Actoria există de mult timp, iar arta însăși are un mod de a evolua odată cu timpul în care este plasată. Artiștii au împins normele convenționale a ceea ce se aștepta de la ei încă de la Michelangelo și Picasso. Același lucru este valabil și pentru actorie, astfel încât performanțele pot fi realizate prin diverse mijloace diferite din cauza atmosferei culturale în continuă schimbare.
Așadar, tehnicile de actorie sistematizate sunt predate în mod regulat la școlile de teatru pentru a ajuta la lărgirea orizonturilor oricui dorește să intre în acest domeniu. Vă puteți specializa într-un anumit domeniu, dar esența rămâne aceeași; înțelegerea câmpului minat creativ în care sunteți pe cale să pășiți și să știți cum să le faceți față atunci când vă confruntați cu ele.
Iată câteva dintre cele mai populare:
Metoda lui Stanislavski
Konstantin Stanislavski este un nume pe care, fără îndoială, îl cunoașteți sau vă așteptați să îl cunoașteți ca pe al dumneavoastră. Tehnica sa este, poate, cea mai universal acceptată metodă la care vă puteți apropia de actorie. Ideea pornește de la baza fermă că un actor trebuie să simtă emoțiile pe care le trăiește personajul de fiecare dată când intră pe scenă. Conform metodei lui Stanislavski, actorul trebuie să gândească, să acționeze și să se comporte în mod veridic așa cum ar face-o personajul; ergo, să devină una cu personajul. Intrând în detalii despre cum s-ar comporta un personaj în anumite situații și căutând motive psihologice autentice pentru care personajul face ceea ce face. Acest lucru îl împinge pe actor să întruchipeze viața pe scenă.
Magia „dacă”
Tu trăiești o viață și dintr-o dată ești împins în situația (date fiind circumstanțele) care se întâmplă pe scenă. Uitați de public, acela este al patrulea perete, doar vă trăiți viața cu aceste întâmplări aparent inofensive și apoi BAM… Se întâmplă ceva ofensator. Ce trebuie să faceți? Dacă ți s-ar întâmpla asta? La ce v-ați gândi și cum ați acționa? Toată lumea are o dorință în modul în care se comportă în acest moment (Obiecte interioare), fie că obligă pe cineva să facă ceva, fie că faci tu însuți ceva. Marea întrebare este care ar fi ale tale (ale personajului) în aceste momente fictive și cum le-ai realiza?
Tehnica lui Meisner
„Pentru a fi un actor interesant – la naiba, pentru a fi o ființă umană interesantă – trebuie să fii autentic și pentru a fi autentic trebuie să îmbrățișezi cine ești cu adevărat, cu neguri și cu totul. Aveți idee cât de eliberator este să nu-ți pese de ceea ce cred oamenii despre tine? Ei bine, asta este ceea ce suntem aici să facem.” – Sanford Meisner despre actorie
Sanford Meisner a căutat să extindă învățăturile lui Stanislavski în progresul modului de gândire al personajului. Practicile implică o structură complexă de antrenament care lucrează asupra abilităților tale de improvizație, aducând în față răspunsurile tale emoționale, interpretarea scenariului și, în cele din urmă, adăugându-le pe toate împreună într-o manieră apropiată de viață pentru a scoate în evidență trăsăturile personajelor, cu propriile tale experiențe izbucnind în lucrare. Actorul nu ar trebui să fie nevoit să gândească pe scenă, ci să fie în momentul respectiv și să reacționeze în consecință. Tehnica lui Meisner se concentrează pe emoția dominantă a personajului, spre deosebire de cuvintele dramaturgului care se desfășoară în paralel.
Mișcarea de la Leban
Mișcarea este o parte integrantă în actorie, credeți sau nu. Dacă ai sta nemișcat livrând replici sau te-ai duce să lovești un coș de rufe în același mod în care faci un pas, ar arăta ciudat. Laban a urmărit să colecteze toate modurile în care mișcarea umană poate fi examinată și a mers mai departe în cuantificarea ei decât oricine altcineva. Concentrându-se pe 4 categorii principale (Corp, Efort, Formă, Spațiu), înțelegerea relațiilor dintre fiecare dintre ele poate ajuta un interpret să își caracterizeze rolul pe scenă prin utilizarea diferită a aspectelor. Ca atare, mișcarea Laban ar trebui să se afle în centrul pregătirii oricărui actor.
-
Corp – Modul în care funcționează corpul la nivel intern. Cum sunt conectate membrele/Cum pornește mișcarea de la corp/Ce influențează ce asupra corpului.
-
Efort – Intenția cu care este livrată mișcarea. Forța/Controlul/Timparea unei mișcări este parte integrantă a înțelegerii de către public a ceea ce încercați să faceți.
-
Shape – Modul în care un corp se modifică datorită mișcării pe care o întreprinde el însuși.
-
Spațiu – Modul în care un corp interacționează cu mediul în care se află. Felul în care mergi/ Felul în care ridici o găleată etc.
Tehnica lui Michael Cehov
Michael Cehov a fost nepotul lui Anton Cehov și proclamat „cel mai mare elev” al lui Stanislavski. Știe câte ceva despre actorie și, folosind-o pe cea a lui Stanislavski ca bază, și-a creat propria fiță ca mod de abordare. Regia care a urmat s-a bazat pe ideea de a-ți despărți ființa de cea a personajului, reducându-ți ego-ul și modul de viață la nimic, astfel încât să rămână doar personajul pe care îl joci. Tehnica lui Cehov Este vorba despre a renunța la tot atunci când intri într-un spațiu creativ, astfel încât toate temerile și îndoielile preconcepute pe care le ai să fie depășite doar de cadrul mental al personajului. Pentru Cehov, performanțele inspirate nu sunt aduse de înjunghierea sălbatică în întuneric, ci de o pregătire atentă pentru a intra în spațiul potrivit din punct de vedere mental. Astfel, permițându-ți să te contopești în cine vrei tu, cu îndrăzneală și unicitate. La urma urmei, actorii sunt meniți să capteze spiritul uman într-un mod uimitor și diferit – dacă nu ești un cameleon, atunci ce fel de actor ești?