Simpson realizaron importantes series de pinturas de rayas. Aunque no las llamó rayas sino cremalleras, las rayas de Barnett Newman eran en su mayoría verticales, de anchura variable y utilizadas con moderación. En el caso de Simpson y Noland, sus cuadros de rayas eran en su mayoría horizontales, mientras que Gene Davis pintaba cuadros de rayas verticales y Morris Louis pintaba sobre todo cuadros de rayas verticales, a veces llamados Pilares. Jack Bush tendía a hacer pinturas de rayas horizontales y verticales, así como angulares.
Magna paintEdit
Magna, una pintura acrílica de uso especial para artistas fue desarrollada por Leonard Bocour y Sam Golden en 1947 y reformulada en 1960, específicamente para Morris Louis y otros pintores de manchas del movimiento del campo de color. En Magna los pigmentos se trituran en una resina acrílica con disolventes a base de alcohol. A diferencia de los acrílicos modernos de base acuosa, Magna es miscible con aguarrás o alcoholes minerales y se seca rápidamente para obtener un acabado mate o brillante. Fue muy utilizado por Morris Louis y Friedel Dzubas y también por el artista pop Roy Lichtenstein. Los colores de Magna son más vivos e intensos que los de las pinturas acrílicas al agua normales. Louis utilizó Magna con gran efecto en su Serie de Rayas, en la que los colores se utilizan sin diluir y se vierten sin mezclar directamente del bote.
Pintura acrílicaEditar
En 1972, el antiguo conservador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler, dijo:
El campo de color, curiosamente o quizás no, se convirtió en una forma viable de pintar exactamente en el momento en que surgió la pintura acrílica, la nueva pintura plástica. Fue como si la nueva pintura exigiera una nueva posibilidad en la pintura, y los pintores llegaron a ella. La pintura al óleo, que tiene un medio muy diferente, que no es a base de agua, siempre deja una mancha de aceite, o un charco de aceite, alrededor del borde del color. La pintura acrílica se detiene en su propio borde. La pintura de campo de color llegó al mismo tiempo que la invención de esta nueva pintura.
Los acrílicos se comercializaron por primera vez en la década de 1950 como pinturas a base de alcohol mineral llamadas Magna, ofrecidas por Leonard Bocour. Posteriormente, las pinturas acrílicas a base de agua se vendieron como pinturas de «látex» para casas, aunque la dispersión acrílica no utiliza látex derivado de un árbol de caucho. Las pinturas de «látex» para interiores suelen ser una combinación de aglutinante (a veces acrílico, vinilo, pva y otros), relleno, pigmento y agua. Las pinturas de «látex» para exteriores también pueden ser una mezcla de «copolímeros», pero las mejores pinturas al agua para exteriores son 100% acrílicas.
Poco después de que se introdujeran los aglutinantes acrílicos al agua como pinturas para casas, tanto los artistas -los primeros de los cuales fueron muralistas mexicanos- como las empresas empezaron a explorar el potencial de los nuevos aglutinantes. Las pinturas acrílicas para artistas pueden diluirse con agua y utilizarse como lavados a la manera de las pinturas de acuarela, aunque los lavados son rápidos y permanentes una vez secos. Las pinturas acrílicas solubles en agua de calidad artística empezaron a comercializarse a principios de la década de 1960, ofrecidas por Liquitex y Bocour con el nombre comercial de Aquatec. Las pinturas Liquitex y Aquatec, solubles en agua, resultaron ser ideales para pintar con manchas. La técnica de tinción con acrílicos solubles en agua hacía que los colores diluidos se hundieran y se mantuvieran firmes en el lienzo crudo. Pintores como Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam y otros utilizaron con éxito los acrílicos al agua para sus nuevas pinturas de manchas y campos de color.
Legado: influencias e influenciadosEditar
El legado pictórico de la pintura del siglo XX es una larga y entrelazada corriente de influencias y complejas interrelaciones. El uso de grandes campos abiertos de color expresivo aplicados en generosas porciones pictóricas, acompañados de un dibujo suelto (vagas manchas lineales y/o contorno figurativo) puede verse por primera vez en las obras de principios del siglo XX tanto de Henri Matisse como de Joan Miró. Matisse y Miró, así como Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky y Piet Mondrian, influyeron directamente en los expresionistas abstractos, en los pintores del campo de color de la abstracción pospictórica y en los abstraccionistas líricos. Los estadounidenses de finales del siglo XIX, como Augustus Vincent Tack y Albert Pinkham Ryder, junto con los primeros modernistas estadounidenses, como Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove y los paisajes de Milton Avery, también proporcionaron importantes precedentes y fueron influencias para los expresionistas abstractos, los pintores del campo de color y los abstraccionistas líricos. Los cuadros de Matisse Ventana francesa en Collioure y Vista de Notre-Dame, ambos de 1914, ejercieron una enorme influencia en los pintores americanos de campo de color en general (incluida la serie abierta de Robert Motherwell), y en los cuadros de Ocean Park de Richard Diebenkorn en particular. Según la historiadora del arte Jane Livingston, Diebenkorn vio ambos cuadros de Matisse en una exposición en Los Ángeles en 1966, y tuvieron un enorme impacto en él y en su obra. Jane Livingston dice sobre la exposición de Matisse de enero de 1966 que Diebenkorn vio en Los Ángeles:
Es difícil no atribuir a esta experiencia un enorme peso en la dirección que tomó su obra a partir de entonces. Dos cuadros que vio allí resuenan en casi todos los lienzos de Ocean Park. Vista de Notre Dame y Ventana francesa en Collioure, ambos pintados en 1914, se expusieron por primera vez en Estados Unidos.
Livingston continúa diciendo que Diebenkorn debió de experimentar Ventana francesa en Collioure, como una epifanía.
Miró fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Fue pionero en la técnica de las manchas, creando fondos borrosos y multicolores con pintura al óleo diluida a lo largo de las décadas de 1920 y 1930, a los que añadió su caligrafía, sus caracteres y su abundante léxico de palabras e imágenes. Arshile Gorky admiraba abiertamente la obra de Miró y pintaba cuadros similares a los de Miró, antes de descubrir finalmente su propia originalidad a principios de la década de 1940. Durante la década de 1960, Miró pintó grandes campos radiantes (a escala del expresionismo abstracto) de pintura vigorosamente cepillada en azul, en blanco y otros campos monocromáticos de colores; con orbes negros borrosos y formas caligráficas parecidas a piedras, que flotaban al azar. Estas obras se asemejan a las pinturas Color Field de la generación más joven. El biógrafo Jacques Dupin dijo lo siguiente sobre la obra de Miró de principios de la década de 1960:
Estos lienzos revelan afinidades -Miró no intenta negarlo en absoluto- con las investigaciones de una nueva generación de pintores. Muchos de ellos, como Jackson Pollock, han reconocido su deuda con Miró. Miró, a su vez, muestra un vivo interés por su trabajo y nunca pierde la oportunidad de animarlos y apoyarlos. Tampoco considera que esté por debajo de su dignidad utilizar sus descubrimientos en algunas ocasiones.
Tomando su ejemplo de otros modernistas europeos como Miró, el movimiento Color Field abarca varias décadas desde mediados del siglo XX hasta principios del siglo XXI. La pintura de campo de color abarca en realidad tres generaciones de pintores distintas pero relacionadas. Los términos más utilizados para referirse a estos tres grupos separados pero relacionados son Expresionismo abstracto, Abstracción pospictórica y Abstracción lírica. Algunos artistas realizaron obras en las tres épocas, que se relacionan con los tres estilos. Los pioneros del campo de color, como Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb y Robert Motherwell, se consideran principalmente expresionistas abstractos. Artistas como Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski y Kenneth Noland pertenecían a una generación algo más joven o, en el caso de Morris Louis, estaban alineados estéticamente con el punto de vista de esa generación, que empezó como expresionista abstracto pero se pasó rápidamente a la abstracción pospictórica. Mientras que artistas más jóvenes como Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, comenzaron con la Abstracción Postpintura y finalmente avanzaron hacia un nuevo tipo de expresionismo, denominado Abstracción Lírica. Muchos de los artistas mencionados, así como muchos otros, han practicado las tres modalidades en una u otra fase de sus carreras. Durante las últimas fases de la pintura de campo de color; como reflejo del zeitgeist de finales de la década de 1960 (en la que todo empezaba a quedar suelto) y la angustia de la época (con todas las incertidumbres de la época) se fusionaron con la gestalt de la Abstracción Postpintura, produciendo la Abstracción Lírica que combinaba la precisión del lenguaje de campo de color con la malericidad de los expresionistas abstractos. Durante el mismo periodo de finales de los sesenta y principios de los setenta en Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer y varios otros pintores también comenzaron a producir obras de intensa expresión, fusionando la abstracción con las imágenes, incorporando la imaginería del paisaje y la figuración que a finales de los setenta se denominó Neoexpresionismo.