Retrato del maestro Bill de Arshile Gorky, 1929-1936. Óleo sobre lienzo.
En 1922, Gorky se matriculó en la New School of Design de Boston, llegando a ser profesor a tiempo parcial. Durante los primeros años de la década de 1920 se vio influido por el impresionismo, aunque más adelante realizó obras más postimpresionistas. Durante esta época vivió en Nueva York y recibió la influencia de Paul Cézanne. En 1925, Edmund Greacen, de las Grand Central Art Galleries, le pidió que diera clases en la Grand Central School of Art; Gorky aceptó y permaneció con ellos hasta 1931. En 1927, Gorky conoció a Ethel Kremer Schwabacher y entabló una amistad de por vida. Schwabacher fue su primera biógrafa. Gorki dijo:
La materia del pensamiento es la semilla del artista. Los sueños forman las cerdas del pincel del artista. Como el ojo funciona como centinela del cerebro, comunico mis percepciones más íntimas a través del arte, mi visión del mundo.
En 1931, Gorky envió un grupo de obras cuyo precio oscilaba entre los 100 y los 450 dólares a la Downtown Gallery de Nueva York. (El nombre del artista se escribía «Archele Gorki» en los registros de la galería. La mayoría de las obras de Gorki de este periodo no estaban firmadas). Se desconoce la naturaleza exacta de su relación. La Sra. John D. Rockefeller (Abby Aldrich Rockefeller) compró a la galería un bodegón cézannesco de Gorky titulado Fruta. Es posible que Gorky haya sido presentado al galerista por Stuart Davis, que exponía allí con regularidad.
En 1933, Arshile Gorky se convirtió en uno de los primeros artistas empleados por el Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras. En 1935, Gorky firmó un contrato de tres años con la Guild Art Gallery (37 West Fifty-seventh Street, Nueva York). La galería, de la que eran copropietarias Anna Walinska y Margaret Lefranc, pero que estaba financiada y dirigida por Lefranc, organizó la primera exposición individual del artista en Nueva York, Abstract Drawings by Arshile Gorky (Dibujos abstractos de Arshile Gorky).
Entre las pinturas más destacadas de esta época se encuentran Landscape in the Manner of Cézanne (Paisaje a la manera de Cézanne, 1927) y Landscape, Staten Island (Paisaje en Staten Island, 1927-1928). A finales de la década de 1920 y en la de 1930 experimentó con el cubismo y finalmente se pasó al surrealismo. El cuadro ilustrado más arriba, El artista y su madre, (ca. 1926-1936) es un retrato memorable, conmovedor e innovador. Sus cuadros El artista y su madre se basan en una fotografía de su infancia tomada en Van, en la que aparece de pie junto a su madre. Gorki realizó dos versiones; la otra se encuentra en la National Gallery of Art de Washington, DC. El cuadro ha sido comparado con Ingres por la sencillez de la línea y la suavidad, con el arte funerario egipcio por la pose, con Cézanne por la composición plana, con Picasso por la forma y el color.
La noche, el enigma, la nostalgia (1930-1934) son la serie de obras complejas que caracterizan esta fase de su pintura. El lienzo Retrato del maestro Bill parece representar al amigo de Gorky, Willem de Kooning. De Kooning dijo: «Conocí a muchos artistas, pero luego conocí a Gorky… Tenía un don extraordinario para dar en el clavo; extraordinario. Así que enseguida me encariñé con él y nos hicimos muy buenos amigos. Era agradable que los extranjeros se conocieran en un lugar nuevo». Sin embargo, publicaciones recientes contradicen la afirmación de que el cuadro es de De Kooning, sino que en realidad es un retrato de un carpintero sueco al que Gorky llamaba Master Bill, que hizo algunos trabajos para él a cambio de que Gorky le diera clases de arte.
Arshile Gorky trabajando en Actividades en el campo, uno de los paneles de su mural Aviación en el aeropuerto de Newark, para el Proyecto Federal de Arte, 1936
Cuando Gorky mostró su nueva obra a André Breton en los años 40, después de ver los nuevos cuadros y, en particular, El hígado es el peine del gallo, Breton declaró que el cuadro era «uno de los cuadros más importantes hechos en América» y afirmó que Gorky era un surrealista, lo que fue el mayor cumplido de Breton. El cuadro se expuso en la última muestra de los surrealistas en la Galería Maeght de París en 1947.
Michael Auping, conservador del Museo de Arte Moderno de Fort Worth, vio en la obra un «tenso drama sexual» combinado con alusiones nostálgicas al pasado armenio de Gorky. La obra de 1944 muestra su salida en la década de 1940 de la influencia de Cézanne y Picasso hacia su propio estilo, y es quizás su mayor obra. Mide más de dos metros de alto y dos metros de ancho, y representa «un paisaje abstracto lleno de penachos acuosos de color semitransparente que se aglutinan en torno a formas espinosas, pintadas con líneas negras finas y afiladas, como si sugirieran picos y garras».