Die Top 50 Alben des Jahres 2012

Wir präsentieren euch die Pitchfork’s Top 50 Alben des Jahres 2012. Wie immer sind sowohl LPs als auch EPs teilnahmeberechtigt.

Lambchop
Mr. M

Lambchops zwei Jahrzehnte anmutiges countrypolitisches Knarzen sind geprägt vom bedächtigen Tempo der Musik des kleinen Orchesters – den langsamen Streichern und trällernden Gitarren, den unaufgeregten Rhythmen und der gleichmäßigen Stimme von Frontmann Kurt Wagner. Lambchops träger Südstaaten-Schritt scheint im digitalen Zeitalter besonders anachronistisch zu sein, da die meisten Songs auf dem kunstvollen und berührenden Mr. M mindestens fünf Minuten brauchen, um ihr elliptisches Ende zu erreichen. Das mühsame Werk dieser Band belohnt Beharrlichkeit.

Auf Mr. M führt Wagner Lambchop nicht nur mit einigen seiner bisher prächtigsten Gesänge an, sondern auch mit einigen seiner lebendigsten Zeilen. Er liefert ein Panorama der Welt, wie sie tatsächlich sein könnte – anfällig für Zorn, aber auch einladend für Wärme, mit Flüssen, die von jeder Art von Tränen gebildet werden. Er bewegt sich vom sentimentalen Wunder von „Never My Love“ zur Shit-Talk-Schiedsgerichtsbarkeit von „Buttons“, von der kindlichen Neugierde von „Gone Tomorrow“ zum elliptisch verheerenden „Nice Without Mercy“. Bleiben Sie sitzen und denken Sie eine Weile nach, bittet der Gentleman aus Nashville; der Sound ist wirklich schön. –Grayson Currin

Lambchop: If Not I’ll Just Die

Crystal Castles
(III)

Alice Glass und Ethan Kaths lärmiger Goth-Pop/Electro-Punk-Sound ist so spezifisch, dass es sich anfühlen kann, als seien ihre drei unbetitelten Alben Teil einer einzigen, sich langsam vertiefenden Serie. In Artikeln zu (III), ihrem klanglich konsistentesten und unerbittlich düsteren Album, sprach Glass mehr als sonst über ihre Texte. Da ihr Gesang so sehr im Lärm vergraben ist, denkt man beim Hören von Crystal Castles nicht oft an bestimmte Worte, daher war es interessant, unter der eisigen Verzerrung zu wühlen. Hier spielten die Worte eine Rolle: (III) ist voll von Meditationen über die Ausbeutung von Frauen und Kindern und religiöse Unterdrückung, die zu den erstickten Vocals passen. „Ich bin einen Schritt davon entfernt, Selbstjustiz zu üben, um Menschen zu beschützen und den Menschen, die ich liebe, Gerechtigkeit widerfahren zu lassen“, sagte Glass in einem Interview. Wo Crystal Castles einst wie substanzlose Stilisten wirkten, haben sie mit (III) ein Album mit gequälter Protestmusik geschaffen. –Brandon Stosuy

Crystal Castles: „Wrath of God“ (via SoundCloud)

Crystal Castles: „Affection“ (via SoundCloud)

Peaking Lights
Lucifer

Peaking Lights‘ Vorliebe für neongefärbte Psych-Dub-Loops setzt sich auf Lucifer unvermindert fort, und auch wenn es auf dieser Platte weniger Fuzz gibt, gibt es immer noch Schichten von seligen Wiederholungen, in denen man sich verlieren kann. Lucifer ist wie ein Tag strukturiert, der mit „Moonrise“ beginnt und mit „Morning Star“ endet. Auf dem Weg dorthin bewegt man sich von der wachen Helligkeit von „Beautiful Son“ zum dunklen Echo von „Lo Hi“ und wieder zurück in die strahlende Morgendämmerung von „Dreambeat“. Diese einfache Entwicklung spiegelt die kindliche Ernsthaftigkeit der Lieder wider, die selbst das verzweifeltste Baby beruhigen könnten (ich kenne mindestens ein Neugeborenes, das das bezeugen kann). Aber die musikalische Unschuld von Peaking Lights ist sowohl echt als auch irreführend. Es gibt dunkles Grollen und tiefe Unterströmungen auf Lucifer, die den titelgebenden Charakter des Albums widerspiegeln, dessen Name ein Synonym sowohl für Venus, die Trägerin des Lebens, als auch für den Teufel ist. Und genau in dieser Auflösung der Widersprüche liegt die wahre Kraft dieses Albums. –Marc Masters

Peaking Lights: „Beautiful Son“ (via SoundCloud)

Peaking Lights: „Lo Hi“ (via SoundCloud)

Pallbearer
Sorrow and Extinction

Hype ist eine verdammt gute Droge. In bestimmten Kreisen schien dieses Album schon für Großes bestimmt zu sein, bevor es überhaupt auf Wachs gepresst wurde, und es hat das Versprechen des 2009er Demos der Band aus Arkansas mehr als erfüllt. Sorrow and Extinction ist bewegend, anmutig und verheerend. Aber was Pallbearer von den anderthalb Millionen anderen Doom-Bands unterscheidet, ist die Seele. Die Musik von Pallbearer ist geradlinig und gut ausgeführt, aber die Atmosphäre – das Gefühl, Mann -, das sie mit der klassischen Doom-Metal-Vorlage und den Südstaaten-Gothic-Untertönen vermitteln können, ist magisch. Brett Campbells Stimme ist kraftvoll und fehlerhaft, das perfekte Medium, um die Tiefen von Elend und Erlösung auszuloten, die Doom Doom ausmachen. Pallbearer wissen, wie es ist, zu leiden, einsam, richtungslos und erdrückt zu sein, und sie lindern ihr Leiden auf die einzige Art, die sie kennen: indem sie die Geister von Saint Vitus, Candlemass und billigem Kentucky Bourbon beschwören, die Finger kreuzen und tief stimmen. –Kim Kelly

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Rustie
Essential Mix

Als Russell Whyte sich in der Nacht vor der Ausstrahlung im April hinsetzte, um seine zweistündige Folge der BBC-Reihe „Essential Mix“ aufzunehmen, hatte er keinen großen Plan im Kopf. Er hatte nicht vor, die Punkte zwischen seinen eigenen ekstatischen Klängen – von denen viele die Star-Power-Musik von Mario Kart als leitenden Einfluss anzuführen scheinen – und denen von Over- und Underground-Hip-Hop-, Dance- und R&B-Künstlern zu verbinden. Aber ein Mix wie dieser ist ein ideales Ventil, um vermeintliche musikalische Mauern niederzureißen; hier kann TNGHTs unaufhaltsames „Goooo“ den roten Teppich für Rick Ross auslegen, oder Clams Casino kann Juicy Js „Geeked Up Off Them Bars“ noch geekiger machen, oder Nicki Minaj kann ein paar Minuten knallharten Minimalismus mit der aufstrebenden Brooklyn-Banger-Fabrik Baauer teilen. Rustie hat nicht versucht, die Zukunft zu definieren, und das ist wahrscheinlich der Grund, warum er es mit solcher Leichtigkeit geschafft hat.

Aber das Denken in die Zukunft kann im Jetzt zu einiger Verwirrung führen. Als ich den 29-jährigen Glasgower im September in der Webster Hall in Manhattan traf, war der Ort mit einer einzigartigen Mischung aus hemdsärmeligen Club-Bro’s, abgehalfterten Rap-Kids und einigen Nerds gefüllt. Als ein betrunkener Freund einen nickenden Hip-Hop-Typen anrempelte, wurde die Stimmung etwas angespannt. „Wenn du mich noch einmal anfasst, bringe ich dich um“, sagte der Kerl. „Das glaube ich dir nicht“, antwortete der betrunkene Freund. Sie trennten sich. Aber dann, irgendwo zwischen Kanyes „Mercy“ und Rusties eigenem „Ultra Thizz“, entschuldigten sich die beiden herzlich und bierselig. Die große Rustie-Entspannung von 2012 war gesichert. –Ryan Dombal

Rustie: BBC Essential Mix (via SoundCloud)

El-P
Cancer for Cure

El-P’s 2012 Zusammenarbeit mit Killer Mike, R.A.P. Music, war ein harter linker Kinnhaken, aber seine Soloplatte Cancer for Cure war der Körpertreffer – derjenige, der dir in den Eingeweiden rumort, dich krank und verwirrt zurücklässt. Die Einsamkeit hat El-P schon immer gut getan, und auf dieser Platte ist er mit einer Platte herausgekommen, die so dicht und innerlich ist, dass es unmöglich ist, das Brummen der Maschinen vom Brummen seines Geistes zu unterscheiden. El-P ließ seine stotternden Nerven in jede Ecke seines minutiös überarbeiteten Mixes bluten, murmelte, schrie und flehte mit der gleichen zwingenden Kombination aus Bekenntnis und Obskurität, die seine Musik schon immer auszeichnete. In „For My Upstairs Neighbor“ stoppt er eine misshandelte Frau mit einer Berührung des Arms und sagt ihr: „Es muss dich jeden Muskel deines Körpers gekostet haben, dieses kleine Zucken zu erzeugen, von dem du wahrscheinlich dachtest, es sei ein Lächeln… Aber ich habe die Tells gelesen, ich kenne die heilige Kunst des Bluffens.“ Die Verbindung ist so lebendig, weil El das Album und seine Karriere damit verbracht hat, sich selbst als einen verwandten Geist darzustellen: Cancer for Cure ist, wie sich ein Schrei anfühlt, wenn er dein Gehirn nie verlässt. –Jayson Greene

El-P: „The Full Retard“

METZ
METZ

Die Technologie, um deine Gitarre auf enorme, ohrenbetäubende Pegel aufzudrehen, kann über den Ladentisch gekauft werden, aber Bands, die es schaffen, Lautstärke zu erzeugen und gleichzeitig Klaustrophobie auszulösen, sind etwas Besonderes. Metz sind eine solche Band. Das Sub Pop-Debüt des Trios aus Toronto ist purer Wumms und Hässlichkeit im besten Sinne. Das Schlagzeug donnert los, als würde es am Boden eines Fahrstuhlschachtes niedergeknüppelt werden. Bass und Gitarre hämmern minimalistische Muster durch einen Vorhang aus Fuzz und Schotter. Die Songs klingen live – nicht in dem Sinne, dass sie so aufgenommen wurden, wie sie gespielt wurden, sondern so, wie sich laute Bands tatsächlich anhören, wenn sie in einem schmutzigen Club mit Betonwänden auftauchen. Hohe Frequenzen hüpfen durch das Stereofeld. Die Vocals wirken rückkopplungsbehaftet und halb verwürgt. Es gibt Momente, in denen Metz eine kleine Schuld an Grunge verraten, aber die meiste Zeit sind sie auf ihrer eigenen Bizzaro-Wellenlänge unterwegs und singen über Ratten, mentale Instabilität oder was auch immer sonst noch ein angemessenes Maß an Angst hervorruft. –Aaron Leitko

Metz: „Wet Blanket“

Metz: „Headache“

Mac DeMarco
2

Mac DeMarcos Persönlichkeit ist so vorsätzlich schleimig (in Interviews, in Interviews hat er erzählt, dass er sich bei einem Auftritt einmal den Daumen in den Hintern gesteckt und ihn dann in den Mund gesteckt hat und dass er einmal einen Job hatte, bei dem er tote Haustiere in Leichensäcke verpackte), dass man erwarten könnte, dass seine Musik genauso ausgelutscht und kindisch ist. Aber sein Talent ist echt. DeMarcos zweite Platte des Jahres, 2, ist geradezu schmierig; seine unvorhersehbaren, schrägen Gitarrenmelodien erheben sich über die verzerrte Produktion und prahlen mit einer entspannten, geschmierten Klarheit, die eher an „Sultans of Swing“ als an schlampige Slacker erinnert. Die Tatsache, dass die Leadsingle „My Kind of Woman“ Vergleiche mit Cass McCombs aufkommen ließ, hat die Frage nach der Authentizität aufgeworfen; hier spielt ein Junge, der früher als Makeout Videotape bekannt war und dessen letzte Platte sich mit ausschweifendem Glamour beschäftigte, nun den sensiblen Troubadour. Aber jeder leidet an Herzschmerz, und 2 warf müde akzeptierende Blicke auf eine scheinbar hoffnungslose Familiensituation: ein anhänglicher Vater mit einem Meth-Problem. Was auch immer die buchstäbliche Wahrheit von DeMarcos Persona auf 2 sein mag, zumindest gibt sich jemand Mühe, den Provokateur zu spielen – und das, ohne seine Musik als Teil der Handlung zu verdummen. –Laura Snapes

Mac DeMarco: „Ode to Viceroy“ (via SoundCloud)

Mac DeMarco: „My Kind of Woman“ (via SoundCloud)

Rick Ross
Rich Forever

Wir alle kennen inzwischen Rick Ross‘ Wunschvorstellungen: Big Meech, Larry Hoover, John Lennon, Wingstop-Unternehmer. Aber der beste lebende Rapper? Dies ist kein Mixtape, das es auf den Punkt bringt wie Waynes Dedication 2 oder Clipse’s We Got It 4 Cheap, Vol. 2, aber es war sofort etwas anders an den Zielen von Rich Forever – und das liegt nicht nur daran, dass einer der stolzesten Kapitalisten Amerikas 79 Minuten lächerlich teuer klingende Musik umsonst herausbrachte. Als es am 6. Januar erschien, machte Rozay den Hip-Hop darauf aufmerksam, dass der Rest des Jahres 2012 unter seinem Kriegsrecht stehen würde; der wohlwollende, karikierte Oberherr von Teflon Don wird auf Rich Forever zu einem fast furchterregend realen Tyrannen, und jeder Anflug von Pop-Zugeständnis wird durch herrschsüchtige Beats im Lex Luger-Stil und sofort zitierbare, unbedingte Verse, die als Bedrohung für jeden verstanden werden können, der nicht auf dem Tape auftaucht, niedergewalzt. Diejenigen, die es taten – 2 Chainz, French Montana, Meek Mill, Drake, Wale, Future, um nur einige zu nennen – würden in diesem Jahr die Charts teilen und erobern, nachdem sie sich auf Tracks wie „Stay Schemin'“, „Fuck ‚Em“ und „MMG The World Is Ours“ versammelt hatten, Straßensingles, die es dennoch schafften, den Mainstream zu infiltrieren und Ross‘ kommerzielle Veröffentlichung God Forgives, I Don’t vergleichsweise sicher und vergessbar genug zu machen, um eine Grammy-Nominierung zu verdienen. –Ian Cohen

Rick Ross: Keys to the Crib

Dum Dum Girls
End of Daze EP

End of Daze verdankte einen Teil seines Erfolges dem bloßen Klang von Dee Dees Stimme, die plötzlich so voller Samt und unergründlichem Bedauern war. Aber es lag auch an der schwarz verhüllten, dramatischen Art, wie sie sie einsetzte, als sie bei „Lord Knows“ „I want to live a pure life“ intonierte, wie eine Frau, die sich tapfer einem Erschießungskommando für ungenannte Sünden stellt. Jede Geste auf End of Daze strahlte dieses verrückte, übernatürliche Charisma aus, die Art von ungerecht verteilter Anziehungskraft, die nach einem angehenden Rockstar schreit, ob es nun die „Crimson and Clover“-Akkordfolge von „Lord Knows“ war oder das atemberaubende Cover von Strawberry Switchblades „Trees and Flowers“. Ihre Version bestand nur aus einer schimmernden einzelnen Gitarre und einem Seufzer, aber sie erzeugte ein warmes Gefühl von Isolation und Einsamkeit, das tief genug war, um darin zu leben. –Jayson Greene