Die Farbfeldmalerei ist verwandt mit der postmalerischen Abstraktion, dem Suprematismus, dem abstrakten Expressionismus, der Hard-Edge-Malerei und der lyrischen Abstraktion. Ursprünglich bezog sich der Begriff auf eine bestimmte Art des abstrakten Expressionismus, insbesondere auf die Werke von Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb und mehrere Gemäldeserien von Joan Miró. Der Kunstkritiker Clement Greenberg betrachtete die Farbfeldmalerei als mit der Aktionsmalerei verwandt, aber von ihr verschieden.
Ein wichtiger Unterschied, der die Farbfeldmalerei von der abstrakten Malerei unterscheidet, ist die Handhabung der Farbe. Die grundlegendste Technik der Malerei ist der Farbauftrag, und die Farbfeldmaler revolutionierten die Art und Weise, wie Farbe effektiv aufgetragen werden konnte.
Die Farbfeldmalerei versuchte, die Kunst von überflüssiger Rhetorik zu befreien. Künstler wie Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas und Frank Stella und andere verwendeten oft stark reduzierte Formate, wobei die Zeichnung im Wesentlichen auf sich wiederholende und geregelte Systeme, grundlegende Bezüge zur Natur und eine stark artikulierte und psychologische Verwendung der Farbe vereinfacht wurde. Im Allgemeinen verzichteten diese Künstler zugunsten der Abstraktion auf offenkundig erkennbare Bilder. Einige Künstler zitierten Bezüge zur vergangenen oder gegenwärtigen Kunst, doch im Allgemeinen stellt die Farbfeldmalerei die Abstraktion als Selbstzweck dar. Indem sie diese Richtung der modernen Kunst verfolgten, wollten diese Künstler jedes Gemälde als ein einheitliches, zusammenhängendes, monolithisches Bild präsentieren, oft innerhalb von Serien verwandter Typen.
Im Unterschied zu der emotionalen Energie und den gestischen Oberflächenzeichen und der Farbbehandlung von abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock und Willem de Kooning erschien die Farbfeldmalerei zunächst kühl und streng. Die Farbfeldmaler lassen das einzelne Zeichen zugunsten großer, flacher, fleckiger und durchtränkter Farbflächen verschwinden, die zusammen mit der eigentlichen Form der Leinwand, die insbesondere Frank Stella auf ungewöhnliche Weise mit Kombinationen aus geschwungenen und geraden Rändern realisierte, als das wesentliche Wesen der visuellen Abstraktion gelten. Die Farbfeldmalerei hat sich jedoch als sinnlich und ausdrucksstark erwiesen, wenn auch auf eine andere Weise als der gestische Abstrakte Expressionismus. Mark Rothko leugnete die Verbindung zum Abstrakten Expressionismus oder zu einer anderen Kunstrichtung und äußerte sich 1956 klar über seine Bilder:
Ich bin kein Abstraktionist … Ich bin nicht an der Beziehung von Farbe oder Form oder irgendetwas anderem interessiert. … Mich interessiert nur der Ausdruck grundlegender menschlicher Emotionen – Tragödie, Ekstase, Untergang und so weiter – und die Tatsache, dass viele Leute zusammenbrechen und weinen, wenn sie mit meinen Bildern konfrontiert werden, zeigt, dass ich diese grundlegenden menschlichen Emotionen übermittle. … Die Menschen, die vor meinen Bildern weinen, machen die gleiche religiöse Erfahrung, die ich hatte, als ich sie malte. Und wenn man, wie Sie sagen, nur von den Farbbeziehungen bewegt wird, dann verfehlt man den Sinn!
BeizenmalereiBearbeiten
Joan Miró war einer der ersten und erfolgreichsten Beizenmaler. Obwohl das Beizen in Öl auf lange Sicht als gefährlich für die Baumwollleinwand galt, war Mirós Beispiel in den 1920er, 1930er und 1940er Jahren eine Inspiration und ein Einfluss auf die jüngere Generation. Einer der Gründe für den Erfolg der Farbfeldbewegung war die Technik des Beizens. Die Künstler mischten und verdünnten ihre Farbe in Eimern oder Kaffeedosen zu einer flüssigen Masse und gossen sie dann auf eine rohe, ungrundierte Leinwand, in der Regel Baumwoll-Ente. Die Farbe konnte auch mit dem Pinsel aufgetragen, gerollt, geworfen, gegossen oder aufgesprüht werden und verbreitete sich im Gewebe der Leinwand. Im Allgemeinen zeichneten die Künstler beim Beizen Formen und Flächen vor. Viele verschiedene Künstler wählten die Beiztechnik als bevorzugte Technik für ihre Gemälde. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins und Dutzende anderer Maler fanden, dass das Gießen und Beizen die Tür zu Innovationen und revolutionären Methoden des Zeichnens und des Ausdrucks von Bedeutung auf neue Weise öffnete. Die Zahl der Künstler, die in den 1960er Jahren mit Malfarben arbeiteten, nahm mit der Verfügbarkeit von Acrylfarbe stark zu. Das Einfärben von Acrylfarbe in das Gewebe von Baumwollleinwand war harmloser und weniger schädlich für das Gewebe der Leinwand als die Verwendung von Ölfarbe. 1970 äußerte sich die Künstlerin Helen Frankenthaler über ihre Verwendung von Beizen:
Als ich anfing, Beizenbilder zu malen, ließ ich, glaube ich, große Bereiche der Leinwand unbemalt, weil die Leinwand selbst so kraftvoll und positiv wirkte wie Farbe oder Linien oder Farbe. Mit anderen Worten, der Grund selbst war Teil des Mediums, so dass ich ihn nicht als Hintergrund, Negativraum oder leeren Fleck betrachtete, sondern als einen Bereich, der keine Farbe brauchte, weil er bereits mit Farbe bedeckt war. Es ging darum, zu entscheiden, wo man ihn belässt und wo man ihn füllt und wo man sagt, dass dies keine weitere Linie oder einen weiteren Eimer Farbe braucht. Es sagt es im Raum.
SprühfarbeBearbeiten
Überraschend wenige Künstler nutzten in den 1960er und 1970er Jahren die Sprühpistolentechnik, um große Flächen und Farbfelder auf ihre Leinwände zu sprühen. Zu den Malern, die die Sprühtechnik wirkungsvoll einsetzten, gehörte Jules Olitski, der mit seiner Sprühtechnik Pionierarbeit leistete. Er überzog seine großformatigen Gemälde Schicht für Schicht mit verschiedenen Farben, wobei er oft Farbton und Wert in subtiler Progression veränderte. Eine weitere wichtige Innovation war Dan Christensens Einsatz einer Sprühtechnik mit großer Wirkung in Form von Schleifen und Bändern aus leuchtenden Farben, die er in klaren, kalligrafischen Zeichen auf seine großformatigen Gemälde sprühte. William Pettet, Richard Saba und Albert Stadler setzten die Technik ein, um großflächige, mehrfarbige Felder zu schaffen, während Kenneth Showell über zerknitterte Leinwände sprühte und so die Illusion eines abstrakten Stilllebens schuf. Die meisten der Sprühmaler waren vor allem in den späten 1960er und 1970er Jahren aktiv.
StreifenBearbeiten
Streifen waren eines der beliebtesten Mittel für Farbe, das von verschiedenen Farbfeldmalern in einer Vielzahl unterschiedlicher Formate verwendet wurde. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland und David Simpson schufen alle wichtige Serien von Streifenbildern. Obwohl er sie nicht Streifen, sondern Reißverschlüsse nannte, waren Barnett Newmans Streifen meist vertikal, von unterschiedlicher Breite und sparsam eingesetzt. Bei Simpson und Noland waren die Streifenbilder meist horizontal, während Gene Davis vertikale Streifenbilder malte und Morris Louis meist vertikale Streifenbilder malte, die manchmal Säulen genannt wurden. Jack Bush neigte dazu, sowohl horizontale und vertikale als auch eckige Streifenbilder zu malen.
Magna paintEdit
Magna, eine spezielle Künstler-Acrylfarbe, wurde 1947 von Leonard Bocour und Sam Golden entwickelt und 1960 neu formuliert, speziell für Morris Louis und andere Fleckenmaler der Farbfeldbewegung. In Magna werden die Pigmente in einem Acrylharz mit Lösungsmitteln auf Alkoholbasis gemahlen. Im Gegensatz zu modernen Acrylfarben auf Wasserbasis ist Magna mit Terpentin oder Spiritus mischbar und trocknet schnell zu einer matten oder glänzenden Oberfläche. Es wurde von Morris Louis und Friedel Dzubas und auch vom Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein ausgiebig verwendet. Die Magna-Farben sind lebendiger und intensiver als normale Acrylfarben auf Wasserbasis. Louis verwendete Magna mit großer Wirkung in seiner Stripe Series, bei der die Farben unverdünnt verwendet und unvermischt direkt aus der Dose gegossen werden.
AcrylfarbeBearbeiten
Der ehemalige Kurator des Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler, sagte 1972:
Das Farbfeld wurde seltsamerweise oder vielleicht auch nicht genau zu dem Zeitpunkt zu einer brauchbaren Malweise, als die Acrylfarbe, die neue Kunststofffarbe, aufkam. Es war, als ob die neue Farbe nach einer neuen Möglichkeit der Malerei verlangte, und die Maler erreichten sie. Ölfarbe, die ein ganz anderes Medium hat, das nicht auf Wasser basiert, hinterlässt immer einen Ölfleck oder eine Ölpfütze am Rand der Farbe. Acrylfarbe hört an ihrem eigenen Rand auf. Die Farbfeldmalerei kam zeitgleich mit der Erfindung dieser neuen Farbe auf.
Acrylfarben wurden erstmals in den 1950er Jahren als Farben auf Mineralölbasis namens Magna von Leonard Bocour kommerziell angeboten. Acrylfarben auf Wasserbasis wurden später als „Latex“-Hausfarben verkauft, obwohl für die Acryldispersion kein aus dem Kautschukbaum gewonnener Latex verwendet wird. Latexfarben für Innenräume sind in der Regel eine Kombination aus Bindemittel (manchmal Acryl, Vinyl, PVA und andere), Füllstoff, Pigment und Wasser. Latexfarben für den Außenbereich können auch eine „Co-Polymer“-Mischung sein, aber die besten Außenfarben auf Wasserbasis bestehen zu 100 % aus Acryl.
Bald nach der Einführung von Acrylbindemitteln auf Wasserbasis als Hausfarben begannen sowohl Künstler – die ersten waren mexikanische Wandmaler – als auch Unternehmen, das Potenzial der neuen Bindemittel zu erkunden. Acryl-Künstlerfarben können mit Wasser verdünnt und wie Aquarellfarben zum Lavieren verwendet werden, wobei die Lavierungen nach dem Trocknen schnell und dauerhaft sind. Wasserlösliche Acrylfarben in Künstlerqualität wurden Anfang der 1960er Jahre von Liquitex und Bocour unter dem Markennamen Aquatec auf den Markt gebracht. Die wasserlöslichen Liquitex- und Aquatec-Farben erwiesen sich als ideal für die Beizenmalerei geeignet. Durch die Beiztechnik mit wasserlöslichen Acrylfarben sanken die verdünnten Farben in die rohe Leinwand ein und hielten dort fest. Maler wie Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam und andere verwendeten erfolgreich Acrylfarben auf Wasserbasis für ihre neuen Flecken- und Farbfeldgemälde.
Vermächtnis: Einflüsse und BeeinflussteBearbeiten
Das malerische Erbe der Malerei des 20. Jahrhunderts ist ein langer und verschlungener Hauptstrom von Einflüssen und komplexen Zusammenhängen. Die Verwendung großer offener, expressiver Farbflächen, die in großzügigen malerischen Portionen aufgetragen werden, begleitet von einer lockeren Zeichnung (vage lineare Flecken und/oder figurative Umrisse) ist erstmals in den Werken von Henri Matisse und Joan Miró zu Beginn des 20. Matisse und Miró sowie Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky und Piet Mondrian beeinflussten direkt die Abstrakten Expressionisten, die Farbfeldmaler der Post-Painterly Abstraction und die Lyrischen Abstraktionisten. Amerikaner des späten 19. Jahrhunderts wie Augustus Vincent Tack und Albert Pinkham Ryder sowie frühe amerikanische Modernisten wie Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove und Milton Averys Landschaften lieferten ebenfalls wichtige Vorbilder und beeinflussten die Abstrakten Expressionisten, die Farbfeldmaler und die Lyrischen Abstraktionisten. Die Matisse-Gemälde French Window at Collioure und View of Notre-Dame, beide von 1914, übten einen enormen Einfluss auf die amerikanischen Farbfeldmaler im Allgemeinen (einschließlich Robert Motherwells Open Series) und auf Richard Diebenkorns Ocean Park-Gemälde im Besonderen aus. Laut der Kunsthistorikerin Jane Livingston sah Diebenkorn beide Matisse-Gemälde 1966 in einer Ausstellung in Los Angeles, und sie hatten einen enormen Einfluss auf ihn und sein Werk. Jane Livingston sagt über die Matisse-Ausstellung, die Diebenkorn im Januar 1966 in Los Angeles sah:
Es ist schwierig, dieser Erfahrung nicht eine enorme Bedeutung für die Richtung zuzuschreiben, die sein Werk von da an nahm. Zwei Bilder, die er dort sah, klingen in fast jeder Ocean Park-Leinwand nach. View of Notre Dame und French Window at Collioure, beide 1914 gemalt, waren zum ersten Mal in den USA zu sehen.
Livingston fährt fort, dass Diebenkorn French Window at Collioure wie eine Epiphanie erlebt haben muss.
Miró war einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war ein Pionier der Maltechnik und schuf in den 1920er und 1930er Jahren mit verdünnter Ölfarbe verschwommene, mehrfarbige, wolkige Hintergründe, die er mit seiner Kalligrafie, seinen Schriftzeichen und seinem reichhaltigen Wort- und Bilderlexikon ergänzte. Arshile Gorki bewunderte Mirós Werk und malte Gemälde, die Miró ähnelten, bevor er in den frühen 1940er Jahren seine eigene Originalität entdeckte. In den 1960er Jahren malte Miró große (abstrakt-expressionistische) leuchtende Felder aus kräftig gebürsteter Farbe in Blau, Weiß und anderen monochromen Farbfeldern; mit verschwommenen schwarzen Kugeln und kalligrafischen, steinähnlichen Formen, die wahllos umherschweben. Diese Werke ähnelten den Farbfeldmalereien der jüngeren Generation. Der Biograf Jacques Dupin sagte über Mirós Arbeiten der frühen 1960er Jahre:
Diese Leinwände offenbaren Affinitäten – Miró versucht nicht im Geringsten, dies zu leugnen – zu den Forschungen einer neuen Generation von Malern. Viele von ihnen, wie zum Beispiel Jackson Pollock, haben sich zu ihrer Schuld gegenüber Miró bekannt. Miró seinerseits zeigt lebhaftes Interesse an ihren Arbeiten und lässt keine Gelegenheit aus, sie zu ermutigen und zu unterstützen. Er hält es auch nicht für unter seiner Würde, bei manchen Gelegenheiten ihre Entdeckungen zu verwenden.
Nach dem Vorbild anderer europäischer Modernisten wie Miró erstreckt sich die Farbfeld-Bewegung über mehrere Jahrzehnte von der Mitte des 20. bis zum Beginn des 21. Jahrhunderts. Die Farbfeldmalerei umfasst eigentlich drei verschiedene, aber miteinander verbundene Generationen von Malern. Die drei unterschiedlichen, aber verwandten Gruppen werden gemeinhin mit den Begriffen Abstrakter Expressionismus, Post-Painterly Abstraction und Lyrical Abstraction bezeichnet. Einige der Künstler haben in allen drei Epochen Werke geschaffen, die sich auf alle drei Stile beziehen. Farbfeldpioniere wie Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb und Robert Motherwell werden in erster Linie als abstrakte Expressionisten angesehen. Künstler wie Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski und Kenneth Noland gehörten einer etwas jüngeren Generation an oder waren im Fall von Morris Louis ästhetisch mit dem Standpunkt dieser Generation verbunden, die als Abstrakte Expressionisten begannen, aber schnell zur Post-Painterly Abstraction übergingen. Jüngere Künstler wie Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield und Dan Christensen begannen mit der Post-Painterly Abstraction und bewegten sich schließlich zu einer neuen Art von Expressionismus, der so genannten Lyrical Abstraction. Viele der genannten Künstler und auch viele andere haben in der einen oder anderen Phase ihrer Karriere alle drei Formen praktiziert. In den späteren Phasen der Farbfeldmalerei, als Reflexion des Zeitgeistes der späten 1960er Jahre (in denen alles locker zu werden begann) und der Angst der Zeit (mit all den Unsicherheiten der Zeit) verschmolzen mit der Gestalt der Post-Painterly Abstraction, wodurch die Lyrische Abstraktion entstand, die die Präzision des Farbfeldidioms mit der Malerei der Abstrakten Expressionisten verband. Zur gleichen Zeit, Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre, begannen in Europa auch Gerhard Richter, Anselm Kiefer und einige andere Maler, Werke von intensivem Ausdruck zu schaffen, in denen Abstraktion mit Bildern, Landschaftsbildern und Figuration verschmolzen, was in den späten 1970er Jahren als Neo-Expressionismus bezeichnet wurde.