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May 2, 2016
Pablo Picasso, o pai do Cubismo, era famoso pela sua ânsia de evoluir. Depois de inventar o Cubismo Analítico em 1907, ele poderia facilmente ter mantido a pintura nesse estilo por décadas e ainda assim ter ficado rico e famoso. Mas ao invés disso, ele continuou experimentando, ajudando a inventar o que ficou conhecido como Cubismo Sintético em 1911, acrescentando ao Cubismo Analítico uma paleta de cores expandida, novas texturas, formas mais simples, novos materiais e simplificando o uso do ponto de vista e do plano. Desde a época da sua invenção até cerca de 1920, o Cubismo Sintético foi considerado o auge da vanguarda. Ele ampliou a gama de formas que os pintores podiam explorar a realidade e contribuiu para a ascensão dos dadaístas, dos surrealistas e até mesmo do Pop Art.
Cubismo Sintético em 200 Palavras
Cubismo Sintético resultou de um afastamento dessas mesmas técnicas, numa tentativa de criar algo ainda mais real. Picasso, Braque e o pintor Juan Gris acrescentaram uma gama vibrante de cores às suas obras, reintroduziram profundidade, e diminuíram o número de perspectivas e planos simultâneos nas suas imagens. Mais importante, a fim de dar o sentido final de realidade às suas pinturas, eles começaram a adicionar papel, tecido, papel de jornal, texto, e até mesmo areia e sujeira às suas obras, tentando trazer um sentido total da essência do seu sujeito em jogo.
Pablo Picasso – Still Life with Chair Caning, 1912, Oil on oil-cloth over canvas com cordas, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
New Materials and Techniques
Em 1912, Picasso criou a obra de arte que é considerada o primeiro exemplo de colagem, e um exemplo definidor do Cubismo Sintético: Natureza Morta com Canalização de Cadeiras. A obra é uma representação cubista de uma mesa de café com uma seleção de alimentos, um jornal e uma bebida. Além dos meios tradicionais, Picasso acrescentou à superfície da pintura uma parte da lata de cadeira de vime que era tradicionalmente encontrada nas cadeiras de café. Esta adição aparentemente trivial teve consequências tremendas para a Arte Moderna. Em vez de pintar uma cadeira, parte de uma cadeira foi realmente colocada sobre a pintura. Ao invés de mostrar algo de múltiplas perspectivas para que parecesse real, Picasso apenas colocou a coisa real, ou pelo menos parte dela, diretamente no trabalho.
Picasso também adicionou texto a esta peça, escrevendo as letras “JOU” em parte da superfície. Esta palavra “Jou” poderia ser traduzida literalmente como “jogo” em francês, um fato que contribuiu para a sensação que muitas pessoas têm de que Picasso pretendia que o Cubismo Sintético acrescentasse uma sensação de frivolidade de volta à arte após a seriedade acadêmica do Cubismo Analítico. No entanto, “JOU” também poderia facilmente ter sido entendido como a primeira parte do termo francês para jornal diário, ou jornal, uma referência ao fragmento de jornal visto no quadro.
Embora ele tenha conseguido uma estreia acrescentando aquele pedaço de lata de cadeira à sua peça, Picasso não foi o primeiro cubista a acrescentar texto a uma pintura. Em 1911, Georges Braque tinha criado uma obra chamada O Português, que foi a primeira obra cubista a introduzir as letras. Evidente tanto na primeira colagem de Picasso como na primeira peça textual de Braque é um afastamento da natureza séria e excessivamente complexa de algumas de suas posteriores obras cubistas analíticas. Há uma simplicidade caprichosa nas imagens destas obras de arte. As perspectivas são simplificadas e as imagens estão a tornar-se quase lúdicas, semelhantes às imagens antropomórficas em imagens publicitárias.
Georges Braques – The Portuguese, 1911, Óleo sobre tela, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Em 1912, Braque abriria novos caminhos pelo menos mais duas vezes. Nesse ano, tornou-se o primeiro pintor cubista a adicionar areia a uma pintura, a fim de adicionar níveis de textura e profundidade à obra, e também se tornou o primeiro a incorporar a técnica conhecida como colle de papel, que se refere à colagem de pedaços de papel recortados em uma superfície. Ambas as técnicas foram utilizadas no seu trabalho intitulado Fruit Dish e Glass. Nesta pintura ele aplicou pedaços de papel de parede recortados diretamente na superfície e depois sombreou a peça usando tinta cheia de areia, adicionando profundidade e textura à imagem.
Braque também incluiu texto nesta peça, usando as palavras claramente definidas e facilmente legíveis “Ale” e “Bar”. Estas palavras desafiam as linhas que separam as imagens publicitárias e a chamada alta arte. A combinação destas três técnicas acabaria por se revelar uma grande influência para os dadaístas, que se apoiaram fortemente na colagem e no texto para confundir e ofuscar os significados aparentes nas suas obras e para desafiar as noções burguesas de arte.
Georges Braque – Fruit Dish and Glass, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Planos, Formas, Pontos de Vantagem e Cores
O artista mais responsável por trazer cores vibrantes para o Cubismo Sintético foi o pintor cubista espanhol Juan Gris. Gris também utilizou uma linguagem visual substancialmente simplificada que demonstra soberbamente o número reduzido de pontos de vantagem e o uso simplificado de formas e planos que definem o Cubismo Sintético. No trabalho de Gris Newspaper e Fruit Dish, vemos todos estes elementos em jogo. Também podemos ver nesta mesma pintura muitas das razões pelas quais o Cubismo Sintético é frequentemente visto como o pré-cursor da Arte Pop.
Não é só porque os Cubistas Sintéticos jogaram com noções da linha desfocada entre a arte baixa e alta, e a arte e a publicidade. Esta pintura também evoca surpreendentemente os pontos do Ben-Day de Roy Lichtenstein, e parece prefigurar quase identicamente a repetição, colocação da imagem e paleta de cores do búfalo II.
Robert Rauschenberg – Búfalo II, 1964, óleo e tinta serigráfica sobre tela. 96 x 72 in (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licenciado pela VAGA na Artists Right Society (ARS), New York
As pinturas anteriores do Cubista Analítico tinham incorporado tantos pontos de vista diferentes que a complexidade das imagens se tornou quase impossível de desvendar. O seu tema parecia abstraído ao ponto de ser irreconhecível: cada ponto de vista era representado por formas geométricas separadas num plano separado e cada plano parecia empilhado sobre os outros e depois achatado novamente. E as formas geométricas utilizadas nas pinturas do Cubista Analítico pareciam, por vezes, quase transparentes. Eram pintadas de uma forma que demonstrava velocidade, vibração e movimento. Representavam diferentes momentos do dia, diferentes luzes e diferentes pontos de vista.
Juan Gris – Jornal e Prato de Frutas, 1916, Óleo sobre tela. 93,5 x 61 cm, Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York
Ao adicionar uma paleta de cores vibrantes de volta às fotos cubistas, Juan Gris deu ao estilo uma sensação de alegria e emoção que faltava naqueles trabalhos cubistas anteriores. E o vocabulário visual simplificado de Gris apresentou a noção de que o Cubismo poderia alcançar seus objetivos de uma forma simples, simplificada e esteticamente agradável. Na pintura de Gris O Violino, ele realiza o número mínimo absoluto de pontos de vista, formas e planos para que ainda seja considerado uma obra cubista. A imagem resultante parece mais um exemplo da sugestão do Cubismo do que a definição rigorosa do mesmo.
Juan Gris – The Violin, 1916, Óleo sobre painel de três camadas, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basel
Sintético: Outra Palavra Para Falso?
Adicionando escrita e pedaços e peças de objetos cotidianos em suas pinturas, Picasso, Braque e Gris estavam se esforçando para se conectar com um sentido ampliado da realeza de seus sujeitos. Mas ao adicionar esses elementos artificiais às suas obras, eles também estavam criando algo que era patentemente irreal, e diferente de qualquer das obras de arte cubistas que vieram antes. Às vezes eles até pintaram formas que pareciam colagem, intercalando elementos de colagem imitados com elementos de colagem reais na mesma obra. Este novo estilo foi nomeado Cubismo Sintético precisamente por essa razão, devido à natureza artificial das técnicas utilizadas em relação à seriedade da obra cubista que tinha vindo antes.
O Cubismo Sintético era mais simbólico do que o Cubismo Analítico. Não se esforçava para conseguir uma visão mais elevada da realidade tetradimensional. Pelo contrário, esforçou-se para alcançar uma dica da realidade, mas de uma forma distorcida. Foi uma transformação que contribuiu imensamente para as teorias e investigações em torno do Surrealismo.
O Cubismo Sintético também desafiou as diferenças entre a pintura e a escultura. Em vez de desmontar a imagem e depois remontá-la a partir de uma série de perspectivas diferentes, o Cubismo Sintético montou a imagem, construindo-a a partir de uma superfície plana em um objeto multicamadas, como um objeto tridimensional que repousa sobre uma superfície bidimensional. De todas estas formas, o Cubismo Sintético abordou as suas realizações através de um paradoxo claro e intencional: ao tornar um trabalho cada vez mais falso, conseguiu algo cada vez mais real.