De 20 beste films van 2016

Noorwegen Joachim Trier (Oslo, 31 augustus) is een groot filmmaker die vaak voor een goede wordt aangezien, wat verklaart waarom zijn Engelstalige debuut in het voorjaar een beleefde kritieken kreeg en daarna stilletjes uit het zicht, uit het hoofd en van het scherm verdween. Maar in zijn mineur is Louder Than Bombs een grote prestatie: een intiem familiedrama dat het privéproces van rouwverwerking tot een opwindende audiovisuele ervaring maakt. De film draait om een familie die worstelt met de dood van haar beroemde fotografe-moedermoeder (Isabelle Huppert, die een geweldig jaar heeft). De film gebruikt een collage van bekende stilistische en narratieve trucs – flashbacks, droomsequenties, meerdere vertellers, elliptische montage – om de kijker rechtstreeks in de emotionele staat van haar personages te brengen: een vader (Gabriel Byrne) en zijn twee nabestaanden (Devin Druid en Jesse Eisenberg, van wie de laatste ook een behoorlijk goed jaar heeft). Novelistic in inzicht, spannend filmische in techniek, het verdient op zijn minst een deel van de lof overladen op de kritische lievelingen 2016, met inbegrip van zijn dichtstbijzijnde spirituele verwant, die andere studie van gesloten mannen in rouw zitten vrij bovenaan deze eigen lijst.

19. Jackie

Niet strikt een Jacqueline Kennedy Onassis biopic, deze impressionistische kijk op de voormalige first lady van regisseur Pablo Larrain, scenarioschrijver Noah Oppenheim, en ster Natalie Portman is vooral een blik op hoe Jackie omging met de onmiddellijke nasleep van de moord op president John F. Kennedy’s. Een paar flashbacks herinneren aan hoe de patricische mevrouw Kennedy een sceptisch Amerika voor zich wist te winnen en een stijlicoon werd. Maar het grootste deel van de film gaat over hoe zij haar rechten als weduwe opeiste om ervoor te zorgen dat haar man op gepaste wijze werd geëerd, in een tijd waarin het hele land op zijn kop stond. Portmans ijzersterke vertolking bevestigt de waardigheid van een instelling die vaak als archaïsch en frivool wordt gezien. Ondertussen versterken de home-movie-achtige visuele texturen van cinematograaf Stéphane Fontaine en een opwindend schurende Mica Levi score de meeslepende kwaliteiten van een film die pleit voor de waarde van ritueel, symbolen en traditie, zelfs te midden van een onvoorstelbare tragedie.

18. Midnight Special

Een achtervolgingsthriller, een bovennatuurlijke parabel, een experiment in minimalistisch narratief en aanhoudend mysterie – Jeff Nichols’ voortreffelijke uitstapje in het genre-materiaal is zo onlosmakelijk geworteld in de alledaagse Amerikaanse realiteit dat het gemakkelijk kan zijn om over het hoofd te zien hoe vreemd en ongewoon het is als een stuk filmmaken. De motels, benzinestations en bermen waar een groot deel van de film zich afspeelt, zien er bekend uit, en het verhaal voelt alsof het al eerder is verteld: een kind met buitengewone krachten, achtervolgd door overheidsagenten en doomsday-cultisten. Maar Nichols, begaafd met een oog voor suggestieve lege ruimtes en landschappen, creëert iets dubbelzinnigs, aangrijpends, en uiteindelijk iets transcendents, waarbij hij veel riskeert met optredens, onuitgesproken interne conflicten, en een einde dat te veel lijkt te onthullen, maar dat niet echt is. Onder aanvoering van Michael Shannon, die in alle films van Nichols te zien is geweest, is de grote cast fantastisch; hoewel Joel Edgerton is geprezen voor zijn rol in Nichols’ Loving (ook dit jaar uitgebracht), is zijn laconieke bijrol hier misschien wel zijn beste werk.

17. Right Now, Wrong Then

De Koreaanse filmmaker Hong Sang-soo heeft in de V.S. zelfs nooit het matige succes behaald. van zijn landgenoten Bong Joon-ho (Snowpiercer) en Park Chan-wook (zie #6), vooral omdat hij piepkleine, spraakmakende, grotendeels plotloze films maakt over flauwe, dronken mannen (die bijna allemaal filmregisseur en/of scenarioschrijver zijn – niemand is zo overtuigd van de stelregel “schrijf wat je weet”). Right Now, Wrong Then wijkt niet ver af van het sjabloon, maar het is misschien wel de meest onderhoudende film die Hong tot nu toe heeft gemaakt. In de ontspannen, zachtjes aftastende eerste helft ontmoet de gebruikelijke gevierde kunstfilmregisseur (Jeong Jae-yeong) een aspirant-kunstenares (Kim Min-hee-again, zie #6; ze speelt daar ook in mee) en slaagt er niet in haar te verleiden, deels omdat hij zo verdomd hard zijn best doet. De tweede helft is een bijna scène-voor-scène herhaling van de eerste helft, maar wijkt al snel af van het oorspronkelijke verhaal, hoewel niet noodzakelijk om de redenen of op de manier die je zou verwachten. Gedrag is zelden zo acuut en hilarisch gediagnosticeerd; als dit in wezen dezelfde film is die Hong altijd maakt, moge hij er nog vele maken.

16. The Witch

Een titelkaart aan het begin luidt voluit: “The Witch: A New-England Folktale.” Technisch gezien is het The VVitch, met twee hoofdletters V (al eeuwenlang min of meer verwisselbaar met de letter “U”) in plaats van de moderne “W”. Deze details zijn belangrijk, omdat Robert Eggers’ griezelige debuut een groot deel van zijn kracht ontleent aan de strikte nauwkeurigheid van de periode. De film speelt zich af in het begin van de 17e eeuw, bij een puriteinse familie die verbannen is naar een eenzaam bestaan in de bossen, en bevat dialogen die rechtstreeks zijn overgenomen uit dagboeken en rechtbankverslagen uit die tijd, waardoor een extra laag van afstand wordt gecreëerd die het toch al doordringende gevoel van vreemdheid nog versterkt. Voor wie dit vervreemdingseffect niet stoort, is er ook nog een kinderetende (en -verslindende) heks, zoals de titel belooft, samen met escalerende paranoia, meerdere geloofscrises, hallucinante waanzin (culminerend in één korte maar onvergetelijke schok), en een letterlijk duivelse geit genaamd Black Phillip. Aan het eind stelt The Witch een vraag die sommigen onverantwoord vinden, maar die als brandstof voor nachtmerries kan dienen: Wat als de vrouwen die een paar decennia later in Salem werden opgehangen, tot op zekere hoogte een zichzelf vervullende profetie waren?

15. Everybody Wants Some

“Bros will be bros” klinkt als een behoorlijk kwalijke beschrijving van welke film dan ook, zelfs een Richard Linklater-komedie. Maar hoewel die zin absoluut van toepassing is op Linklater’s Everybody Wants Some, zorgt hij er ook voor dat de film bijna wonderbaarlijk aanvoelt door de manier waarop hij dom, competitief, bal-busting dude-gedrag terugvindt en het charmant maakt. Linklater volgt eerstejaars Jake (Blake Jenner) terwijl hij in de loop van een weekend gewend raakt aan het leven in een honkbalteam op de universiteit, een tijdsbestek dat – in combinatie met de setting in 1980 – van Everybody een geschikte afsluiter maakt van zijn baanbrekende Dazed And Confused. Maar het heeft ook connecties met zijn andere films, zoals de manier waarop Linklater het niet kan laten Jake in een miniatuurversie van een Before Sunrise-situatie te sturen met Beverly (Zoey Deutch), een theatermeisje dat hij bij toeval ontmoet. Met een paar erkenningen van hoe vluchtig deze momenten kunnen zijn, blijft Linklater, post-Before trilogie en post-Boyhood, het verstrijken van de tijd onderzoeken, zelfs wanneer hij de handeling van het leven in het moment vastlegt.

14. The Fits

De debuutfilm van schrijfster-regisseuse Anna Rose Holmer is deels een coming-of-age toongedicht en deels een diep metaforische kunst-horror oefening, maar meestal is het zijn eigen vreemde en wonderbaarlijke ding, even onclassificeerbaar als mooi. De jonge actrice Royalty Hightower speelt een tomboy die gecharmeerd raakt van de bekroonde dansgroep in haar buurthuis in Cincinnati, waar ze zich bij aansluit net op het moment dat haar leeftijdsgenoten worden gegrepen door onverklaarbare spasmen. Is er iets misgegaan in de omgeving? Of is al deze vreemdheid slechts een uiting van de vervreemding van de heldin van andere meisjes, die veel meer lijken te weten dan zij over hoe je met elkaar moet praten en hoe je er mooi uit moet zien? Holmer geeft nooit uitsluitsel over wat The Fits betekent. Ze blijft dicht bij een kind dat het allemaal zelf probeert uit te zoeken en laat ons met haar meekijken en meevoelen.

13. Silence

Silence draagt het gewicht van de geschiedenis, zowel dat van zijn decennialange reis naar het scherm als dat van de gruwelijke gebeurtenissen die erin worden afgebeeld. Maar waar sommige filmmakers scènes waarin christenen worden gemarteld en geëxecuteerd tot een bijna pornografisch spektakel zouden maken, draagt de katholieke Martin Scorsese de last van hun lijden in stilte. Het zwaarst van al is de stilte uit de titel – de afschuwelijke leegte van onbeantwoorde gebeden die jezuïet pater Rodrigues (Andrew Garfield) overvalt wanneer zijn geloof keer op keer op de proef wordt gesteld. Op zoek naar hun mentor (Liam Neeson), van wie het gerucht gaat dat hij het christendom heeft afgezworen en een Japanse vrouw heeft genomen, reizen Rodrigues en zijn collega jezuïet pater Garrpe (Adam Driver) af naar Japan. Ze worden geconfronteerd met bittere armoede en een onderdrukkende regering die christenen veroordeelt tot een leven in angst – ellendige omstandigheden die volgens de paters alleen kunnen worden verbeterd door te geloven in God. Silence, dat vrijwel verstoken is van komische humor en aanhoudend somber is, is geen leuke film om naar te kijken. Maar wel een krachtige.

12. American Honey

Andrea Arnold presenteert een dynamische visie van jong, vreemd Amerika in American Honey, een uitgestrekte roadmovie die zich tijdens een cross-country trip een weg baant van rijke voorstedelijke cul-de-sacs naar armoedige trailerparken. Nieuwkomer Sasha Lane speelt de hoofdrol als Star, een impulsieve tiener die haar gewelddadige leven thuis achter zich laat om tijdschriften te verkopen van stad tot stad en van deur tot deur met een paar buitenbeentjes die ze ontmoet terwijl ze danst op Rihanna in het midden van de Kmart, waaronder hartenbreker Jake (Shia LaBeouf) met een rattenstaart. Rijdend over de kale snelwegen van de rode staten van Amerika in een wit busje, vertellen de kinderen hun verhalen tussen de slokken wodka en de hits van een altijd aanwezige joint, elk van hen een blok in de lappendeken van de onderklasse van de VS. Arnold laat haar acteurs – van wie velen op straat zijn gecast – organische, losjes geconstrueerde scènes improviseren die hun avonturen een documentaire-achtige sfeer geven. Neem de esthetiek van een Harmony Korine-film, maar vervang het nihilisme door grenzeloze menselijkheid, en je komt in de buurt van het begrijpen van de wilde charme van American Honey.

11. Elle

“Schaamte is geen emotie die sterk genoeg is om ons tegen te houden om überhaupt iets te doen.” Met het Franstalige Elle keerde Paul Verhoeven, de meest subversieve vakman van de cinema, na een onderbreking van tien jaar terug naar de speelfilm en leverde wat misschien wel zijn donkerste en meest bijtende film is. In een van haar beste vertolkingen speelt Isabelle Huppert de rol van een rijke, succesvolle zakenvrouw die verkracht wordt door een onbekende indringer en ervoor kiest om wraak te nemen op haar eigen voorwaarden. Elle weigert elke tegenstrijdigheid of slachtofferschap te erkennen in haar feministische antiheldin; jaloers, overheersend en masochistisch belichaamt ze bijna elk negatief stereotype dat ooit gebruikt is om vrouwenhaat en seksueel geweld te rationaliseren. In zijn Hollywood-tijd was Verhoeven beter dan wie ook in het maken van kaskrakers met speciale effecten; hier maakt hij van de klassieke Franse burgerlijke thriller (denk aan Claude Chabrol uit het midden van zijn carrière) een surreële sociale satire die opwindend onvoorspelbaar en pikzwart is.

10. The Lobster

In een bizarre dystopie van de nabije toekomst wordt de onlangs gescheiden David (Colin Farrell, zeer effectief tegen zijn type gecast) naar een kamp aan zee vol alleenstaande volwassenen gestuurd om in 45 dagen een nieuwe partner te vinden of anders te worden getransformeerd in het dier van zijn keuze. De Griekse regisseur Yorgos Lanthimos (Dogtooth) perfectioneert zijn stijl van absurdistische deadpan komedie en introduceert om de haverklap nieuwe regels, activiteiten en gruwelijke straffen: Koppelingen worden gemaakt op basis van willekeurige gelijkenissen; proefkoppels krijgen kinderen toegewezen; en tijdverlenging kan worden verdiend door jacht te maken op afvallige singles die in het bos wonen en alleen naar elektronische muziek luisteren. The Lobster is meer dan alleen een geestige parodie op zinloos paargedrag en wordt steeds diepgaander naarmate het verder en verder doordringt in zijn vreemde en wrede wereld, op weg naar een finale die de vraag opwerpt of twee mensen van elkaar kunnen houden op andere voorwaarden dan die welke hen door de maatschappij worden opgedrongen.

9. Paterson

Wat als er een buschauffeur was… die poëzie schreef?! De log line voor Paterson klinkt vaag afstotend, alsof we allemaal verondersteld worden verbaasd te zijn dat er een creatief persoon schuil kan gaan in een medewerker van het openbaar vervoer. Maar elke zweem van neerbuigendheid verdwijnt al binnen de eerste minuten van Jim Jarmusch’ subliem ontspannen komedie, die met grote oprechtheid gelooft in de deugden – en integriteit – van het gewone leven. Paterson volgt de hoofdpersoon in New Jersey (Adam Driver, die de genaden van extreme understatement weet te vinden) in een week tijd terwijl hij naar zijn werk gaat, omgaat met zijn gestoorde kunstenaarsvriendin (Golshifteh Farahani), ’s nachts een plaatselijke kroeg bezoekt en de vrije tijd vindt om wat strofes te krabbelen. De schoonheid van de film schuilt niet alleen in het zachte alledaagse ritme, maar ook in de opvatting over Paterson’s artistieke proces – de suggestie dat hij inspiratie vindt in elke interessante persoon, situatie en detail die hij tegenkomt. Voor Jarmusch, die ouder wordende ambassadeur van koelte, is dit een Zen-hoogtepunt: zijn wijste, zijn grappigste, zijn beste.

8. Toni Erdmann

We hebben hier een beetje vals gespeeld door twee films in één slot te gooien. De ene is een scherp, sober, soms wanhopig arthouse-drama over de uitputting van het worstelen met seksisme in het bedrijfsleven. De andere is zijn tegenpool: een maffe, freewheelende komedie over een grappenmakende vader die zijn gespannen, workaholic dochter probeert op te vrolijken. We kunnen ze echter met elkaar in verband brengen omdat ze allebei door dezelfde vrouw zijn geregisseerd (de Duitse filmmaker Maren Ade), dezelfde acteurs hebben die dezelfde personages spelen binnen hetzelfde verhaal, en naadloos aan elkaar zijn gemonteerd tot een bijna drie uur durend seriocomisch epos. Met andere woorden, Toni Erdmann (die op eerste kerstdag in New York en Los Angeles opent, andere steden volgen nog) vertoont een toonbereik dat het vocale bereik van Mariah Carey evenaart… hoewel het Whitney Houston is die het meest memorabele decorstuk van de film inspireert. Geen aspect van menselijk gedrag is te triviaal voor Ade om er een moment van te maken dat hartverscheurend, absurd, of op een of andere manier tegelijkertijd hartverscheurend en absurd is. Dit is de Rainer Werner Fassbinder/Adam Sandler mashup waarvan je niet eens vermoedde dat je die wilde.

7. Arrival

Is er een acteur op het scherm met een expressiever reagerend gezicht dan Amy Adams? Ze kan meeslepend zijn als ze in Nocturnal Animals gewoon een boek leest of, zoals in het prachtige Arrival, als ze zich afvraagt hoe ze een buitenaardse taal moet decoderen terwijl ze worstelt met haar eigen perceptie van geheugen en tijd. Adams’ bedachtzame, onopgesmukte uitingen van emotie maken haar perfect voor de balans tussen pulp-procedure en kunstzinnige ernst waar Denis Villeneuve sinds zijn Amerikaanse debuut Prisoners aan heeft gesleuteld. Die mix bereikt een perfecte alchemie tijdens Arrival, waarin een personage wordt gevolgd – de linguïst-expert van Villeneuve – die waarschijnlijk een walk-on expositie zou geven in een aantal mindere sci-fi films. Nu we het er toch over hebben: Eerder dit jaar liep de opwinding over buitenaardse invasies terug met het ongewenste vervolg Independence Day: Resurgence. Arrival, met zijn vochtige herfstachtige cinematografie en mooie maar ongedwongen emotionele haken, voelt aan als de echte opleving.

6. The Handmaiden

Park Chan-Wook bereikt de rang van filmmeester met The Handmaiden, dat Fingersmith, Sarah Waters’ roman over verborgen identiteiten en lesbische passie, naar het Zuid-Korea van de jaren 1930 transporteert en daarbij veel Hitchcockiaanse suspense toevoegt. Weelderig gefilmd met een fetisjistische formaliteit die doet denken aan The Duke Of Burgundy van vorig jaar, creëert Park een sensuele ervaring zo weelderig als bijten in een overrijpe perzik en zo kinky als een paar leren handschoenen die zachtjes over de achterkant van je nek strijken. Kim Tae-ri speelt de rol van Sook-hee, een jonge zakkenroller die wordt ingehuurd om te werken voor de schijnbaar beschermde Japanse edelvrouw Lady Hideko (Kim Min-hee); het plan is dat Sook-hee haar collega-zwendelaar Graaf Fujiwara (Ha Jung-woo)-die in werkelijkheid noch een Graaf noch een Japanner is- helpt om Lady Hideko van haar fortuin te beroven. Maar als hun driehoeksverhouding steeds gecompliceerder wordt, wordt het duidelijk dat Lady Hideko niet zo naïef is als ze lijkt. Uitmuntende vertolkingen van de vrouwelijke hoofdrolspelers dragen de film door duizelingwekkende wendingen, met daaronder een zwarte komedie en een onverwacht geloof in de kracht van ware liefde.

5. Hell Or High Water

Een visie op het moderne Westen die zich kan meten met No Country For Old Men, het offbeat, onderhoudende en elementaire Hell Or High Water zorgde voor een onwaarschijnlijke doorbraak voor de begaafde Schotse regisseur David Mackenzie (Young Adam, Starred Up). Twee bankrovende broers worden achtervolgd door een paar politieagenten in een landschap dat bezaaid is met bosbranden en faillissementen. Mackenzie grijpt terug naar de creatieve wilde dagen van de Amerikaanse cinema uit de jaren zeventig en weet in zijn regie een perfecte balans te vinden tussen de ontspannen sfeer en excentriciteit van de setting in West-Texas en de spanning en wanhoop van de personages; zijn lange takes plaatsen de kijker in het moment en voelen nooit ostentatief aan. Het scenario (van Taylor Sheridan van Sicario) heeft welverdiende lof geoogst voor de dialogen, maar is net zo indrukwekkend door de rijke, romaneske structuur die het geeft aan een vrij rechttoe rechtaan verhaal over misdaad en achtervolging. De film zit vol suggestieve omwegen, memorabele bijpersonages en krachtige herinneringen aan de erfenis van het Westen van diefstal en uitbuiting, en bouwt op naar een epiloog die zijn plaats op onze lijst van de beste scènes van het jaar meer dan verdiend heeft. En dan hebben we de cast nog niet eens genoemd.

4. La La Land

Bij veel moderne, originele filmmusicals gaat het evenzeer om het gevoel van hun voorgangers als om iets anders. Dat geldt ook voor La La Land van Damien Chazelle, met zijn CinemaScope-beeldverhouding (compleet met Tarantino-achtige titelkaart), weelderige en dromerige 35mm-kleuren, visuele knipogen naar Singin’ In The Rain en een coda die doet denken aan The Umbrellas Of Cherbourg. Maar Chazelle slaagt in iets zo lastig dat het aanvoelt als magie: hij maakt deze toetsstenen tot de zijne, met Emma Stone en Ryan Gosling die zorgen voor een cocktail van filmsterrenglamour en echte spijt als twee aspirant-entertainers (een jazzman, een actrice) die verliefd worden en hun stem vinden. Ondanks de verwijzingen lijkt La La Land niet echt op Rain of Cherbourg; door zijn interesse in de kosten en de glorie van artistieke ambitie is het een bruisende metgezel van Chazelle’s opwindend bruske Whiplash. De lange takes in de muzikale sequenties zijn er niet om het publiek te laten “dansen”, zoals het oude cliché luidt, maar om te betoveren: De ononderbroken camerabewegingen, hoe zelfbewust ze ook zijn, maken de film meer droomachtig. Zelfs als het verhaal pijnlijk melancholisch wordt, is het een droom waar je misschien niet uit wil breken.

3. Green Room

Er is een moment in Green Room dat nooit faalt om een collectieve hijg door een huiskamer of auditorium te sturen. Het gaat om een stanleymes, een ontblote buik en het keerpunt voor de wanhopige helden, een hardcore band die zich achter het podium verschanst in een concertzaal in een achterbos, terwijl gewelddadige skinheads als haaien aan de andere kant van de deur cirkelen. Met de good guys aan de binnenkant en de bad guys aan de buitenkant, als een punkrock remake van Assault On Precinct 13, toont Jeremy Saulnier’s helse intense indie thriller geen genade voor zijn personages of zijn publiek. Dat deze kunstzinnige chaos zowel huiveringwekkend relevant als bijna catharsisch overkomt, heeft alles te maken met Green Room’s griezelige tijdsverloop – zijn opkomst, in ons nieuwe tijdperk van politiek aangemoedigde haatzaaiers, als een toevallige tijdgeestfilm. Dat wil zeggen, zelfs als je niet de maag hebt voor het bloedbad, is het duister bevredigend – hier, nu en altijd – om nazi’s de ingewanden te zien krijgen die ze verdienen.

2. Moonlight

In de breedste zin van het woord zou Moonlight een film genoemd kunnen worden “over zwart zijn” of “over homo zijn” of zelfs “over opgroeien in de door drugs geteisterde wijk Liberty City in Miami.” Maar schrijver-regisseur Barry Jenkins behandelt identiteit meer als een prisma dan als een lens in zijn bewerking van Tarell Alvin McCraney’s nog niet geproduceerde toneelstuk In Moonlight Black Boys Look Blue. In drie beklijvende vignetten, die zich jaren na elkaar afspelen, onderzoekt Jenkins de gecompliceerde driften en invloeden binnen een jongeman, Chiron, als een vriendelijke dope-pusher (prachtig gespeeld door Mahershala Ali) de jongen wat begeleiding biedt, en een aanhankelijke klasgenoot zijn seksualiteit helpt ontwaken. Moonlight is van moment tot moment kleinschalig. Maar de verschillende echo’s en callbacks komen samen in een soms lief, soms hartverscheurend portret van iemand die aarzelt om zijn verlangens te verwoorden.

1. Manchester By The Sea

Hoe moeilijk je 2016 ook was, het is een goede gok dat het ergste ervan niet helemaal te vergelijken was met wat Lee Chandler opvreet, de teruggetrokken klusjesman uit Boston die Casey Affleck speelt in Manchester By The Sea. Lee is teruggekeerd naar zijn geboortestad aan zee om zijn oudere broer te begraven, en dat is nog maar het topje van de traumatische ijsberg voor deze gebroken man, wiens verwoestende geschiedenis boven de gebeurtenissen in de film hangt als een stormwolk boven het water van Massachusetts. Maar ondanks al het hartzeer dat erdoorheen pompt, is Kenneth Lonergans ambitieuze derde speelfilm geen miserabele ploertocht: Manchester By The Sea, dat wordt ondersteund door de beste prestatie uit zijn carrière van Affleck, die er een huzarenstukje van maakt om emotionele onbeschikbaarheid overtuigend te maken, is vaak net zo grappig als aangrijpend. Wat het tot onze favoriete film maakt in een voor hen uitzonderlijk jaar, is de manier waarop Lonergan, de toneelschrijver-filmmaker achter Margaret en You Can Count On Me, erin slaagt een familietragedie van duizelingwekkende proporties te verankeren in de alledaagse crap van het leven. Zelfs wanneer hij naar het opera-achtige grijpt, houdt hij de focus op kleine menselijke zwakheden: een mobiele telefoon die afgaat op een begrafenis; een auto die geparkeerd staat waar hij weet; een tiener (Lucas Hedges, in wat een sterrenrol zou moeten worden) wiens rouwproces hem niet meer bezighoudt dan zijn wanhopige pogingen om wat tijd alleen met zijn vriendin te krijgen. In een jaar dat velen niet konden wachten om af te sluiten, betoogde Manchester By The Sea niet dat alles uiteindelijk goed zal komen – voor sommigen zal dat zeker niet het geval zijn – maar dat de mensen in je leven de reden zijn om te blijven vechten, zelfs als de hoop verloren lijkt. Nu, misschien wel meer dan ooit, kunnen we dat als troost gebruiken.