Die Musikindustrie kämpft um ihre analoge Seele

Die Energie, die Frisuren und der Lärm der Messe der National Association of Music Merchants, NAMM, sind anders als alles, was ich in einem Jahrzehnt auf Messen in der ganzen Welt erlebt habe. Auf der NAMM treffen sich die Leute, die dafür kämpfen, dass die analoge Seele der Musik lebendig bleibt. Man könnte meinen, dass die Zukunft des Musikmachens – und sogar die Gegenwart, wenn man sich die Charts ansieht – auf eine Box reduziert wird, wie die meisten digitalen Dinge, aber die Teilnehmer der NAMM zeigen, wie die Musikindustrie weiterhin ihre analogen Wurzeln umarmt.

Im Laufe der vergangenen Woche war das Anaheim Convention Center mit einer lauten Kakophonie von Gitarren, Ukulelen, Banjos, Schlagzeugen, Becken, Mundharmonikas, Flöten, Saxophonen, Trompeten, Tuben, Posaunen, Klavieren und einigen seltsamen Hybrid-Kreationen dazwischen gefüllt. Sogar die Synthesizerhersteller warben mit ihrer Fähigkeit, echte Instrumente nachzubilden, wobei Blechbläser die neueste Innovation waren. DJ-Decks und Produktionskonsolen mit vielen Knöpfen und Reglern, Nebelmaschinen, Scheinwerfer, Arena-Lautsprecher und niedliches Zubehör wie verzierte Gitarrengurte und perforierte Plektren füllten den Stapel analoger Köstlichkeiten, die auf der Messe angefasst, gespielt und erlebt werden konnten. In einer der Sitzungen, in denen erörtert wurde, wie künftige Sensortechnologien eingesetzt werden könnten, um jede Oberfläche in ein Instrument zu verwandeln, brachte es Shaun Detmer, Marketingchef des sehr technisch orientierten und überhaupt nicht musikalisch veranlagten Unternehmens Touch International, auf den Punkt: „Die NAMM ist der letzte Außenposten der analogen Welt.“

Der Fortschritt der Technik im Laufe meines Lebens geht in Richtung Digitalisierung von allem. Die meisten Icons auf dem Startbildschirm Ihres Smartphones waren einst physische Geräte in der realen Welt. Vieles davon passiert auch in der Musik, obwohl das Publikum auf der NAMM-Show mehr daran interessiert war, Live-Auftritte zu hören und Instrumente auszuprobieren, und viele der führenden Köpfe der Musikindustrie warnten Musikneulinge davor, alles auf eine Softwareoberfläche auf dem Bildschirm zu reduzieren.

Der legendäre Tontechniker und Produzent Alan Parsons repräsentiert diese Dichotomie gut. Er war anwesend, um über das Potenzial der Ambeo-Mikrofone von Sennheiser zu sprechen, die eine ganz neue Klasse von binauralen Aufnahmen ermöglichen. Und er lobte die Demokratisierung des Musikmachens, die in den letzten Jahren mit Hilfe der Technologie stattgefunden hat. Er ist also kein musikalischer Luddit. Dennoch gab er seinem Publikum einen Hinweis zur Vorsicht: „Jede Woche kommen ein Dutzend Mikrofone und tausend Plug-ins auf den Markt … aber ich glaube nicht, dass Plug-ins unbedingt Grammys gewinnen. Lassen Sie nicht zu, dass die Technologie Ihren Werten der alten Schule in die Quere kommt.“

Die instinktive Anziehungskraft, das Organische, das Zufällige und das unvollkommen Schöne zu bewahren, scheint die Wurzel der dauerhaften Beziehung der Musik zu analogen Werkzeugen und Instrumenten zu sein. Als ich an einer Mix with the Masters-Session vorbeiging, ertappte ich einen altgedienten Tontechniker dabei, wie er sagte: „So habe ich es bekommen, und ich hätte es auch reparieren können, aber ich mochte es, also habe ich es drin gelassen.“ Vance Powell, ein mit sechs Grammys ausgezeichneter Produzent, der sagt, dass er es mag, wenn die gesamte Band gleichzeitig im Studio spielt, sagte in einer anderen Session, dass es ihm nichts ausmacht, wenn die Aufnahmen einzelner Instrumente ineinander übergehen, und er hat eine coole YouTube-Erklärung veröffentlicht, wie man ein Studio mikrofoniert, um einen natürlichen Klang zu erzeugen.

Die entscheidende Eigenschaft digitaler Dinge ist ihre unbestechliche und unermüdliche Präzision. Es gibt keine menschliche Fehlbarkeit. Alles läuft automatisch ab, was dem Musiker auch wenig Spielraum lässt, sich mit seiner Leistung zu profilieren. Akustische Instrumente hingegen haben ihren eigenen Charakter. Ein und dieselbe Note klingt anders, wenn sie auf einer Gitarre oder einem Klavier gespielt wird. Und ein und dasselbe Gitarrendesign klingt je nach dem Holz, aus dem es gefertigt wurde, anders. Sogar Mikrofone und Kopfhörer, deren eigentlicher Zweck es ist, die Musik nicht zu verfälschen, fügen dem Ton, den sie aufnehmen und produzieren, eine besondere Note hinzu.

Einer meiner Lieblingsmomente auf der NAMM-Show war, als ich über einen Herrn stolperte, der bereits schweißgebadet war, weil er schon eine Weile aufgetreten war, und ein Schlagzeug mit Besen spielte. Er gestikulierte, schnitt Grimassen und lehnte sich hin und her – und all das trug dazu bei, dass es Spaß machte, ihm beim Spielen zuzusehen und zuzuhören. Ich war beeindruckt von dem hohen Tempo und der Präzision, die er aufrechterhielt, obwohl ihm sein ganzer Körper sagte, er solle langsamer spielen und einen Schluck Wasser trinken. Die Selbstdisziplin, die erforderlich ist, um auf Kommando schöne Musik zu machen, ist einer der Gründe, warum wir Live-Musik höher schätzen als eine aufgezeichnete Version, auch wenn letztere perfekter ist.

Pro-DJs kennen die Leistungsdefizite digitaler Musik, weshalb sie ihren Auftritten immer mehr performative Elemente hinzufügen. Mehr Stroboskoplicht, Nebelmaschinen, Haarfärbemittel, extrovertierte Kostüme, etc. Deshalb trägt Deadmau5 eine riesige Mausmaske und Bear Grillz eine Bärenmaske mit leuchtenden Augen. In dem, was sie tun, steckt sicherlich Können und Kunst, aber es ist nicht wirklich physisch. Das ist sehr ähnlich wie der Kampf um Respekt, den man im Gaming-Wettbewerb führt, ähnlich wie im Sport. Wir sehen gerne, wie Menschen menschliche Grenzen überwinden, aber wenn sie dies mit digitalen Mitteln tun, fühlt es sich wie Betrug an. Auf jeden Fall wird die Leistung weniger offensichtlich, als wenn sie durch körperliche Anstrengung erreicht wird.

Die Frage, wie man Technologie und Musik am besten miteinander verbindet, ist weder neu noch wird sie in absehbarer Zeit eine klare Lösung finden. Aber sie ist zutiefst faszinierend und oft polarisierend. Es gibt diejenigen, die glauben, dass Auto-Tune das Werk eines verderblichen Dämons ist (viele von ihnen sind Kommentatoren bei Verge, wie sich herausstellt), und dann gibt es andere, die es als nützliches kreatives Werkzeug sehen, das das ergänzt, was wir bereits haben. Auf der NAMM-Show hörte ich vor allem von Leuten, die der Meinung sind, dass Musik, wie Erykah Badu sang, ein „analoges Mädchen in einer digitalen Welt“ ist. Stalwarts der Musikindustrie wie Parsons sind den Vorteilen der digitalen Technologie nicht abgeneigt, aber sie setzen sie selektiv ein und nutzen sie, um ihre Arbeit zu ergänzen, anstatt sie komplett zu verändern. Und so sollte es auch sein.

Fotografie von Vlad Savov / The Verge