Die 20 besten Filme des Jahres 2016

Wenn die Leute davon sprechen, was für ein schreckliches Jahr 2016 gewesen ist, können sie sich auf alles Mögliche beziehen, von Virenangriffen über den Tod geliebter Prominenter bis hin zu dem, was am 8. November passiert ist. Was sie allerdings nicht meinen können, sind die Filme. Nur diejenigen, die ihr ganzes Geld für das größte Hollywood-Produkt ausgegeben haben, könnten sich wirklich über das Kinojahr 2016 beschweren (und selbst dann hätten sie einige ziemlich gute Marvel-Filme und einen soliden Star Wars-Ableger, auf den sie zurückgreifen könnten). Wie üblich gab es kein großes verbindendes Element zwischen den besten Filmen des Jahres, aber es gab einige gemeinsame Themen und Motive: Trauer und deren Bewältigung, angespannte Familienbande, die Verantwortung (und Last) des religiösen Glaubens und natürlich Autos. Nicht wenige der besten Filme des Jahres nahmen sich auch die Zeit, die Details des normalen Lebens zu beleuchten und ihr Drama, ihre Komödie oder ihre wahnwitzige Fantasie an etwas ganz Alltägliches zu binden. Die folgenden 20 Filme, die von unseren sechs regelmäßigen Rezensenten, die jeweils einen kommentierten Stimmzettel eingereicht haben, mathematisch eingestuft wurden, haben alle mindestens eines gemeinsam: Sie haben das Jahr 2016 ein wenig erträglicher gemacht, indem sie entweder eine Flucht aus den Albträumen des Jahres boten oder halfen, sie zu verstehen.

20. Louder Than Bombs

Norwegens Joachim Trier (Oslo, 31. August) ist ein großer Filmemacher, der oft fälschlicherweise für einen guten gehalten wird, was mit ein Grund dafür ist, dass sein englischsprachiges Debüt im Frühjahr von der Kritik höflich aufgenommen wurde, bevor es still und leise aus dem Blickfeld, aus dem Kopf und von den Bildschirmen verschwand. Doch Louder Than Bombs ist auf seine unauffällige Art und Weise eine große Leistung: ein intimes Familiendrama, das den privaten Prozess der Trauerbewältigung in ein berauschendes audiovisuelles Erlebnis verwandelt. Im Mittelpunkt steht eine Familie, die sich mit dem Tod ihrer berühmten Fotografen-Mutter (Isabelle Huppert, die ein verdammt gutes Jahr hat) auseinandersetzt. Der Film verwendet eine Collage vertrauter stilistischer/erzählerischer Tricks – Rückblenden, Traumsequenzen, mehrere Erzähler, elliptische Montage -, um den Zuschauer direkt in den emotionalen Zustand seiner Figuren zu versetzen, eines Vaters (Gabriel Byrne) und seiner beiden trauernden Söhne (Devin Druid und Jesse Eisenberg, letzterer hat auch ein ziemlich gutes Jahr). Der Film verdient zumindest einen Teil des Beifalls, der den Kritikerlieblingen des Jahres 2016 zuteilwurde, darunter auch seinem nächsten geistigen Verwandten, der anderen Studie über verschlossene Männer in Trauer, die ganz oben auf dieser Liste steht.

19. Jackie

Dieses impressionistische Werk über die ehemalige First Lady von Regisseur Pablo Larrain, Drehbuchautor Noah Oppenheim und Hauptdarstellerin Natalie Portman ist kein reines Jacqueline-Kennedy-Onassis-Biopic, sondern zeigt vor allem, wie Jackie mit den unmittelbaren Folgen der Ermordung von Präsident John F. Kennedy umging. Ein paar Rückblenden erinnern daran, wie die patrizische Mrs. Kennedy das skeptische Amerika für sich gewann und zur Stilikone wurde. Aber der Großteil des Films handelt davon, wie sie ihre Rechte als Witwe durchsetzte, um sicherzustellen, dass ihr Mann gebührend geehrt wurde, zu einer Zeit, als das ganze Land in Aufruhr war. Portmans eisernes Auftreten bekräftigt die Würde einer Institution, die oft als archaisch und frivol angesehen wird. Die heimatfilmähnlichen visuellen Strukturen von Kameramann Stéphane Fontaine und die mitreißende, raue Musik von Mica Levi verstärken die eindringlichen Qualitäten eines Films, der für den Wert von Ritualen, Symbolen und Traditionen plädiert, selbst inmitten einer unvorstellbaren Tragödie.

18. Midnight Special

Ein Verfolgungsjagd-Thriller, eine übernatürliche Parabel, ein Experiment in minimalistischer Erzählung und anhaltendem Mysterium – Jeff Nichols‘ großartiger Streifzug durch Genre-Material ist so untrennbar mit der alltäglichen amerikanischen Realität verwurzelt, dass man leicht übersehen kann, wie seltsam und ungewöhnlich er als Film ist. Die Motels, Tankstellen und Straßenränder, an denen ein Großteil des Films spielt, kommen einem bekannt vor, und die Geschichte fühlt sich an, als sei sie schon einmal erzählt worden: ein Kind mit außergewöhnlichen Kräften, das von Regierungsagenten und Weltuntergangskultisten verfolgt wird. Doch Nichols, der ein Auge für suggestive leere Räume und Landschaften hat, erschafft etwas Zweideutiges, Ergreifendes und letztlich Transzendentes, indem er viel mit den Darstellern, unausgesprochenen inneren Konflikten und einem Ende riskiert, das zu viel zu verraten scheint, aber nicht wirklich. Angeführt von Michael Shannon, der in allen Filmen von Nichols mitgewirkt hat, ist die große Besetzung fantastisch; obwohl Joel Edgerton für seine Rolle in Nichols‘ Loving (ebenfalls in diesem Jahr erschienen) Beifall erhalten hat, ist seine lakonische Nebenrolle hier wohl seine beste Arbeit.

17. Right Now, Wrong Then

Der bedeutende koreanische Filmemacher Hong Sang-soo hat in den USA nie auch nur den mäßigen Erfolg seiner Landsleute Bong Joon-ho (Snowpiercer) und Park Chan-wook (siehe #6), vor allem, weil er winzige, geschwätzige, weitgehend handlungslose Filme über schwachsinnige, betrunkene Männer dreht (fast alle von ihnen sind Filmregisseure und/oder Drehbuchautoren – keiner ist der Maxime „schreibe, was du weißt“ mehr verpflichtet). Right Now, Wrong Then weicht nicht weit von dieser Schablone ab, aber es ist vielleicht der unterhaltsamste Film, den Hong bisher gedreht hat. In der entspannten, sanft tastenden ersten Hälfte trifft sich der gefeierte Kunstfilmregisseur (Jeong Jae-yeong) mit einer aufstrebenden Künstlerin (Kim Min-hee, siehe Nr. 6; sie spielt auch in diesem Film mit) und scheitert völlig daran, sie zu verführen, was zum Teil daran liegt, dass er sich so verdammt viel Mühe gibt. Die zweite Hälfte des Films ist zwar eine fast szenenweise Wiederholung der ersten Hälfte, weicht aber bald von der ursprünglichen Geschichte ab, wenn auch nicht unbedingt aus den Gründen oder auf die Weise, die man erwarten würde. Verhaltenskontingenz wurde selten so scharfsinnig und urkomisch diagnostiziert; wenn dies im Grunde derselbe Film ist, den Hong immer macht, möge er noch viele weitere machen.

16. Die Hexe

Auf einer Titelkarte am Anfang steht vollständig: „Die Hexe: A New-England Folktale“. Technisch gesehen handelt es sich um „The VVitch“ (Die Hexe), mit zwei großen Vs (seit Jahrhunderten mehr oder weniger austauschbar mit dem Buchstaben „U“) anstelle des modernen „W“. Diese Details sind wichtig, denn Robert Eggers‘ einzigartig gruseliges Debüt bezieht einen Großteil seiner Kraft aus der strikten Genauigkeit der Zeit. Es spielt zu Beginn des 17. Jahrhunderts bei einer puritanischen Familie, die in die Einsamkeit der Wälder verbannt wurde, und enthält Dialoge, die direkt aus Tagebüchern und Gerichtsakten der damaligen Zeit entnommen sind, wodurch eine zusätzliche Ebene der Distanz geschaffen wird, die das ohnehin schon allgegenwärtige Gefühl der Fremdheit noch verstärkt. Für diejenigen, die sich von diesem Entfremdungseffekt nicht stören lassen, gibt es auch eine kinderfressende (und -verschlingende) Hexe, wie der Titel verspricht, zusammen mit eskalierender Paranoia, mehreren Glaubenskrisen, halluzinatorischem Wahnsinn (der in einem kurzen, aber unvergesslichen Schock gipfelt) und einer buchstäblich teuflischen Ziege namens Black Phillip. Am Ende wirft The Witch eine Frage auf, die manche für unverantwortlich halten, die aber erstklassigen Stoff für Alpträume liefert: Was wäre, wenn die Frauen, die ein paar Jahrzehnte später in Salem gehängt wurden, in gewisser Weise eine sich selbst erfüllende Prophezeiung waren?

15. Everybody Wants Some

„Bros will be bros“ klingt wie eine ziemlich unangenehme Beschreibung eines jeden Films, selbst einer Richard Linklater-Komödie. Aber während dieser Satz absolut auf Linklaters Everybody Wants Some zutrifft, fühlt sich der Film auch fast wie ein Wunder an, weil er das dämliche, wettbewerbsorientierte, eierlegende Wollmilchsau-Verhalten wieder aufgreift und es charmant macht. Linklater folgt dem Studienanfänger Jake (Blake Jenner), der sich im Laufe eines Wochenendes an das Leben in einem College-Baseballteam gewöhnt, ein Zeitrahmen, der – in Kombination mit dem Schauplatz 1980 – Everybody zu einem passenden Nachspiel zu seinem bahnbrechenden Dazed And Confused macht. Aber es gibt auch Verbindungen zu seinen anderen Filmen, wie die Art und Weise, wie Linklater nicht umhin kommt, Jake in eine Miniaturversion von Before Sunrise mit Beverly (Zoey Deutch) zu schicken, einem Theatermädchen, das er zufällig trifft. Mit einigen Anerkennungen, wie flüchtig diese Momente sein können, fährt Linklater nach der Before-Trilogie und nach Boyhood fort, den Lauf der Zeit zu untersuchen, selbst wenn er den Akt des Lebens im Moment festhält.

14. The Fits

Das Filmdebüt der Autorin und Regisseurin Anna Rose Holmer ist zum Teil ein Coming-of-Age-Tongedicht und zum Teil eine zutiefst metaphorische Kunst-Horror-Übung, aber vor allem ist es eine ganz eigene, seltsame und wunderbare Sache, die ebenso unklassifizierbar wie schön ist. Royalty Hightower, Schauspielerin im Vorschulalter, spielt ein wildes Mädchen, das sich in die preisgekrönte Tanztruppe ihres Gemeindezentrums in Cincinnati verliebt, der sie genau zu dem Zeitpunkt beitritt, als ihre Altersgenossen von unerklärlichen Krämpfen befallen werden. Ist etwas in der Umgebung schief gelaufen? Oder ist all diese Seltsamkeit nur ein Ausdruck der Entfremdung der Heldin von den anderen Mädchen, die viel mehr als sie darüber zu wissen scheinen, wie man miteinander spricht und wie man hübsch aussieht? Holmer gibt nie eine endgültige Antwort auf die Frage, was The Fits bedeutet. Sie bleibt einfach bei einem Kind, das versucht, alles selbst herauszufinden, und lässt uns mit ihr sehen und fühlen.

13. Silence

Silence trägt das Gewicht der Geschichte, sowohl das seiner jahrzehntelangen Reise zur Leinwand als auch das der darin dargestellten schrecklichen Ereignisse. Aber wo andere Filmemacher die Szenen von gefolterten und hingerichteten Christen in ein grenzwertig-pornografisches Spektakel verwandeln würden, nimmt der streitbare Katholik Martin Scorsese in aller Ruhe die Last ihres Leidens auf sich. Am schwersten wiegt die Stille des Titels – die schreckliche Leere unbeantworteter Gebete, die den Jesuitenpater Rodrigues (Andrew Garfield) überkommt, während sein Glaube immer wieder auf die Probe gestellt wird. Auf der Suche nach ihrem Mentor (Liam Neeson), der angeblich das Christentum verleugnet und sich eine japanische Frau genommen hat, werden Rodrigues und sein Jesuitenkollege Pater Garrpe (Adam Driver) mit bitterer Armut und einer repressiven Regierung konfrontiert, die die Christen dazu verdammt, in Angst zu leben – verzweifelte Umstände, von denen die Patres glauben, dass sie nur durch den Glauben an Gott verbessert werden können. Silence ist kein Film, der Spaß macht, da er praktisch keine komischen Momente enthält und durchweg düster ist. Aber er ist ein starker Film.

12. American Honey

Andrea Arnold präsentiert eine dynamische Vision des jungen, verrückten Amerikas in American Honey, einem ausufernden Roadmovie, das sich auf einer Reise quer durchs Land von wohlhabenden vorstädtischen Sackgassen zu armen Wohnwagenparks windet. Die Newcomerin Sasha Lane spielt Star, einen impulsiven Teenager, der sein missbräuchliches Leben zu Hause aufgibt, um von Stadt zu Stadt und von Tür zu Tür mit einigen Außenseitern, die sie beim Tanzen zu Rihanna im Supermarkt trifft, Zeitschriften zu verkaufen, darunter auch der rattenschwänzige Frauenschwarm Jake (Shia LaBeouf). Während sie in einem weiß getäfelten Van über die kargen Highways des roten Amerikas fahren, erzählen die Kids zwischen Schlucken Wodka und dem allgegenwärtigen Joint ihre Geschichten, jeder von ihnen ein Teil des Flickenteppichs der amerikanischen Unterschicht. Arnold erlaubt ihren Schauspielern – von denen viele von der Straße gecastet wurden – organische, locker konstruierte Szenen zu improvisieren, die ihren Abenteuern einen dokumentarischen Charakter verleihen. Nimm die Ästhetik eines Harmony Korine-Films, aber ersetze den Nihilismus durch grenzenlose Menschlichkeit, und du wirst den wilden Charme von American Honey annähernd verstehen.

11. Elle

„Scham ist kein starkes Gefühl, das uns davon abhält, überhaupt etwas zu tun.“ Mit dem französischsprachigen Elle kehrte Paul Verhoeven, der bedeutendste subversive Filmemacher, nach einer jahrzehntelangen Pause zum Spielfilm zurück und lieferte seinen wohl düstersten und ätzendsten Film ab. In einer ihrer besten Darbietungen spielt Isabelle Huppert eine wohlhabende, erfolgreiche Geschäftsfrau, die von einem unbekannten Eindringling vergewaltigt wird und beschließt, sich auf eigene Faust zu rächen. Elle weigert sich, Widersprüche oder eine Opferrolle in seiner feministischen Antiheldin anzuerkennen; eifersüchtig, anmaßend und masochistisch verkörpert sie fast jedes negative Stereotyp, das jemals zur Rationalisierung von Frauenfeindlichkeit und sexueller Gewalt verwendet wurde. In seiner Zeit in Hollywood hat Verhoeven Blockbuster mit Spezialeffekten so gut gemacht wie kaum ein anderer; hier verwandelt er den klassischen französischen Bourgeois-Thriller (man denke an Claude Chabrol aus der Mitte der Epoche) in eine surreale Gesellschaftssatire, die aufregend unvorhersehbar und schwarz wie Pech ist.

10. Der Hummer

In einer bizarren Dystopie der nahen Zukunft wird der kürzlich geschiedene David (Colin Farrell, sehr wirkungsvoll gegen seinen Typus besetzt) in eine Anlage am Meer voller alleinstehender Erwachsener geschickt, um innerhalb von 45 Tagen einen neuen Partner zu finden oder in ein Tier seiner Wahl verwandelt zu werden. Der griechische Regisseur Yorgos Lanthimos (Dogtooth) perfektioniert seinen Stil der absurden Komödie und führt auf Schritt und Tritt neue Regeln, Aktivitäten und grausame Bestrafungen ein: Paare werden auf der Grundlage willkürlicher Ähnlichkeiten zusammengebracht, Versuchspaaren werden Kinder zugeteilt, und Zeitverlängerungen kann man sich verdienen, indem man abtrünnige Singles jagt, die im Wald leben und nur elektronische Musik hören. The Lobster ist mehr als nur eine witzige Parodie auf bedeutungslose Pärchen, sondern wird immer tiefgründiger, je weiter er in seine seltsame und grausame Welt vordringt, bis hin zu einem Finale, das die Frage aufwirft, ob zwei Menschen einander unter irgendwelchen Bedingungen lieben können, außer denen, die ihnen von der Gesellschaft aufgezwungen werden.

9. Paterson

Was wäre, wenn es einen Busfahrer gäbe… der Gedichte schreibt?! Der Klappentext zu Paterson klingt ein wenig abweisend, so als sollten wir alle überrascht sein, dass in einem Angestellten der öffentlichen Verkehrsmittel ein kreativer Mensch stecken könnte. Aber jeder Anflug von Herablassung verflüchtigt sich in den ersten Minuten von Jim Jarmuschs sublim-lockerer Komödie, die mit großer Aufrichtigkeit an die Tugenden – und die Integrität – des gewöhnlichen Lebens glaubt. Paterson spielt sich über eine einzige Woche ab und folgt dem titelgebenden New Jerseyaner (Adam Driver, der mit extremem Understatement die richtigen Töne trifft), der zur Arbeit geht, mit seiner durchgeknallten Künstlerfreundin (Golshifteh Farahani) abhängt, nächtliche Besuche in einer örtlichen Kneipe macht und die Zeit findet, die eine oder andere Strophe zu kritzeln. Die Schönheit des Films liegt nicht nur in seinem sanften Alltagsrhythmus, sondern auch in seiner Vorstellung von Patersons künstlerischem Prozess – der Suggestion, dass er in jeder interessanten Person, Situation und jedem Detail, dem er begegnet, Inspiration findet. Für Jarmusch, den alternden Botschafter der Coolness, ist dies ein Zen-Höhepunkt: sein weisester, sein lustigster, sein bester.

8. Toni Erdmann

Wir haben hier ein bisschen geschummelt und zwei Filme in einen einzigen Platz geworfen. Der eine ist ein scharfsinniges, nüchternes, manchmal verzweifeltes Arthouse-Drama über die Erschöpfung im Umgang mit dem Sexismus in Unternehmen. Der andere ist das genaue Gegenteil: eine alberne, freilaufende Komödie über einen schelmischen Vater, der versucht, seine verklemmte, arbeitssüchtige Tochter aufzuheitern. Wir rechtfertigen diese Paarung jedoch mit der Begründung, dass beide von derselben Frau (der deutschen Filmemacherin Maren Ade) inszeniert wurden, dieselben Schauspieler dieselben Figuren in derselben Geschichte spielen und nahtlos zu einem fast dreistündigen seriös-komischen Epos zusammengeschnitten wurden. Mit anderen Worten: Toni Erdmann (der am ersten Weihnachtsfeiertag in New York und Los Angeles anläuft, weitere Städte werden folgen) weist eine Tonalität auf, die es mit der von Mariah Carey aufnehmen kann… obwohl es Whitney Houston ist, die die denkwürdigste Szene des Films inspiriert. Kein Aspekt des menschlichen Verhaltens ist zu trivial für Ade, um ihn in einen Moment zu verwandeln, der herzzerreißend, absurd oder irgendwie gleichzeitig herzzerreißend und absurd ist. Dies ist das Rainer Werner Fassbinder/Adam Sandler-Mischmasch, von dem du nie auch nur vermutet hast, dass du es willst.

7. Arrival

Gibt es eine Schauspielerin mit einem ausdrucksstärkeren Gesicht als Amy Adams? Sie kann überzeugend sein, wenn sie in Nocturnal Animals einfach nur einen düsteren Roman liest oder, wie in dem wunderbaren Arrival, darüber rätselt, wie sie eine fremde Sprache entschlüsseln kann, während sie mit ihrer eigenen Wahrnehmung von Erinnerung und Zeit ringt. Adams‘ nachdenkliche, unauffällige Darstellung von Emotionen macht sie perfekt für das Gleichgewicht zwischen Pulp-Procedural und künstlerischer Ernsthaftigkeit, an dem Denis Villeneuve seit seinem amerikanischen Debüt Prisoners herumgebastelt hat. Diese Mischung erreicht eine perfekte Alchemie während Arrival, der einer Figur folgt – Adams‘ Linguistikexpertin -, die in einer Reihe von weniger bedeutenden Science-Fiction-Filmen wahrscheinlich nur eine Nebenrolle spielen würde. Wo wir gerade dabei sind: Anfang des Jahres ist die Begeisterung für die Alien-Invasion mit der ungewollten Fortsetzung Independence Day“ abgeflaut: Resurgence. Arrival mit seiner feucht-herbstlichen Cinematographie und den schönen, aber ungezwungenen emotionalen Aufhängern fühlt sich an wie die wahre Wiederauferstehung.

6. The Handmaiden

Park Chan-Wook erlangt mit The Handmaiden den Rang eines Kinomeisters, der Fingersmith, Sarah Waters‘ Roman über versteckte Identitäten und lesbische Leidenschaft, in das Südkorea der 1930er Jahre verlegt und dabei reichlich Hitchcock’sche Spannung einbaut. Mit üppigen Aufnahmen und einer fetischistischen Formalität, die an den letztjährigen Film The Duke Of Burgundy erinnert, schafft Park ein sinnliches Erlebnis, das so üppig ist wie der Biss in einen überreifen Pfirsich und so pervers wie ein Paar Lederhandschuhe, die sanft über den Nacken streichen. Kim Tae-ri spielt Sook-hee, eine junge Taschendiebin, die für die scheinbar behütete japanische Adelige Lady Hideko (Kim Min-hee) arbeiten soll. Der Plan sieht vor, dass Sook-hee dem befreundeten Betrüger Graf Fujiwara (Ha Jung-woo) – der in Wirklichkeit weder ein Graf noch ein Japaner ist – hilft, Lady Hideko um ihr Vermögen zu bringen. Doch als die Dreiecksbeziehung der beiden immer komplizierter wird, stellt sich heraus, dass Lady Hideko nicht so naiv ist, wie sie scheint. Hervorragende Leistungen der weiblichen Hauptdarstellerinnen tragen den Film durch seine schwindelerregenden Wendungen, unterlegt mit einer bösen Prise schwarzer Komödie und einem unerwarteten Glauben an die Macht der wahren Liebe.

5. Hell Or High Water

Eine Vision des modernen Westens, die es mit No Country For Old Men aufnehmen kann, das schräge, unterhaltsame und elementare Hell Or High Water war ein unwahrscheinlicher Durchbruch für den begabten schottischen Regisseur David Mackenzie (Young Adam, Starred Up). Zwei Bankräuber-Brüder werden von ein paar Gesetzeshütern durch eine von Waldbränden und Zwangsvollstreckungen gezeichnete Landschaft verfolgt. Mackenzies Regie erinnert an die kreativen, wilden Tage des amerikanischen Kinos der 1970er Jahre und schafft ein perfektes Gleichgewicht zwischen der entspannten Atmosphäre und der Exzentrik des westtexanischen Schauplatzes und der Spannung und Verzweiflung der Figuren; seine langen Einstellungen versetzen den Zuschauer in den Moment und wirken nie aufgesetzt. Das Drehbuch (von Taylor Sheridan aus Sicario) hat für seine Dialoge wohlverdientes Lob geerntet, ist aber ebenso beeindruckend für die reichhaltige romanhafte Struktur, die es einer ziemlich geradlinigen Geschichte von Verbrechen und Verfolgung verleiht. Voller stimmungsvoller Umwege, denkwürdiger Nebenfiguren und eindringlicher Erinnerungen an das Erbe des Westens in Bezug auf Diebstahl und Ausbeutung baut der Film auf einen Epilog auf, der seinen Platz auf unserer Liste der besten Szenen des Jahres mehr als verdient hat. Und wir haben noch nicht einmal die Darsteller erwähnt.

4. La La Land

Viele moderne, originelle Filmmusicals haben so viel mit dem Gefühl ihrer Vorgänger zu tun wie nichts anderes. Das trifft in gewisser Weise auf Damien Chazelles La La Land zu, mit seinem CinemaScope-Seitenverhältnis (komplett mit Tarantino-ähnlicher Titelkarte), üppigen und verträumten 35-mm-Farben, visuellen Anspielungen auf Singin‘ In The Rain und einer Coda, die an Die Regenschirme von Cherbourg erinnert. Aber Chazelle gelingt etwas so Kniffliges, dass es sich wie Magie anfühlt: Er macht sich diese Prüfsteine zu eigen, mit Emma Stone und Ryan Gosling, die als zwei aufstrebende Entertainer (ein Jazzer, eine Schauspielerin), die sich verlieben und ihre Stimmen finden, einen Cocktail aus Filmstar-Glamour und realem Bedauern bieten. Trotz der Anspielungen ähnelt La La Land nicht sonderlich Rain oder Cherbourg; durch sein Interesse an den Kosten und dem Ruhm künstlerischer Ambitionen ist er ein sprudelnder Begleiter zu Chazelles aufregendem Whiplash. Die langen Einstellungen in den musikalischen Sequenzen sind nicht dazu da, um das Publikum „tanzen zu sehen“, wie das alte Klischee besagt, sondern um es in den Bann zu ziehen: Die ununterbrochenen Kamerafahrten, so selbstbewusst sie auch sein mögen, machen den Film traumhafter. Selbst wenn die Geschichte schmerzhaft melancholisch wird, ist es ein Traum, aus dem man nicht mehr heraus will.

3. Green Room

Es gibt einen Moment in Green Room, der immer wieder ein kollektives Aufatmen durch jedes Wohnzimmer oder jeden Kinosaal schickt. Es geht um einen Kartonschneider, einen entblößten Bauch und den Punkt, an dem es für die verzweifelten Helden, eine Hardcore-Band, die sich hinter der Bühne eines hinterwäldlerischen Konzertsaals verschanzt, kein Zurück mehr gibt, während gewalttätige Skinheads wie Haie auf der anderen Seite der Tür kreisen. Jeremy Saulniers höllisch intensiver Indie-Thriller, in dem die Guten drinnen und die Bösen draußen sind, ist wie ein Punk-Rock-Remake von Assault On Precinct 13 und kennt weder mit seinen Figuren noch mit seinem Publikum Gnade. Dass dieses kunstvolle Chaos sowohl erschreckend relevant als auch grenzwertig kathartisch wirkt, hat alles mit der beängstigenden Aktualität von Green Room zu tun – seinem Auftauchen in unserem neuen Zeitalter der politisch ermutigten Hassprediger als zufälliger Zeitgeistfilm. Das heißt, selbst wenn man das Gemetzel nicht ertragen kann, ist es eine dunkle Befriedigung – hier, jetzt und immer – zu sehen, wie Nazis die Ausweidung bekommen, die sie verdienen.

2. Mondlicht

Im weitesten Sinne könnte man Moonlight als einen Film „über das Schwarzsein“ oder „über das Schwulsein“ oder sogar „über das Aufwachsen im drogengeplagten Liberty City-Viertel von Miami“ bezeichnen. Aber Autor und Regisseur Barry Jenkins behandelt Identität in seiner Adaption von Tarell Alvin McCraney’s unproduziertem Theaterstück In Moonlight Black Boys Look Blue eher wie ein Prisma als eine Linse. In drei eindringlichen Vignetten, die Jahre auseinander liegen, untersucht Jenkins die komplizierten Triebe und Einflüsse im Inneren eines jungen Mannes, Chiron, als ein freundlicher Drogendealer (wunderbar gespielt von Mahershala Ali) dem Jungen eine Orientierungshilfe bietet und ein liebevoller Klassenkamerad ihm hilft, seine Sexualität zu erwecken. Von Moment zu Moment ist Moonlight klein. Aber seine verschiedenen Anklänge und Rückgriffe fügen sich zu einem manchmal süßen, manchmal herzzerreißenden Porträt von jemandem zusammen, der zögert, seine Wünsche zu artikulieren.

1. Manchester By The Sea

Wie hart dein Jahr 2016 auch war, es ist gut möglich, dass das Schlimmste davon nicht ganz mit dem vergleichbar ist, was an Lee Chandler nagt, dem zurückgezogenen Bostoner Handwerker, den Casey Affleck in Manchester By The Sea spielt. Lee ist in seine Heimatstadt am Meer zurückgekehrt, um seinen älteren Bruder zu beerdigen, und das ist nur die Spitze des traumatischen Eisbergs für diesen gebrochenen Mann, dessen verheerende Geschichte über den Ereignissen des Films hängt wie eine Sturmwolke über dem Wasser von Massachusetts. Aber trotz all des Herzschmerzes, der ihn durchströmt, ist Kenneth Lonergans ambitionierter dritter Spielfilm keine elende Schinderei: Gestützt auf die beste Leistung seiner Karriere von Affleck, der die Herkulesaufgabe bewältigt, emotionale Unverfügbarkeit überzeugend darzustellen, ist Manchester By The Sea oft ebenso witzig wie erschütternd. Was ihn zu unserem Lieblingsfilm in einem außergewöhnlichen Jahr macht, ist die Art und Weise, wie es Lonergan, dem Drehbuchautor und Filmemacher von Margaret und You Can Count On Me, gelingt, eine Familientragödie von erschütterndem Ausmaß in den alltäglichen Mist des Lebens einzubetten. Selbst wenn er ins Opernhafte abgleitet, konzentriert er sich auf die kleinen menschlichen Schwächen: ein Handy, das bei einer Beerdigung kaputt geht; ein Auto, das wer weiß wo geparkt ist; ein Teenager (Lucas Hedges, in einer Rolle, die ihm zum Durchbruch verhelfen sollte), dessen Trauerprozess nicht mehr beschäftigt als seine verzweifelten Versuche, etwas Zeit mit seiner Freundin zu verbringen. In einem Jahr, dessen Ende viele nicht abwarten konnten, argumentierte Manchester By The Sea nicht, dass am Ende alles gut wird – für manche wird es das definitiv nicht -, sondern dass die Menschen in deinem Leben der Grund sind, weiterzukämpfen, selbst wenn die Hoffnung verloren scheint. Das ist ein Trost, den wir jetzt vielleicht mehr denn je gebrauchen können.