Pictura Color Field este înrudită cu abstracția post-picturală, Suprematismul, Expresionismul abstract, pictura Hard-edge și Abstracția lirică. Inițial s-a referit la un anumit tip de expresionism abstract, în special la lucrările lui Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb și la câteva serii de picturi ale lui Joan Miró. Criticul de artă Clement Greenberg a perceput pictura Color Field ca fiind înrudită cu, dar diferită de Action painting.
O distincție importantă care a făcut ca pictura color field să fie diferită de expresia abstractă a fost manipularea vopselei. Cea mai de bază tehnică definitorie fundamentală a picturii este aplicarea vopselei, iar pictorii color field au revoluționat modul în care vopseaua putea fi aplicată eficient.
Color Field painting a căutat să elibereze arta de retorica superfluă. Artiști precum Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas și Frank Stella și alții au folosit adesea formate foarte reduse, cu un desen simplificat în esență la sisteme repetitive și reglementate, referințe de bază la natură și o utilizare foarte articulată și psihologică a culorii. În general, acești artiști au eliminat imaginile evidente și recognoscibile în favoarea abstracției. Anumiți artiști au citat referințe la arta trecută sau prezentă, dar, în general, pictura color field prezintă abstracția ca pe un scop în sine. Urmărind această direcție a artei moderne, acești artiști au vrut să prezinte fiecare tablou ca o imagine unificată, coerentă, monolitică, adesea în cadrul unor serii’ de tipuri înrudite.
În opoziție cu energia emoțională și cu semnele de suprafață gestuale și manipularea picturii de către expresioniștii abstracți, cum ar fi Jackson Pollock și Willem de Kooning, pictura Color Field a părut inițial rece și austeră. Pictorii Color Field șterg semnul individual în favoarea unor zone mari, plate, pătate și îmbibate de culoare, considerate a fi natura esențială a abstracției vizuale, împreună cu forma propriu-zisă a pânzei, pe care Frank Stella, în special, a realizat-o în moduri neobișnuite cu combinații de margini curbe și drepte. Cu toate acestea, pictura Color Field s-a dovedit a fi atât senzuală, cât și profund expresivă, deși într-un mod diferit de expresionismul abstract gestual. Negând legătura cu expresionismul abstract sau cu orice altă mișcare artistică Mark Rothko a vorbit clar despre picturile sale în 1956:
Nu sunt un abstracționist … Nu sunt interesat de relația dintre culoare sau formă sau orice altceva. … Mă interesează doar să exprim emoțiile umane de bază – tragedie, extaz, osândă și așa mai departe – și faptul că mulți oameni cedează și plâng atunci când se confruntă cu tablourile mele arată că eu comunic aceste emoții umane de bază. … Oamenii care plâng în fața tablourilor mele trăiesc aceeași experiență religioasă pe care am avut-o și eu când le-am pictat. Iar dacă tu, așa cum spui, ești mișcat doar de relațiile lor cromatice, atunci ratezi esențialul!
Pictura petelorEdit
Joan Miró a fost unul dintre primii și cei mai de succes pictori de pete. Deși colorarea în ulei era considerată periculoasă pentru pânza de bumbac pe termen lung, exemplul lui Miró din anii 1920, 1930 și 1940 a fost o sursă de inspirație și o influență pentru generația tânără. Unul dintre motivele succesului mișcării Color Field a fost tehnica de colorare. Artiștii amestecau și diluau vopseaua în găleți sau cutii de cafea, obținând un lichid fluid, pe care apoi îl turnau pe pânza brută neamorsată, în general rață de bumbac. Vopseaua putea fi, de asemenea, pensulată, rulată, aruncată, turnată sau pulverizată și se răspândea în țesătura pânzei. În general, artiștii desenau forme și zone pe măsură ce colorau. Mulți artiști diferiți au folosit colorarea ca tehnică aleasă pentru realizarea picturilor lor. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins și zeci de alți pictori au descoperit că turnarea și colorarea au deschis ușa către inovații și metode revoluționare de a desena și de a exprima sensul în moduri noi. Numărul de artiști care au colorat în anii 1960 a crescut foarte mult odată cu disponibilitatea vopselei acrilice. Colorarea cu vopsea acrilică în țesătura pânzei de rață de bumbac a fost mai benignă și mai puțin dăunătoare pentru țesătura pânzei decât utilizarea vopselei în ulei. în 1970, artista Helen Frankenthaler a comentat despre utilizarea colorării:
Când am început să fac picturile cu coloranți, am lăsat zone mari de pânză nevopsite, cred, pentru că pânza în sine a acționat la fel de puternic și pozitiv ca și vopseaua, linia sau culoarea. Cu alte cuvinte, însuși terenul făcea parte din mediu, astfel încât, în loc să ne gândim la el ca la un fundal sau la un spațiu negativ sau la un loc gol, acea zonă nu avea nevoie de vopsea pentru că avea vopsea lângă ea. Treaba era să decidem unde să o lăsăm și unde să o umplem și unde să spunem că aceasta nu are nevoie de o altă linie sau de o altă găleată de culori. Este să o spui în spațiu.
Vopsire cu sprayEdit
Surprinzător de puțini artiști au folosit tehnica pistolului de pulverizare pentru a crea mari întinderi și câmpuri de culoare pulverizate pe pânzele lor în anii 1960 și 1970. Printre pictorii care au folosit în mod eficient tehnicile de pictură prin pulverizare se numără Jules Olitski, care a fost un pionier în tehnica de pulverizare care a acoperit picturile sale mari cu strat după strat de culori diferite, adesea schimbând treptat nuanța și valoarea într-o progresie subtilă. O altă inovație importantă a fost utilizarea de către Dan Christensen a unei tehnici de pulverizare cu mare efect în bucle și panglici de culori strălucitoare; pulverizate în semne clare, caligrafice, pe picturile sale de mari dimensiuni. William Pettet, Richard Saba și Albert Stadler au folosit această tehnică pentru a crea câmpuri multicolore de mari dimensiuni, în timp ce Kenneth Showell a pulverizat pe pânze încrețite și a creat iluzia unor interioare abstracte de natură moartă. Cei mai mulți dintre pictorii cu spray au fost activi mai ales la sfârșitul anilor 1960 și în anii 1970.
StripesEdit
Stripes a fost unul dintre cele mai populare vehicule pentru culoare folosit de mai mulți pictori Color Field diferiți într-o varietate de formate diferite. Barnett Newman, Morris Louis, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland și David Simpson, toți au realizat serii importante’ de picturi cu dungi. Deși nu le numea dungi, ci fermoare, dungile lui Barnett Newman erau în mare parte verticale, de diferite lățimi și folosite cu moderație. În cazul lui Simpson și Noland, tablourile lor cu dungi au fost toate în mare parte orizontale, în timp ce Gene Davis a pictat tablouri cu dungi verticale, iar Morris Louis a pictat mai ales tablouri cu dungi verticale, numite uneori Pillars. Jack Bush a avut tendința de a realiza atât picturi cu dungi orizontale și verticale, cât și unghiulare.
Magna paintEdit
Magna, o vopsea acrilică cu utilizare specială pentru artiști a fost dezvoltată de Leonard Bocour și Sam Golden în 1947 și reformulată în 1960, special pentru Morris Louis și alți pictori de pete din mișcarea color field. În Magna pigmenții sunt măcinați într-o rășină acrilică cu solvenți pe bază de alcool. Spre deosebire de acrilicele moderne pe bază de apă, Magna este miscibilă cu terebentină sau alcool mineral și se usucă rapid până la un finisaj mat sau lucios. A fost folosit pe scară largă de Morris Louis și Friedel Dzubas, precum și de artistul pop Roy Lichtenstein. Culorile Magna sunt mai vii și mai intense decât vopselele acrilice obișnuite pe bază de apă. Louis a folosit Magna cu mare efect în seria sa Stripe Series, unde culorile sunt folosite nediluate și sunt turnate neamestecate direct din cutie.
Vopsea acrilicăEdit
În 1972, fostul curator al Muzeului Metropolitan de Artă Henry Geldzahler spunea:
Câmp de culoare, în mod curios sau poate nu, a devenit un mod viabil de a picta exact în momentul în care a apărut vopseaua acrilică, noua vopsea din plastic. A fost ca și cum noua vopsea a cerut o nouă posibilitate în pictură, iar pictorii au ajuns la ea. Vopseaua în ulei, care are un mediu destul de diferit, care nu este pe bază de apă, lasă întotdeauna o pată de ulei, sau o baltă de ulei, în jurul marginii culorii. Vopseaua acrilică se oprește la propria margine. Pictura pe câmpuri de culoare a apărut în același timp cu inventarea acestei noi vopsele.
Acrilicele au fost puse la dispoziție pentru prima dată în comerț în anii 1950 ca vopsele pe bază de alcool mineral numite Magna oferite de Leonard Bocour. Vopselele acrilice pe bază de apă au fost vândute ulterior ca vopsele de casă „latex”, deși dispersia acrilică nu folosește latexul derivat dintr-un arbore de cauciuc. Vopselele de interior pentru case „latex” tind să fie o combinație de liant (uneori acrilic, vinil, pva și altele), material de umplutură, pigment și apă. Vopselele de casă „latex” pentru exterior pot fi, de asemenea, un amestec de „copolimer”, dar cele mai bune vopsele de exterior pe bază de apă sunt 100% acrilice.
La scurt timp după ce lianții acrilici pe bază de apă au fost introduși ca vopsele de casă, atât artiștii – primii dintre ei fiind muraliști mexicani – cât și companiile au început să exploreze potențialul noilor lianți. Vopselele acrilice pentru artiști pot fi diluate cu apă și folosite ca spălături în maniera vopselelor de acuarelă, deși spălăturile sunt rapide și permanente odată uscate. Vopselele acrilice de calitate artistică solubile în apă au devenit disponibile în comerț la începutul anilor 1960, oferite de Liquitex și Bocour sub denumirea comercială de Aquatec. Liquitex și Aquatec solubile în apă s-au dovedit a fi ideale pentru pictura petelor. Tehnica de colorare cu acrilice solubile în apă a făcut ca culorile diluate să se scufunde și să se fixeze rapid în pânza brută. Pictori precum Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam și alții au folosit cu succes acrilice pe bază de apă pentru noile lor picturi de color field (color field paintings).
Moștenire: influențe și influențateEdit
Legătura picturală a picturii secolului al XX-lea este un curent lung și întrepătruns de influențe și interrelații complexe. Utilizarea unor câmpuri mari deschise de culoare expresivă aplicate în porțiuni picturale generoase, însoțite de un desen liber (pete lineare vagi și/sau contururi figurative) poate fi observată pentru prima dată în lucrările de la începutul secolului al XX-lea atât ale lui Henri Matisse, cât și ale lui Joan Miró. Matisse și Miró, precum și Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky și Piet Mondrian i-au influențat în mod direct pe expresioniștii abstracți, pe pictorii Color Field ai Abstracției post-picturale și pe abstracționiștii lirici. Americanii de la sfârșitul secolului al XIX-lea, cum ar fi Augustus Vincent Tack și Albert Pinkham Ryder, împreună cu primii moderniști americani, cum ar fi Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove și peisajele lui Milton Avery, au oferit, de asemenea, precedente importante și i-au influențat pe expresioniștii abstracți, pe pictorii Color Field și pe abstracționiștii lirici. Tablourile lui Matisse „Fereastra franceză de la Collioure” și „Vedere de la Notre-Dame”, ambele din 1914, au exercitat o influență extraordinară asupra pictorilor americani de Color Field în general (inclusiv asupra seriei Open Series a lui Robert Motherwell) și, în special, asupra picturilor lui Richard Diebenkorn din Ocean Park. Potrivit istoricului de artă Jane Livingston, Diebenkorn a văzut ambele tablouri de Matisse în cadrul unei expoziții din Los Angeles în 1966, iar acestea au avut un impact enorm asupra lui și a operei sale. Jane Livingston spune despre expoziția Matisse din ianuarie 1966 pe care Diebenkorn a văzut-o la Los Angeles:
Este greu să nu atribui o greutate enormă acestei experiențe pentru direcția pe care a luat-o opera sa din acel moment. Două tablouri pe care le-a văzut acolo reverberează în aproape fiecare pânză din Ocean Park. View of Notre Dame și French Window at Collioure, ambele pictate în 1914, au fost expuse pentru prima dată în SUA.
Livingston continuă spunând că Diebenkorn trebuie să fi trăit French Window at Collioure, ca pe o epifanie.
Miró a fost unul dintre cei mai influenți artiști ai secolului XX. El a fost pionierul tehnicii de colorare; creând fundaluri neclare, multicolore și tulburi în vopsea de ulei diluată de-a lungul anilor 1920 și 1930; peste care a adăugat caligrafia sa, caracterele și lexicul său abundent de cuvinte și imagini. Arshile Gorki a admirat în mod deschis opera lui Miró și a pictat tablouri asemănătoare lui Miró, înainte de a-și descoperi în cele din urmă propria originalitate la începutul anilor 1940. În anii 1960, Miró a pictat câmpuri mari (la scară expresionistă abstractă) radiante de vopsea viguros pensulată în albastru, în alb și alte câmpuri monocromatice de culori; cu sfere negre neclare și forme caligrafice asemănătoare pietrelor, plutind la întâmplare. Aceste lucrări semănau cu picturile Color Field ale tinerei generații. Biograful Jacques Dupin a spus următoarele despre lucrările lui Miró de la începutul anilor 1960:
Aceste pânze dezvăluie afinități – Miró nu încearcă câtuși de puțin să nege acest lucru – cu cercetările unei noi generații de pictori. Mulți dintre aceștia, printre care Jackson Pollock, de exemplu, și-au recunoscut datoria față de Miró. La rândul său, Miró manifestă un viu interes față de lucrările lor și nu ratează nicio ocazie de a-i încuraja și sprijini. De asemenea, nu consideră că este sub demnitatea sa să folosească descoperirile lor în anumite ocazii.
Plecând de la exemplul altor moderniști europeni precum Miró, mișcarea Color Field cuprinde mai multe decenii de la mijlocul secolului XX până la începutul secolului XXI. Pictura Color Field cuprinde de fapt trei generații de pictori distincte, dar legate între ele. Termenii utilizați în mod obișnuit pentru a se referi la cele trei grupuri separate, dar înrudite, sunt expresionismul abstract, abstracția post-picturală și abstracția lirică. Unii dintre artiști au realizat lucrări în toate cele trei epoci, care se referă la toate cele trei stiluri. Pionierii Color Field, cum ar fi Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb și Robert Motherwell, sunt considerați în primul rând expresioniști abstracți. Artiști precum Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski și Kenneth Noland făceau parte dintr-o generație ceva mai tânără sau, în cazul lui Morris Louis, aliniați estetic la punctul de vedere al acelei generații; care au început ca expresioniști abstracți, dar au trecut rapid la abstracția post-picturală. În timp ce artiști mai tineri, precum Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, au început cu Abstracția post-picturală și, în cele din urmă, au avansat spre un nou tip de expresionism, denumit Abstracție lirică. Mulți dintre artiștii menționați, precum și mulți alții, au practicat toate cele trei moduri într-o fază sau alta a carierei lor. În timpul ultimelor faze ale picturii Color Field; ca reflexii ale zeitgeistului de la sfârșitul anilor 1960 (în care totul a început să atârne liber) și angoasa epocii (cu toate incertitudinile vremii) au fuzionat cu gestaltul Abstracției post-picturale, producând Abstracția lirică, care a combinat precizia idiomului Color Field cu malerismul Expresioniștilor abstracți. În aceeași perioadă de la sfârșitul anilor 1960 și începutul anilor 1970, în Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer și alți câțiva pictori au început, de asemenea, să producă lucrări de expresie intensă, îmbinând abstracția cu imaginile, încorporând imagini de peisaj și figurație care, până la sfârșitul anilor 1970, au fost denumite neoexpresionism.
.