Le jeu d’acteur existe depuis longtemps, et l’art lui-même a une façon d’évoluer avec le temps qu’ils sont fixés. Les artistes ont repoussé les normes conventionnelles de ce que l’on attendait d’eux depuis Michel-Ange et Picasso. Il en va de même pour le jeu d’acteur, de sorte que les performances peuvent être réalisées par différents moyens en raison de l’atmosphère culturelle en constante évolution.
Ainsi, des techniques de jeu d’acteur systématisées sont régulièrement enseignées dans les écoles d’art dramatique pour aider à élargir les horizons de quiconque cherche à entrer dans ce domaine. Vous pouvez vous spécialiser dans un domaine spécifique, mais l’essentiel reste le même ; comprendre le champ de mines créatif dans lequel vous êtes sur le point de vous avancer, et savoir comment y faire face lorsqu’on y est confronté.
Voici quelques-unes des plus populaires:
Méthode de Stanislavski
Konstantin Stanislavski est un nom que vous connaissez sans doute, ou que vous vous attendez à connaître comme le vôtre. Sa technique est, peut-être, la méthode la plus universellement acceptée à laquelle vous pouvez aborder le jeu d’acteur. Elle part du principe qu’un acteur doit ressentir les émotions que ressent son personnage à chaque fois qu’il entre en scène. Selon la méthode de Stanislavski, l’acteur doit penser, agir et se comporter fidèlement comme le ferait le personnage, c’est-à-dire faire corps avec lui. Il faut entrer dans les détails de la façon dont un personnage se comporterait dans certaines situations et rechercher les véritables raisons psychologiques qui expliquent pourquoi le personnage fait ce qu’il fait. Cela pousse l’acteur à incarner la vie sur scène.
Le « si »
Vous êtes en train de vivre une vie et soudain vous êtes propulsé dans la situation (compte tenu des circonstances) qui se passe sur scène. Oubliez le public, c’est le quatrième mur, vous êtes juste en train de vivre votre vie avec ces événements apparemment inoffensifs et puis BAM… Quelque chose d’offensant se produit. Que faites-vous ? Et si cela vous arrivait à vous ? Que penseriez-vous et comment agiriez-vous ? Tout le monde a un désir dans la façon dont il se comporte en ce moment (objets intérieurs), qu’il s’agisse de faire faire quelque chose à quelqu’un ou de faire quelque chose soi-même. La grande question est de savoir ce que seraient les vôtres (ceux du personnage) dans ces moments fictifs et comment vous les réaliseriez ?
Technique de Meisner
« Pour être un acteur intéressant – diable, pour être un être humain intéressant – vous devez être authentique et pour que vous soyez authentique, vous devez embrasser ce que vous êtes vraiment, avec vos défauts. Savez-vous à quel point c’est libérateur de ne pas se soucier de ce que les gens pensent de vous ? Eh bien, c’est ce que nous sommes ici pour faire. » – Sanford Meisner sur le jeu d’acteur
Sanford Meisner a cherché à développer les enseignements de Stanislavski en faisant progresser la façon de penser du personnage. Les pratiques impliquent une structure d’entraînement complexe qui travaille sur vos capacités d’improvisation, la mise en avant de vos réponses émotionnelles, l’interprétation du script et enfin l’addition de tous ces éléments de manière à faire ressortir les traits des personnages et vos propres expériences qui éclatent dans le travail. L’acteur ne devrait pas avoir à réfléchir sur scène, il devrait être dans l’instant et réagir en conséquence. La technique de Meisner se concentre sur l’émotion primordiale du personnage, par opposition aux mots du dramaturge qui courent en parallèle.
Mouvement Laban
Le mouvement fait partie intégrante du jeu d’acteur, croyez-le ou non. Si vous restiez immobile en livrant des répliques ou si vous alliez donner un coup de pied dans un panier à linge de la même manière que vous faites un pas, cela aurait l’air étrange. Laban a cherché à rassembler toutes les façons dont le mouvement humain pouvait être examiné et est allé plus loin que quiconque dans sa quantification. En se concentrant sur quatre catégories principales (le corps, l’effort, la forme et l’espace), la compréhension des relations entre chacune d’entre elles peut aider un interprète à caractériser son rôle sur scène en utilisant les aspects différemment. En tant que tel, le mouvement Laban devrait être au cœur de la formation de tout acteur.
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Corps – Comment le corps fonctionne à un niveau interne. Comment les membres sont connectés/Comment le mouvement est lancé depuis le corps/Qu’est-ce qui influence quoi sur le corps.
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Effort – L’intention avec laquelle le mouvement est délivré. La force/le contrôle/le timing d’un mouvement fait partie intégrante de la compréhension par le public de ce que vous essayez de faire.
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Forme – La façon dont un corps change en raison du mouvement qu’il entreprend lui-même.
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Espace – La façon dont un corps interagit avec son environnement. La façon dont vous marchez/La façon dont vous prenez un seau etc.
La technique de Michael Tchekhov
Michael Tchekhov était le neveu d’Anton Tchekhov et le » plus grand élève » proclamé de Stanislavski. Il connaît une chose ou deux sur le jeu d’acteur et, en utilisant celui de Stanislavski comme base, a créé sa propre bête comme moyen d’approche. La mise en scène qui a suivi s’est appuyée sur l’idée de séparer son être de celui du personnage, de réduire son ego et ses modes de vie à néant pour ne laisser subsister que le personnage que l’on joue. La technique de Tchekhov Il s’agit de tout lâcher lorsque vous entrez dans un espace créatif, de sorte que toutes les peurs et tous les doutes préconçus que vous avez, sont dépassés par le seul état d’esprit du personnage. Pour Tchekhov, les performances inspirantes ne sont pas le fruit d’un coup de poignard dans le noir, mais d’une préparation minutieuse pour entrer dans le bon espace mental. Ainsi, vous pouvez vous fondre dans qui vous voulez, avec audace et de manière unique. Après tout, les acteurs sont censés capturer l’esprit humain d’une manière étonnante et différente – si vous n’êtes pas un caméléon, alors quel genre d’acteur êtes-vous ?