Musique « du monde »
(non occidentale)
Contexte général de la musique du monde
Le monde occidental possède un vaste patrimoine musical qui a évolué au cours de nombreux siècles ; Cependant, certaines traditions musicales asiatiques, polynésiennes, africaines et proche-orientales ont prospéré pendant des MILLIERS d’années. Alors que le Japon, la Chine, l’Inde et l’Indonésie ont des traditions musicales artistiques de longue date (dans lesquelles la musique est interprétée par un petit nombre d’artistes bien formés), la majorité des sociétés non occidentales n’ont pas de traditions musicales artistiques (« concert formel ») – au contraire, elles perçoivent la création musicale comme une partie fonctionnelle de la vie quotidienne à laquelle la société dans son ensemble participe. Une telle musique ne peut être étudiée que par une combinaison minutieuse de moyens musicologiques et anthropologiques.
Donc, même si une distinction doit être faite entre la musique dite « artistique » (jouée par des professionnels) par rapport à d’autres types de musique « fonctionnelle », cela n’a pas pour but d’impliquer que la « musique artistique » est plus artistique ou supérieure à toute autre.
Considérations musicales importantes dans la musique non occidentale
La plupart des types de musique non occidentale sont fondés sur des concepts assez différents de ceux de la tradition occidentale :
Rythme
La musique non occidentale (notamment africaine) peut faire un usage plus important et plus créatif du rythme que les idiomes occidentaux.
Dynamique
La musique non occidentale utilise rarement la dynamique comme un concept indépendant. Les changements dans le bruit/la tranquillité se produisent en augmentant/diminuant le nombre d’interprètes.
Mélodie
La musique non occidentale utilise souvent des intervalles mélodiques microtonaux qui sont plus petits ou plus grands que ceux des gammes occidentales traditionnelles.
Harmonie
En général, l’harmonie n’est pas aussi importante dans les idiomes non occidentaux qu’elle ne l’est en Occident. La musique non-occidentale peut ne pas avoir d’harmonie du tout, ou bien elle peut baser sesharmonies sur des systèmes de gammes complètement différents de ceux de la musique occidentale.
Couleur des tons
Bien que la musique non occidentale soit principalement vocale par nature, certaines cultures ont également développé des familles d’instruments indépendants uniques. Les sons de percussions colorés et les instruments à cordes et à vent uniques sont les plus couramment employés.
Texture
Puisque l’harmonie n’est pas une considération importante, la musique non occidentale est souvent soit monophonique (une seule note ou mélodie sonnant seule) ou hétérophonique (deux versions légèrement différentes de la même mélodie étant exécutées en même temps).
Forme
La musique non occidentale est plus librement structurée que la musique occidentale, et la plupart des types dépendent fortement de l’improvisation (créativité sur place). Une telle musique est transmise oralement ; ainsi, elle est rarement – voire jamais – interprétée de la même façon deux fois.
Exemples choisis de musique du monde
MUSIQUE AFRICAINE
La musique – en particulier la musique vocale – fait partie intégrante de la vie quotidienne dans le monde africain. Pratiquement tout événement d’importance pour un individu ou pour la culture dans son ensemble est célébré en musique. De nombreuses langues africaines sont « tonales » (le sens d’un mot dépend de la hauteur de la tonalité à laquelle il est prononcé) ; ainsi, les mélodies africaines suivent généralement le contour de la tonalité de leurs textes. Les mélodies africaines sont basées sur des échelles qui sont très différentes de celles que l’on trouve en Occident.
Une caractéristique commune des chansons vocales africaines est « l’appel et la réponse », dans laquelle le leader de la chanson improvisera un « appel » narratif sur un événement passé ou actuel, puis le groupe dans son ensemble chantera une « réponse » répétée, qui reste la même tout au long de la chanson. La technique de l’appel et de la réponse est finalement devenue une caractéristique importante de la musique populaire d’influence noire dans le monde occidental.
L’improvisation et les polyrythmes complexes (la combinaison simultanée de deux ou plusieurs modèles rythmiques différents) sont richement abondants dans la musique africaine, et les musiciens africains les ont développés à un niveau beaucoup plus élevé que celui habituellement rencontré dans les styles musicaux occidentaux traditionnels.
Bien avant l’invention dans le monde occidental du télégramme, du téléphone ou du code Morse, il existait déjà une longue tradition d’utilisation de différents types de tambours pour « parler » (réciter de la poésie, envoyer des avertissements « verbaux » ou transmettre des messages complexes réels à la manière de la parole sur de longues distances).
Figure 1 : Les différentes régions musicales du continent africain (voir carte à droite)
Exemples musicaux :
Cliquez ici pour voir des tambours, des chants et des danses africains d’Angola (Afrique du Sud-Ouest) via YouTube.
Cliquez ici pour voir la Kora (une harpe à pont à 13 cordes) jouée et expliquée par Kinobe–un chanteur/interprète d’Ouganda (Dungu–la République démocratique du Congo).
Cliquez ici pour voir uneexplication et un bref exemple par un batteur nigérian de la façon dont on joue d’un « talking drum » africain(remarquez que le bras gauche du joueur presse les cordes qui entourent la coque extérieure en bois en forme de verre du tambour afin d’augmenter sa hauteur de son). De cette façon, les tambours peuvent être utilisés pour simuler le langage réel et transmettre littéralement des messages complexes.
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Musique d’artFROM INDONESIA
La République d’Indonésie est composée de quelque 13 000 îles de l’océan Pacifique, dont seulement 4 000 sont nommées et seulement 1 000 sont habitées. Cette société complexe fusionne plus de 300 groupes ethniques et plus de 250 langues différentes. De cette diversité est née une variété universelle de musique typiquement « indonésienne », le gamelan des îles de Java et de Bali (surtout Bali, dont la tradition est très complexe). Un gamelan est un ensemble instrumental coloré, composé principalement d’instruments à percussion inhabituels, notamment des tambours, des gongs et des xylophones en bois (comme le genre ou le bronze, comme le bonang). Ces instruments à percussion peuvent être complétés par une petite flûte en bambou ou un simple instrument à cordes, et peuvent être utilisés pour accompagner les danses rituelles traditionnelles. Les instruments du gamelan présentent des hauteurs de son qui sonnent « désaccordées » aux oreilles occidentales (microtonalités). Par conséquent, cette musique ne peut pas être représentée de manière précise avec la notation occidentale.
Figure 2 : Carte de l’Indonésie(mettant en évidence Bali, et Jakarta (la capitale de l’île de Java)
Exemple musical:
Cliquez sur l’illustration du gamelan ci-dessous pour voir un clip YouTube.
Figure 3 : Instruments communs duGamelan
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LA MUSIQUE DU MEXIQUE
Avant la conquête espagnole (1519-21), la musique était un élément essentiel de la vie sociale aztèque et maya dans la péninsule mexicaine. Avec l’arrivée des Espagnols, les instruments européens se sont rapidement mêlés aux traditions musicales autochtones. Le résultat le plus remarquable de cette combinaison d’influences est la musique mexicaine Mariachi – une tradition de chant et de danse composée de chanteurs, de guitares acoustiques aiguës et basses, de violon, de trompette et parfois de harpe. Malgré leur genèse européenne, ces instruments rendent des sons qui sont uniquement hispaniques.
Figure 4 : Carte du Mexique, mettant en évidenceJalisco- le lieu de naissance de la musique Mariachi.
Figure 5 : Instruments traditionnels d’un groupe Mariachi mexicain
Exemple musical :
Cliquez sur la photo du Mariachi ci-dessus pour voir un clip YouTube du célèbre Mariachi Vargas.
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Musique artistique du JAPON
La musique japonaise jouit d’une riche tradition populaire et classique qui s’étend sur plus de 1 000 ans, avec de nombreux styles et idiomes. Les instruments japonais les plus importants sont le koto, le shamisen (un « banjo » à 3 cordes) et le shakuhachi (une flûte en bambou à 4 trous).Les 13 cordes du koto sont accordées sur une échelle pentatonique à 5 notes. Les 13 cordes du koto sont accordées sur une gamme pentatonique de 5 notes. Les cordes sont pincées, grattées ou frappées par des « pics » en ivoire pour produire une variété d’effets musicaux. Le joueur peut également modifier la hauteur d’une corde en poussant ou en tirant sur la corde avec la main gauche.
Figure 6 : Une carte des régions traditionnelles du Japon
Figure 7 : Instruments de musique d’art traditionnels du Japon
Exemples musicaux:
Cliquez sur l’illustration des instruments japonais ci-dessus pour entendre une belle interprétation sur YouTube clip de la célèbre chanson folklorique japonaise « Sakura » jouée au koto.
Cliquez ici pour voir une démonstration de base de la façon de jouer « Sakura » au koto, comme vu sur YouTube.
Cliquez ici pour voir une fusion du koto, du shamisen et du shakuhachi avec des instruments rock dans un clip YouTube de « Sakura »(« Cherry Blossoms »).
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MUSIQUE D’ART DU PROCHE ET DU MOYEN-ORIENT
Le Proche et le Moyen-Orient comprennent de nombreux pays bordant la mer Méditerranée, l’Asie occidentale et l’Afrique du Nord, et dominés par des peuples islamiques arabophones, persans et turcophones qui partagent des traditions musicales folkloriques et artistiques remontant au 7e siècle. L’un des aspects les plus répandus de la musique d’art du Moyen-Orient est le luth ‘Ud, luth sans frettes au manche en forme de crosse, avec un corps en forme de poire et cinq paires de cordes. Contrairement au luth occidental, le ‘Ud est joué comme un instrument mélodique monophonique, souvent accompagné par l’accompagnement rythmique coloré du darabukkah (également appelé « Darbuka » ou « Doumbek »)–un petit tambour d’argile qui change de tonalité lorsque le joueur applique une pression variable des doigts sur la peau du tambour.
Figure 8 : Une carte politique duMoyen-Orient
Figure 9 : Instruments traditionnels du Moyen-Orient
Exemples musicaux :
Cliquez sur l’illustration des instruments du Moyen-Orient ci-dessus pour voir un clip YouTube du ‘Ud et de la Darabukkah jouant ensemble). si vous êtes intéressé par l’étude de la structure interne de cet exemple de « sama’i » turc, vous pouvez regarder toute la vidéo, qui met en évidence les sections alternées, que l’on appelle la kjana et le taslim.
Cliquez ici pour voir un maître batteur de Darabukkah, exécuter des licks étonnants sur YouTube.
Cliquez ici pour voir le « Ud et la Darabukkah accompagner le chant des prières pénitentielles dans un clip YouTube d’un service de Selichot juif en préparation des Grands Jours Saints.
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Musique artistique de la CHINE
La musique traditionnelle chinoise peut être retracée depuis 7000-8000 ans sur la base de la découverte d’une flûte en os fabriquée au Néolithique. Sous les dynasties Xia, Shang et Zhou, seules les familles royales et les dignitaires appréciaient la musique, qui était faite sur des carillons et des cloches. Au cours de la dynastie Tang, la danse et le chant sont entrés dans les mœurs, se propageant de la cour royale aux gens du peuple. Avec l’introduction de religions étrangères comme le bouddhisme et l’islam, les mélodies exotiques et religieuses ont été absorbées par la musique chinoise et ont été appréciées par le peuple chinois lors de foires organisées par les temples religieux.
Divers types d’opéra chinois se sont développés pendant les dynasties Ming(1300s-1600s) et Qing (1600s-1900s), le célèbre opéra de Pékin devenant l’un des trois principaux aspects de la culture chinoise (avec la médecine chinoise et la peinture chinoise) Deux instruments chinois importants sont le Zheng (un grand instrument à cordes frottées avec 13 à 21 cordes bridées) et l’Erhu(un instrument à archet à 2 cordes)).
Figure 10 : Une carte montrant la proximité de la Chine, de l’Inde, de l’Indonésie, du Japon et du Moyen-Orient
Figure 11 : Instruments traditionnels chinois – le erhu et le zheng
Cliquez sur la photo des instruments chinois ci-dessus pour voir un clip YouTube de l’Ensemble Orchidée jouant du erhu, du zheng et d’une variété d’instruments de percussion chinois et occidentaux.
Cliquez ici pour voir un exemple d’opéra traditionnel chinois, sur YouTube, avec une traduction intégrée, et un son et une esthétique complètement différents de ceux de l’opéra occidental. (L’idée ici n’est pas de juger si la musique est « bonne » ou « mauvaise », mais juste d’avoir une idée de la gamme plus large de sons et d’expression qui sont possibles dans la musique du monde.)
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MUSIQUE D’ART DE L’INDE
Les traditions musicales de l’Inde remontent à environ 3 000 ans. La musique classique indienne est improvisée, elle utilise des systèmes mélodiques et rythmiques sophistiqués appelés ragas (motifs mélodiques) et talas (motifs rythmiques) qui régissent le choix par l’interprète de hauteurs, d’ornements et de rythmes complexes.Les interprètes indiens considèrent que leur musique est de nature spirituelle – chaque ragas est associé à un état d’esprit particulier, tel que la tranquillité, l’amour ou l’héroïsme.La musique indienne est transmise oralement du maître (guru) à l’élève, qui l’apprend en imitant strictement le maître – et non à partir d’une tradition écrite. Seuls les éléments de base d’un morceau sont notés – les ornements essentiels et les élaborations ne peuvent pas être écrits, et doivent être intériorisés par des années d’étude intense.
L’instrument de musique artistique le plus important de l’Inde est le sitar – un luth à long manche avec une large touche et des frettes mobiles. Dans les années 1960, lorsque des artistes rock comme les Beatles ont cherché l’illumination auprès de gourous indiens, le sitar est devenu populaire en Occident. Le gourou indien/maître de la sitar le plus connu est Ravi SHANKAR, surtout connu en Occident pour sa prestation à Woodstock en 1969. Le Sitar peut être accompagné d’un instrument de percussion appelé Tabla.
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