Cele mai bune 20 de filme ale anului 2016

Acest browser nu acceptă elementul video.

Norvegianul Joachim Trier (Oslo, 31 august) este un mare cineast adesea confundat cu unul pur și simplu bun, ceea ce ajută la explicarea motivului pentru care debutul său în limba engleză a avut parte de o primire politicoasă din partea criticii în primăvară, înainte de a dispărea discret din vedere, din minte și de pe ecrane. Dar, în felul său minor, Louder Than Bombs este o realizare majoră: o dramă familială intimă care transformă procesul privat de gestionare a durerii într-o experiență audio-vizuală antrenantă. Centrat pe o familie care se confruntă cu moartea faimoasei sale matriarhe fotografe (Isabelle Huppert, care are un an al naibii de bun), filmul folosește un colaj de trucuri stilistice/narative familiare – flashback-uri, secvențe de vis, naratori multipli, montaj eliptic – pentru a conecta spectatorii direct la starea emoțională a personajelor sale, un tată (Gabriel Byrne) și cei doi fii îndurerați ai săi (Devin Druid și Jesse Eisenberg, acesta din urmă având și el un an destul de bun). Cu o intuiție romanescă, cu o tehnică cinematografică palpitantă, merită cel puțin o parte din aclamațiile de care au avut parte cele mai îndrăgite critici ale anului 2016, inclusiv cea mai apropiată rudă spirituală a sa, acel alt studiu despre bărbați închiși în doliu care stă foarte bine în fruntea acestei liste.

19. Jackie

Nu este strict un film biografic despre Jacqueline Kennedy Onassis, această abordare impresionistă a fostei prime doamne a regizorului Pablo Larrain, a scenaristului Noah Oppenheim și a vedetei Natalie Portman este în primul rând o privire asupra modului în care Jackie a făcut față imediat după asasinarea președintelui John F. Kennedy. Câteva flashback-uri amintesc cum patriciana doamnă Kennedy a cucerit o Americă sceptică și a devenit o icoană de stil. Dar cea mai mare parte a filmului este despre modul în care ea și-a afirmat drepturile de văduvă pentru a se asigura că soțul ei a fost onorat așa cum se cuvine, într-un moment în care întreaga țară era la limită. Performanța de fier a lui Portman afirmă demnitatea unei instituții văzute adesea ca fiind arhaică și frivolă. Între timp, texturile vizuale de tip home-movie ale cineastului Stéphane Fontaine și o partitură emoționantă și abrazivă a lui Mica Levi sporesc calitățile imersive ale unui film care pledează pentru valoarea ritualului, a simbolurilor și a tradiției, chiar și în mijlocul unei tragedii inimaginabile.

18. Midnight Special

Un thriller de urmărire, o parabolă supranaturală, un experiment de narațiune minimalistă și mister susținut – superba incursiune a lui Jeff Nichols în materialul de gen este atât de inextricabil înrădăcinată în realitatea americană de zi cu zi, încât poate fi ușor să trecem cu vederea cât de ciudat și neobișnuit este ca operă cinematografică. Motelurile, benzinăriile și marginile drumurilor în care se petrece o mare parte din film arată familiar, iar povestea pare că a mai fost spusă înainte: un copil cu puteri extraordinare, urmărit de agenți guvernamentali și de sectanți ai apocalipsei. Dar Nichols, înzestrat cu un ochi pentru spații goale și peisaje sugestive, creează ceva ambiguu, emoționant și, în cele din urmă, transcendent, riscând mult pe interpretări, conflicte interne nespuse și un final care pare să dezvăluie prea multe, dar nu prea. În frunte cu Michael Shannon, care a apărut în toate filmele lui Nichols, distribuția numeroasă este fantastică; deși Joel Edgerton a fost aclamat pentru rolul său din Loving al lui Nichols (lansat tot în acest an), interpretarea sa secundară laconică de aici este, fără îndoială, cea mai bună lucrare a sa.

17. Right Now, Wrong Then

Prolificul cineast coreean Hong Sang-soo nu a obținut niciodată nici măcar succesul moderat în SUA. al conaționalilor săi Bong Joon-ho (Snowpiercer) și Park Chan-wook (vezi #6), mai ales pentru că face filme mici, vorbărețe, în mare parte fără intrigă, despre bărbați bețivi și fără vlagă (aproape toți regizori de film și/sau scenariști – nimeni nu este mai ferm atașat de maxima „scrie ceea ce știi”). Right Now, Wrong Then nu se îndepărtează prea mult de șablon, dar este poate cel mai amuzant film pe care Hong l-a conceput până acum. În prima jumătate a filmului, relaxată și ușor de analizat, celebrul regizor de filme artistice (Jeong Jae-yeong) întâlnește o artistă în devenire (Kim Min-hee- din nou, vezi #6; joacă și în acest film) și nu reușește deloc să o seducă, în parte pentru că el se străduiește foarte mult. A doua jumătate, în ciuda faptului că este o reluare aproape scenă cu scenă a primei jumătăți, se abate curând de la povestea originală, deși nu neapărat din motivele sau în modul în care te-ai aștepta. Contingența comportamentală a fost rareori diagnosticată atât de acut sau de hilar; dacă acesta este, în esență, același film pe care Hong îl face întotdeauna, fie ca el să facă multe altele.

16. Vrăjitoarea

O carte de titlu de la început spune, în întregime, „The Witch: A New-England Folktale”. Din punct de vedere tehnic, de fapt, este The VVitch (Vrăjitoarea), cu doi „V” majusculi (mai mult sau mai puțin interschimbabili cu litera „U” de secole) în loc de „W” modern. Aceste detalii contează, pentru că debutul singular de înfiorător al lui Robert Eggers își trage o mare parte din putere din riguroasa acuratețe de epocă. Plasat la începutul secolului al XVII-lea, în mijlocul unei familii puritane care a fost exilată într-o existență solitară în pădure, filmul prezintă dialoguri preluate direct din jurnale și înregistrări judiciare ale epocii, creând un strat suplimentar de distanță care sporește sentimentul deja omniprezent de ciudățenie. Pentru cei care nu sunt deranjați de acest efect de înstrăinare, există, de asemenea, o vrăjitoare care răpește (și devorează) copii, așa cum promite titlul, alături de paranoia în creștere, multiple crize de credință, nebunie halucinantă (care culminează într-un șoc scurt, dar de neuitat) și o capră literalmente diabolică numită Black Phillip. În cele din urmă, The Witch pune o întrebare pe care unii au găsit-o iresponsabilă, dar care devine un combustibil de coșmar de primă mână: Ce se întâmplă dacă femeile care au fost spânzurate în Salem câteva decenii mai târziu au fost, într-o oarecare măsură, o profeție care se împlinește singură?

15. Everybody Wants Some

„Bros will be bros” sună ca o descriere destul de nocivă a oricărui film, chiar și a unei comedii de Richard Linklater. Dar în timp ce această frază se aplică în mod absolut la Everybody Wants Some al lui Linklater, de asemenea, face ca filmul să se simtă al naibii de aproape miraculos pentru modul în care recuperează comportamentul de tip dobitoc, competitiv, de tip care sparge mingi și îl face fermecător. Linklater îl urmărește pe bobocul Jake (Blake Jenner) în timp ce se obișnuiește cu viața într-o echipă de baseball de colegiu pe parcursul unui weekend, un interval de timp care – combinat cu decorul din 1980 – face din Everybody un final de carte potrivit pentru seminalul său Dazed And Confused. Dar are legături și cu alte filme ale sale, cum ar fi modul în care Linklater nu se poate abține să nu-l trimită pe Jake într-o versiune în miniatură a unei situații de tipul Before Sunrise cu Beverly (Zoey Deutch), o fată de la teatru pe care o întâlnește din întâmplare. Cu câteva recunoașteri despre cât de trecătoare pot fi aceste momente, Linklater continuă, după trilogia Before Sunrise și după Boyhood, să examineze trecerea timpului, chiar și atunci când surprinde actul de a trăi clipa.

14. The Fits

Filmul de debut al scenaristei și regizoarei Anna Rose Holmer este parțial un poem tonic despre maturitate și parțial un exercițiu de artă-horror profund metaforic, dar în cea mai mare parte este propriul său lucru ciudat și minunat, pe cât de neclasificabil, pe atât de frumos. Actrița preadolescentă Royalty Hightower joacă rolul unui tomboy care se îndrăgostește de trupa de dans premiată de la centrul ei comunitar din Cincinnati, la care se alătură chiar în momentul în care colegii ei sunt răpuși de spasme inexplicabile. S-a stricat ceva în mediul înconjurător? Sau toată această ciudățenie este doar o expresie a înstrăinării eroinei față de celelalte fete, care par să știe mult mai multe decât ea despre cum să vorbească între ele și cum să arate frumos? Holmer nu oferă niciodată un răspuns definitiv cu privire la ceea ce înseamnă The Fits. Pur și simplu se ține aproape de o puștoaică care încearcă să înțeleagă singură totul și ne lasă să vedem și să simțim împreună cu ea.

13. Silence

Silence poartă greutatea istoriei, atât cea a călătoriei sale de zeci de ani până la ecran, cât și cea a evenimentelor oribile descrise în ea. Dar acolo unde unii regizori ar transforma scenele în care creștinii sunt torturați și executați într-un spectacol la limita pornografiei, Martin Scorsese, catolic în conflict, poartă în liniște povara suferinței lor. Cea mai grea dintre toate este tăcerea din titlu – golul îngrozitor al rugăciunilor fără răspuns care îl cuprinde pe părintele iezuit Rodrigues (Andrew Garfield), preotul iezuit, în timp ce credința sa este pusă la încercare de nenumărate ori. Călătorind în Japonia în căutarea mentorului lor (Liam Neeson), despre care se zvonește că a renegat creștinismul și și-a luat o soție japoneză, Rodrigues și colegul său iezuit, părintele Garrpe (Adam Driver), se confruntă cu o sărăcie abjectă și cu un guvern opresiv care îi condamnă pe creștini să trăiască în frică – circumstanțe disperate despre care părinții cred că pot fi îmbunătățite doar prin credința în Dumnezeu. Practic lipsit de relief comic și persistent sumbru, Silence nu este un film distractiv de urmărit. Dar este unul puternic.

12. American Honey

Andrea Arnold prezintă o viziune dinamică a Americii tinere și ciudate în American Honey, un road movie expansiv care își croiește drum din fundături suburbane bogate până în parcuri de rulote afectate de sărăcie, într-o călătorie prin țară. Proaspăta debutantă Sasha Lane joacă rolul lui Star, o adolescentă impulsivă care își abandonează viața abuzivă de acasă pentru a vinde reviste din oraș în oraș și din ușă în ușă cu niște inadaptați pe care îi întâlnește dansând pe ritm de Rihanna în mijlocul Kmart-ului, printre care se numără și Jake (Shia LaBeouf), un bărbat cu inimă de șobolan cu coadă de șobolan. Conducând pe autostrăzile aride ale Americii din statele roșii într-o furgonetă cu panouri albe, puștii își spun poveștile între înghițituri de vodcă și fumatul unui joint omniprezent, fiecare dintre ei fiind un bloc în covorul de petice al clasei defavorizate din SUA. Arnold le permite actorilor săi – dintre care mulți au fost recrutați de pe stradă – să improvizeze scene organice, liber construite, care dau un aer de documentar aventurilor lor. Luați estetica unui film al lui Harmony Korine, dar înlocuiți nihilismul cu o umanitate fără margini, și veți fi aproape de a înțelege farmecul sălbatic al lui American Honey.

11. Elle

„Rușinea nu este o emoție suficient de puternică pentru a ne împiedica să facem absolut orice.” Cu Elle în limba franceză, Paul Verhoeven, artizanul subversiv definitoriu al cinematografiei, a revenit la lungmetraje după o pauză de un deceniu și a livrat ceea ce este, fără îndoială, cel mai întunecat și mai caustic film al său. Într-una dintre cele mai bune interpretări ale sale, Isabelle Huppert interpretează rolul unei femei de afaceri bogate și de succes, care este violată de un intrus necunoscut și care alege să se răzbune în propriile condiții. Elle refuză să recunoască orice contradicție sau victimă în antieroina sa feministă; geloasă, autoritară și masochistă, ea întruchipează aproape toate stereotipurile negative folosite vreodată pentru a raționaliza misoginismul și violența sexuală. În perioada sa hollywoodiană, Verhoeven a făcut blockbustere cu efecte speciale mai bine decât aproape oricine altcineva; aici, el răsucește clasicul thriller burghez francez (gândiți-vă la Claude Chabrol de la mijlocul perioadei) într-o satiră socială suprarealistă care este palpitant de imprevizibilă și neagră ca smoala.

10. The Lobster

Într-o bizară distopie a viitorului apropiat, David, recent divorțat (Colin Farrell, distribuit foarte eficient împotriva tipului), este trimis într-un complex de la malul mării plin de adulți singuri pentru a-și găsi un nou partener în 45 de zile sau pentru a fi transformat în animalul pe care îl alege. Perfecționându-și stilul său de comedie absurdă și lipsită de perdea, regizorul grec Yorgos Lanthimos (Dogtooth) introduce noi reguli, activități și pedepse macabre la fiecare pas: Potrivirile se fac pe baza unor asemănări arbitrare; cuplurilor de probă li se atribuie copii; iar prelungirile de timp pot fi câștigate prin vânarea unor burlaci renegați care trăiesc în pădure și ascultă doar muzică electronică. Mai mult decât o parodie ingenioasă a cuplurilor lipsite de sens, The Lobster devine mai profundă pe măsură ce pătrunde tot mai mult în lumea sa ciudată și crudă, ajungând la un final care se întreabă dacă doi oameni se pot iubi în orice condiții, cu excepția celor care le sunt impuse de societate.

9. Paterson

Ce-ar fi dacă ar exista un șofer de autobuz… care să scrie poezii?! În linia de logare a lui Paterson, acesta sună vag, ca și cum ar trebui să fim cu toții surprinși de faptul că în interiorul unui angajat al transportului public se ascunde o persoană creativă. Dar orice iz de condescendență dispare în primele minute ale comediei sublim de relaxare a lui Jim Jarmusch, care crede cu mare sinceritate în virtuțile – și integritatea – vieții obișnuite. Desfășurându-se pe parcursul unei singure săptămâni, Paterson îl urmărește pe titularul său din New Jersey (Adam Driver, care găsește notele de grație în eufemismul extrem) în timp ce se duce la serviciu, își petrece timpul cu prietena sa artistă și nebună (Golshifteh Farahani), face vizite nocturne la un bar local și își găsește timp liber pentru a mâzgăli câte o strofă. Frumusețea filmului constă nu doar în ritmul său blând de zi cu zi, ci și în concepția sa despre procesul artistic al lui Paterson – sugestia că acesta găsește inspirație în fiecare persoană, situație și detaliu interesant pe care îl întâlnește. Pentru Jarmusch, ambasadorul îmbătrânit al răcelii, acesta este un punct culminant Zen: cel mai înțelept, cel mai amuzant și cel mai bun lucru al său.

8. Toni Erdmann

Am trișat un pic aici, aruncând două filme într-un singur loc. Unul dintre ele este o dramă de artă incisivă, sobră, uneori deznădăjduită, despre epuizarea luptei cu sexismul corporatist. Celălalt este opusul său polar opus: o comedie prostească, degajată, despre un tată glumeț care încearcă să o înveselească pe fiica sa încordată și dependentă de muncă. Am justificat însă asocierea lor, pe motiv că ambele sunt regizate de aceeași femeie (regizoarea germană Maren Ade), au aceiași actori care interpretează aceleași personaje în cadrul aceleiași narațiuni și au fost montate împreună fără probleme într-o epopee serioasă și comică de aproape trei ore. Cu alte cuvinte, Toni Erdmann (care va avea premiera la New York și Los Angeles în ziua de Crăciun, urmând ca și în alte orașe să se lanseze în alte orașe) prezintă o gamă de tonalități care rivalizează cu gama vocală a lui Mariah Carey… deși Whitney Houston este cea care inspiră cea mai memorabilă piesă de decor a filmului. Niciun aspect al comportamentului uman nu este prea banal pentru ca Ade să îl transforme într-un moment sfâșietor, absurd sau cumva simultan sfâșietor și absurd. Acesta este mashup-ul Rainer Werner Fassbinder/Adam Sandler pe care nici măcar nu bănuiai că ți-l doreai.

7. Arrival

Există vreun actor de cinema cu o față mai expresiv reactivă decât Amy Adams? Ea poate fi convingătoare pur și simplu citind o nuvelă deocheată în Nocturnal Animals sau, ca în minunatul Arrival, nedumerindu-se cum să decodifice o limbă extraterestră în timp ce se luptă cu propria percepție a memoriei și a timpului. Demonstrațiile de emoție grijulii și lipsite de ostentație ale lui Adams o fac să fie perfectă pentru echilibrul dintre proceduralul pulp și seriozitatea artistică cu care Denis Villeneuve se chinuie de la debutul său american, Prisoners. Acest amestec atinge o alchimie perfectă în timpul filmului Arrival (Sosire), care urmărește un personaj – expertul lingvist al lui Adams – care, probabil, ar oferi o expunere fără importanță în orice alt film SF mai puțin important. Că tot veni vorba: La începutul acestui an, entuziasmul pentru invazia extraterestră s-a prăbușit cu continuarea nedorită Independence Day: Resurgence. Arrival, cu cinematografia sa umedă de toamnă și cârligele emoționale frumoase, dar neforțate, pare a fi adevărata resurgență.

6. The Handmaiden

Park Chan-Wook atinge rangul de maestru al cinematografiei cu The Handmaiden, care transportă Fingersmith, romanul lui Sarah Waters despre identități ascunse și pasiune lesbiană, în Coreea de Sud a anilor 1930, adăugând în acest proces o mulțime de suspans hitchcockian. Filmat somptuos, cu o formalitate fetișistă care amintește de The Duke Of Burgundy de anul trecut, Park creează o experiență senzuală la fel de luxuriantă ca mușcatul unei piersici prea coapte și la fel de perversă ca o pereche de mănuși de piele care te mângâie ușor pe ceafă. Kim Tae-ri joacă rolul lui Sook-hee, o tânără hoață de buzunare care este angajată să lucreze pentru o nobilă japoneză aparent protejată, Lady Hideko (Kim Min-hee); planul este ca Sook-hee să-l ajute pe contele Fujiwara (Ha Jung-woo) – care, în realitate, nu este nici conte, nici japonez – să o înșele pe Lady Hideko și să-i fure averea. Dar, pe măsură ce triunghiul lor amoros devine din ce în ce mai complicat, devine clar că Lady Hideko nu este atât de naivă pe cât pare. Interpretările remarcabile ale personajelor principale feminine poartă filmul prin răsturnările sale amețitoare de situație, subînsuflețite de o dungă răutăcioasă de comedie neagră și de o credință neașteptată în puterea iubirii adevărate.

5. Hell Or High Water

O viziune a Vestului modern care se situează pe un loc de frunte cu No Country For Old Men (Nicio țară pentru bătrâni), filmul excentric, amuzant și elementar Hell Or High Water (Iadul sau ape înalte) a reprezentat o descoperire improbabilă pentru talentatul regizor scoțian David Mackenzie (Young Adam, Starred Up). Doi frați jefuitori de bănci sunt urmăriți de câțiva oameni ai legii printr-un peisaj presărat cu incendii și executări silite. Amintind de zilele creative și sălbatice ale cinematografiei americane din anii 1970, regia lui Mackenzie găsește un echilibru perfect între atmosfera relaxată și excentricitatea decorului din vestul Texasului și tensiunea și disperarea personajelor; cadrele sale lungi plasează spectatorii în momentul de față și nu par niciodată ostentative. Scenariul (semnat de Taylor Sheridan de la Sicario) a primit laude binemeritate pentru dialogul său, dar este la fel de impresionant pentru structura bogat romanțată pe care o conferă unei povești destul de simple despre crimă și urmărire. Plin de ocolișuri evocatoare, de personaje secundare memorabile și de reminiscențe puternice ale moștenirii Vestului în materie de furt și exploatare, filmul se construiește până la un epilog care și-a meritat cu prisosință locul pe lista noastră cu cele mai bune scene ale anului. Și nici măcar nu am menționat distribuția.

4. La La Land

O mulțime de musicaluri de film moderne, originale, sunt la fel de mult legate de sentimentul înaintașilor lor ca orice altceva. Acest lucru este oarecum adevărat în cazul filmului La La Land al lui Damien Chazelle, cu raportul de aspect CinemaScope (cu tot cu cartea de titlu asemănătoare cu cea a lui Tarantino), culori luxuriante și visătoare de 35 mm, trimiteri vizuale la Singin’ In The Rain și o coda care amintește de The Umbrellas Of Cherbourg. Dar Chazelle reușește ceva atât de complicat încât pare magic: face ca aceste pietre de hotar să fie ale sale, cu Emma Stone și Ryan Gosling oferind un cocktail de farmec de star de cinema și regrete din lumea reală în rolul a doi artiști aspiranți (un jazzman, o actriță) care se îndrăgostesc și își găsesc vocea. În ciuda referințelor, La La La Land nu seamănă în mod deosebit cu Rain sau Cherbourg; prin interesul său pentru costurile și gloriile ambiției artistice, este un companion efervescent pentru Whiplash, filmul palpitant și brusc al lui Chazelle. În mod corespunzător, cadrele lungi din secvențele muzicale nu sunt acolo pentru ca publicul să poată „vedea dansul”, așa cum spune vechiul clișeu, ci pentru a arunca o vrajă: Mișcările neîntrerupte ale camerei, oricât de conștiente ar fi, fac ca filmul să fie mai oniric. Chiar și atunci când povestea devine dureros de melancolică, este un vis din care s-ar putea să nu vrei să te trezești.

3. Green Room

Există un moment în Green Room care nu reușește niciodată să trimită un oftat colectiv în orice sufragerie sau sală de cinema. Este cel care implică un cutter, o burtă expusă și punctul de neîntoarcere pentru eroii săi disperați, o trupă hardcore ascunsă în culisele unui local de concerte din pădure, în timp ce skinheads violenți se învârt ca niște rechini de cealaltă parte a ușii. Plasându-și băieții buni în interior și băieții răi în exterior, ca un remake punk-rock al filmului Assault On Precinct 13, thrillerul indie de o intensitate infernală al lui Jeremy Saulnier nu are milă față de personajele sale sau față de public. Faptul că acest haos ingenios pare atât înfiorător de relevant, cât și la limita catharticului, are totul de-a face cu spaima de actualitate a lui Green Room – apariția sa, în noua noastră epocă a haterilor încurajați politic, ca un film zeitgeist accidental. Ceea ce înseamnă că, chiar dacă nu ai stomac pentru carnagiu, este întunecat de satisfăcător – aici, acum și întotdeauna – să vezi cum naziștii primesc spintecarea pe care o merită.

2. Lumina lunii

În sensul cel mai larg, Moonlight ar putea fi numit un film „despre a fi negru” sau „despre a fi gay” sau chiar „despre a fi crescut în cartierul Liberty City din Miami, devastat de droguri”. Dar scenaristul și regizorul Barry Jenkins tratează identitatea mai degrabă ca pe o prismă decât ca pe o lentilă în adaptarea sa a piesei neproduse a lui Tarell Alvin McCraney, In Moonlight Black Boys Look Blue. În trei viniete obsedante, plasate la ani distanță, Jenkins examinează impulsurile și influențele complicate din interiorul unui tânăr, Chiron, în timp ce un drogat prietenos (interpretat minunat de Mahershala Ali) îi oferă puștiului o îndrumare, iar un coleg de clasă afectuos îl ajută să-și trezească sexualitatea. De la un moment la altul, Moonlight este la scară mică. Dar diversele sale ecouri și trimiteri se unesc într-un portret uneori dulce, alteori sfâșietor, al unei persoane care ezită să își articuleze dorințele.

1. Manchester By The Sea

Oricât de greu a fost anul 2016, este un pariu bun că ce a fost mai rău nu se poate compara cu ceea ce îl roade pe Lee Chandler, omul de serviciu retras din Boston pe care Casey Affleck îl interpretează în Manchester By The Sea. Lee s-a întors în orașul său natal de la malul mării pentru a-și îngropa fratele mai mare, iar acesta este doar vârful icebergului traumatic pentru acest om distrus, a cărui istorie devastatoare atârnă deasupra evenimentelor din film ca un nor de furtună deasupra apei din Massachusetts. Dar, cu toată durerea sufletească pe care o pompează prin el, ambițiosul al treilea lungmetraj al lui Kenneth Lonergan nu este o tărășenie mizerabilă: Ancorat de cea mai bună interpretare din carieră a lui Affleck, care reușește performanța herculeană de a face ca indisponibilitatea emoțională să fie convingătoare, Manchester By The Sea este adesea la fel de amuzant pe cât este de sfâșietor. Ceea ce îl face să fie filmul nostru preferat într-un an excepțional pentru ele este modul în care Lonergan, dramaturgul devenit cineast în spatele filmelor Margaret și You Can Count On Me, reușește să pună bazele unei tragedii familiale de proporții uluitoare în rahatul cotidian al vieții de zi cu zi. Chiar și atunci când tinde spre operă, el menține accentul pe micile neajunsuri umane: un telefon mobil care se declanșează la o înmormântare; o mașină parcată cine știe unde; un adolescent (Lucas Hedges, în ceea ce ar trebui să fie un rol de vedetă) al cărui proces de doliu nu este mai preocupant decât încercările sale disperate de a petrece ceva timp singur cu prietena sa. Într-un an pe care mulți abia așteptau să-l termine, Manchester By The Sea a susținut nu că totul va fi bine la final – pentru unii, cu siguranță nu va fi – ci că oamenii din viața ta sunt motivul pentru care trebuie să continui să lupți, chiar și atunci când speranța pare pierdută. Acum, poate mai mult ca oricând, aceasta este o compasiune pe care o putem folosi.

.