Explicații despre cubismul sintetic – Planuri, forme și puncte de vedere

Blog Home

Mai 2, 2016

Pablo Picasso, părintele cubismului, a fost faimos pentru dorința sa de a evolua. După ce a inventat cubismul analitic în 1907, ar fi putut cu ușurință să continue să picteze în acel stil timp de decenii și să devină în continuare bogat și faimos. Dar, în schimb, a continuat să experimenteze, contribuind la inventarea a ceea ce a devenit cunoscut sub numele de cubism sintetic în 1911, adăugând la cubismul analitic o paletă de culori extinsă, noi texturi, forme mai simple, noi materiale și simplificând utilizarea punctului de vedere și a planului. De la momentul inventării sale și până în jurul anului 1920, cubismul sintetic a fost considerat apogeul avangardei. A extins gama de moduri în care pictorii puteau explora realitatea și a contribuit la apariția dadaiștilor, a suprarealiștilor și chiar a Pop Art.

Cubismul sintetic în 200 de cuvinte

Cubismul sintetic a rezultat dintr-o îndepărtare de la aceste tehnici, în încercarea de a crea ceva și mai real. Picasso, Braque și pictorul Juan Gris au adăugat din nou o gamă vibrantă de culori în lucrările lor, au reintrodus profunzimea și au diminuat numărul de perspective și planuri simultane în imaginile lor. Cel mai important, pentru a da sentimentul suprem de realitate picturilor lor, au început să adauge hârtie, pânză, hârtie de ziar, text și chiar nisip și murdărie în lucrările lor, încercând să aducă în joc un sentiment total al esenței subiectului lor.

Pablo Picasso – Still Life with Chair Caning, 1912, Ulei pe pânză de ulei peste pânză mărginită cu frânghie, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

New Materials and Techniques

În 1912, Picasso a creat opera de artă care este considerată a fi primul exemplu de colaj și un exemplu definitoriu al cubismului sintetic: Natură moartă cu scaun-Caning. Lucrarea este o reprezentare cubistă a unei mese de cafenea cu o selecție de produse alimentare, un ziar și o băutură. În plus față de mediile tradiționale, Picasso a adăugat pe suprafața picturii o secțiune din scaunul de răchită care se găsea în mod tradițional pe scaunele de cafenea. Această adăugare aparent banală a avut consecințe enorme pentru arta modernă. În loc să picteze un scaun, o parte a unui scaun a fost de fapt pusă pe tablou. În loc să arate ceva din mai multe perspective pentru ca acesta să pară real, Picasso a pus pur și simplu lucrul real, sau cel puțin o parte din el, direct pe lucrare.

Picasso a adăugat, de asemenea, text la această lucrare, scriind literele „JOU” pe o parte din suprafață. Acest cuvânt „Jou” ar putea fi tradus literal prin „joc” în franceză, fapt care a contribuit la sentimentul pe care mulți oameni îl au că Picasso a intenționat ca Cubismul sintetic să readucă un sentiment de frivolitate în artă după seriozitatea academică a Cubismului analitic. Cu toate acestea, „JOU” ar fi putut, de asemenea, să fie cu ușurință intenționat ca prima parte a termenului francez pentru cotidian sau jurnal, o referire la fragmentul de ziar văzut în tablou.

Deși a realizat o premieră prin adăugarea acelei bucăți de cantare de scaun la lucrarea sa, Picasso nu a fost primul cubist care a adăugat text la o pictură. În 1911, Georges Braque crease o lucrare numită Portughezul, care a fost prima lucrare cubistă care a introdus litere. Atât în primul colaj al lui Picasso, cât și în prima lucrare textuală a lui Braque, este evidentă o îndepărtare de natura serioasă și prea complexă a unora dintre lucrările cubiste analitice ulterioare. Există o simplitate capricioasă a imaginilor din aceste lucrări de artă. Perspectivele sunt simplificate, iar imaginile devin aproape jucăușe, asemănătoare cu imaginile antropomorfe din imaginile publicitare.

Georges Braques – The Portuguese, 1911, Ulei pe pânză, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

În 1912, Braque avea să mai deschidă noi drumuri de cel puțin două ori. În acel an a devenit primul pictor cubist care a adăugat nisip la o pictură pentru a adăuga niveluri de textură și profunzime operei și, de asemenea, a devenit primul care a încorporat tehnica cunoscută sub numele de papier colles, care se referă la lipirea unor bucăți de hârtie decupate pe o suprafață. Ambele tehnici au fost folosite în lucrarea sa intitulată Fruit Dish and Glass. În această pictură a aplicat bucăți de tapet decupate direct pe suprafață și apoi a umbrit piesa folosind vopsea umplută cu nisip, adăugând profunzime și textură imaginii.

Braque a inclus și text în această lucrare, folosind cuvintele clar definite și ușor de citit „Ale” și „Bar”. Aceste cuvinte sfidează liniile care separă imaginile publicitare și așa-numita artă înaltă. Combinația acestor trei tehnici se va dovedi în cele din urmă a fi o influență majoră asupra dadaiștilor, care s-au bazat foarte mult pe colaj și text pentru a confunda și ofusca semnificațiile aparente din operele lor și pentru a contesta noțiunile burgheze de artă.

Georges Braque – Farfurie de fructe și pahar, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Planoane, forme, puncte de vedere și culori

Artistul cel mai responsabil pentru aducerea culorilor vibrante în cubismul sintetic a fost pictorul cubist spaniol Juan Gris. Gris a utilizat, de asemenea, un limbaj vizual substanțial simplificat care demonstrează superb numărul redus de puncte de observație și utilizarea simplificată a formelor și planurilor care definește cubismul sintetic. În lucrarea lui Gris, Newspaper and Fruit Dish (Ziar și farfurie de fructe), vedem toate aceste elemente în joc. Putem vedea, de asemenea, în aceeași pictură multe dintre motivele pentru care Cubismul Sintetic este adesea văzut ca fiind precursorul Pop Art.

Nu este vorba doar de faptul că Cubiștii Sintetici s-au jucat cu noțiunile de linie neclară dintre arta joasă și arta înaltă, și dintre artă și publicitate. Această pictură evocă, de asemenea, în mod uimitor punctele Ben-Day ale lui Roy Lichtenstein și pare să prefigureze aproape identic repetiția, plasarea imaginilor și paleta de culori din Bivolul II al lui Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg – Buffalo II, 1964, Ulei și cerneală serigrafică pe pânză. 96 x 72 in (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licențiat de VAGA la Artists Right Society (ARS), New York

Picturile cubiste analitice anterioare încorporaseră atât de multe puncte de vedere diferite încât complexitatea imaginilor a devenit aproape imposibil de deslușit. Subiectul lor părea abstractizat până la punctul de a fi de nerecunoscut: fiecare punct de vedere era reprezentat de forme geometrice separate pe un plan separat și fiecare plan părea suprapus peste celelalte și apoi aplatizat din nou. Iar formele geometrice utilizate în picturile cubiste analitice păreau uneori aproape transparente. Ele erau pictate într-un mod care demonstra viteză, vibrație și mișcare. Ele reprezentau momente diferite ale zilei, lumini diferite și puncte de vedere diferite.

Juan Gris – Ziar și farfurie de fructe, 1916, Ulei pe pânză. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Prin adăugarea unei palete de culori vibrante din nou în tablourile cubiste, Juan Gris a dat stilului un sentiment de ludicitate și entuziasm care lipsea din acele lucrări cubiste anterioare. Iar vocabularul vizual simplificat al lui Gris a prezentat ideea că cubismul își poate atinge obiectivele într-un mod direct, simplificat și plăcut din punct de vedere estetic. În tabloul „Vioara”, Gris realizează un număr minim absolut de puncte de vedere, forme și planuri pentru a putea fi considerat în continuare o lucrare cubistă. Imaginea rezultată pare mai degrabă un exemplu de sugestie a cubismului decât o definiție riguroasă a acestuia.

Juan Gris – The Violin, 1916, Ulei pe panou cu trei straturi, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basel

Sintetic: Un alt cuvânt pentru fals?

Prin adăugarea scrisului și a unor fragmente de obiecte de zi cu zi în picturile lor, Picasso, Braque și Gris se străduiau să se conecteze cu un sentiment lărgit al realității subiecților lor. Dar, adăugând aceste elemente artificiale în operele lor, ei creau, de asemenea, ceva care era în mod evident ireal și care nu seamănă cu niciuna dintre operele de artă cubiste care au venit înainte. Uneori, pictau chiar forme care arătau ca un colaj, amestecând în aceeași lucrare elemente de colaj mimate cu elemente reale de colaj. Acest nou stil a fost numit cubism sintetic tocmai din acest motiv, din cauza naturii artificiale a tehnicilor folosite în raport cu seriozitatea lucrărilor cubiste care veniseră înainte.

Cubismul sintetic a fost mai simbolic decât cubismul analitic. Nu se străduia să obțină o viziune înălțată a realității cvadridimensionale. Mai degrabă s-a străduit să obțină o aluzie la realitate, dar într-un mod distorsionat. A fost o transformare care a contribuit enorm la teoriile și investigațiile din jurul suprarealismului.

Cubismul sintetic a contestat, de asemenea, diferențele dintre picturăși sculptură. În loc să rupă imaginea în bucăți și apoi să o reasambleze din mai multe perspective diferite, cubismul sintetic a asamblat imaginea, construind-o dintr-o suprafață plană într-un obiect cu mai multe straturi, ca un obiect tridimensional care se sprijină pe o suprafață bidimensională. În toate aceste moduri, Cubismul Sintetic și-a abordat realizările prin intermediul unui paradox clar și intenționat: Realizând lucrări care erau din ce în ce mai false, ei au obținut ceva din ce în ce mai real.