Metodi e tecniche di recitazione più popolari

La recitazione esiste da molto tempo, e l’arte stessa ha un modo di evolversi con il tempo in cui è impostata. Gli artisti hanno spinto le norme convenzionali di ciò che ci si aspettava da loro fin da Michelangelo e Picasso. Lo stesso vale per la recitazione, quindi le performance possono essere ottenute attraverso vari mezzi diversi a causa dell’atmosfera culturale in costante cambiamento.

Quindi, le tecniche di recitazione sistematizzate sono regolarmente insegnate nelle scuole di teatro per aiutare ad ampliare gli orizzonti di chiunque voglia entrare in questo campo. Ci si può specializzare in un’area specifica, ma il punto cruciale rimane lo stesso: capire il campo minato creativo in cui si sta per entrare, e sapere come affrontarlo quando ci si trova di fronte.

Ecco alcuni dei più popolari:

Il metodo di Stanislavski

Konstantin Stanislavski è un nome che senza dubbio vi è familiare, o che vi aspettate di conoscere come il vostro. La sua tecnica è, forse, il metodo più universalmente accettato a cui ci si può avvicinare nella recitazione. L’idea nasce dalla solida base che un attore deve sentire le emozioni che il personaggio sta provando ogni volta che entra in scena. Secondo il metodo di Stanislavski, l’attore deve pensare, agire e comportarsi sinceramente come farebbe il personaggio; ergo diventare un tutt’uno con il personaggio. Andare nei dettagli di come un personaggio si comporterebbe in certe situazioni e cercare le vere ragioni psicologiche del perché il personaggio fa quello che fa. Questo spinge l’attore a incarnare la vita sul palco.

Il magico “se”

Si sta vivendo una vita e improvvisamente si è spinti nella situazione (date le circostanze) che sta accadendo sul palco. Dimentica il pubblico, quella è la quarta parete, stai solo vivendo la tua vita con questi avvenimenti apparentemente innocui e poi BAM… Succede qualcosa di offensivo. Che cosa fai? E se questo accadesse a te? Cosa penseresti e come agiresti? Tutti hanno un desiderio nel modo in cui si stanno comportando in questo momento (oggetti interiori), sia facendo fare qualcosa a qualcuno che facendo qualcosa tu stesso. La grande domanda è quale sarebbe il tuo (del personaggio) in questi momenti fittizi e come lo realizzeresti?

Tecnica di Meisner

“Per essere un attore interessante – diavolo, per essere un essere umano interessante – devi essere autentico e per essere autentico devi abbracciare chi sei veramente, con tutti i difetti. Hai idea di quanto sia liberatorio non preoccuparsi di quello che la gente pensa di te? Beh, questo è quello che siamo qui per fare”. – Sanford Meisner sulla recitazione

Sanford Meisner cercò di espandere gli insegnamenti di Stanislavski nel far progredire il pensiero del personaggio. Le pratiche coinvolgono una complessa struttura di allenamento che lavora sulle vostre capacità di improvvisazione, portando avanti le vostre risposte emotive, l’interpretazione del copione e infine aggiungendole tutte insieme in un modo simile alla vita per far emergere i tratti dei personaggi con le vostre esperienze personali che esplodono nel lavoro. L’attore non dovrebbe pensare sul palco, dovrebbe essere nel momento e reagire di conseguenza. La tecnica di Meisner si concentra sull’emozione generale del personaggio, in contrasto con le parole del drammaturgo che corrono in parallelo.

Movimento Laban

Il movimento è parte integrante della recitazione, che lo crediate o no. Se tu stessi fermo a consegnare le battute o andassi a dare un calcio a un cesto di biancheria nello stesso modo in cui fai un passo, sembrerebbe strano. Laban ha voluto raccogliere tutti i modi in cui il movimento umano poteva essere esaminato e si è spinto più avanti di chiunque altro nel quantificarlo. Concentrandosi su 4 categorie principali (Corpo, Sforzo, Forma, Spazio), la comprensione delle relazioni tra ciascuna di esse può aiutare un performer a caratterizzare il proprio ruolo sul palcoscenico utilizzando gli aspetti in modo diverso. Come tale, il movimento Laban dovrebbe essere al centro della formazione di ogni attore.

• Corpo – Come funziona il corpo a livello interno. Come sono collegati gli arti/Come il movimento parte dal corpo/Cosa influenza cosa sul corpo.

• Effort – L’intenzione con cui il movimento viene eseguito. La forza/il controllo/il tempismo di un movimento è parte integrante della comprensione da parte del pubblico di ciò che stai cercando di fare.

• Forma – Il modo in cui un corpo cambia a causa del movimento che intraprende.

• Spazio – Il modo in cui un corpo interagisce con il suo ambiente. Il modo in cui cammini/il modo in cui prendi un secchio ecc.

La tecnica di Michael Chekhov

Michael Chekhov era il nipote di Anton Chekhov e il proclamato “più grande studente” di Stanislavski. Sa un paio di cose sulla recitazione e, usando quella di Stanislavski come base, ha creato la sua propria bestia come metodo di approccio. La regia successiva si basava sull’idea di scindere il proprio essere da quello del personaggio, diminuendo il proprio ego e i propri modi di vivere nel nulla in modo che rimanesse solo il personaggio che si interpretava. La tecnica di Cechov consiste nel lasciar andare tutto quando si entra in uno spazio creativo in modo che tutte le paure e i dubbi preconcetti che si hanno, siano superati solo dalla cornice mentale del personaggio. Per Cechov, le performance ispiratrici non si ottengono pugnalando selvaggiamente nel buio, ma con un’attenta preparazione per entrare mentalmente nello spazio giusto. Permettendovi così di fondervi in chiunque vogliate, con coraggio e in modo unico. Dopo tutto, gli attori sono destinati a catturare lo spirito umano in un modo sorprendente e diverso – se non sei un camaleonte, allora che tipo di attore sei?