Arshile Gorki

În 1922, Gorki s-a înscris la New School of Design din Boston, devenind în cele din urmă instructor cu jumătate de normă. La începutul anilor 1920 a fost influențat de impresionism, deși mai târziu în deceniu a realizat lucrări mai degrabă postimpresioniste. În această perioadă a locuit la New York și a fost influențat de Paul Cézanne. În 1925 a fost rugat de Edmund Greacen de la Grand Central Art Galleries să predea la Grand Central School of Art; Gorki a acceptat și a rămas cu ei până în 1931. În 1927, Gorki a cunoscut-o pe Ethel Kremer Schwabacher, cu care a legat o prietenie care a durat toată viața. Schwabacher a fost primul său biograf. Gorki a spus:

Materia de gândire este sămânța artistului. Visele formează periile pensulei artistului. Așa cum ochiul funcționează ca santinelă a creierului, eu comunic prin artă cele mai intime percepții ale mele, viziunea mea despre lume.

În 1931, Gorki a trimis un grup de lucrări cu prețuri cuprinse între 100 și 450 de dolari la Downtown Gallery din New York. (Numele artistului a fost ortografiat „Archele Gorki” în registrele galeriei. Cele mai multe dintre lucrările lui Gorki din această perioadă erau nesemnate). Natura exactă a relației lor este necunoscută. Doamna John D. Rockefeller (Abby Aldrich Rockefeller) a cumpărat de la galerie o natură moartă cezaniană a lui Gorki intitulată Fructe. Este posibil ca Gorki să fi fost prezentat proprietarului galeriei de către Stuart Davis, care expunea în mod regulat acolo.

În 1933, Arshile Gorki a devenit unul dintre primii artiști angajați de către Works Progress Administration Federal Art Project. Acesta a ajuns mai târziu să includă artiști precum Alice Neel, Lee Krasner, Jackson Pollock, Diego Rivera și Mark Rothko.

În 1935, Gorki a semnat un contract pe trei ani cu Guild Art Gallery (37 West Fifty-seventh Street, New York). Deținută în coproprietate de Anna Walinska și Margaret Lefranc, dar finanțată și condusă de Lefranc, galeria a organizat prima expoziție personală a artistului la New York, Abstract Drawings by Arshile Gorky.

Picturi notabile din această perioadă includ Landscape in the Manner of Cézanne (1927) și Landscape, Staten Island (1927-1928). La sfârșitul anilor 1920 și în anii 1930 a experimentat cu cubismul, trecând în cele din urmă la suprarealism. Tabloul ilustrat mai sus, The Artist and His Mother, (cca. 1926-1936) este un portret memorabil, emoționant și inovator. Picturile sale The Artist and His Mother (Artistul și mama sa) se bazează pe o fotografie din copilărie, făcută în Van, în care este înfățișat stând alături de mama sa. Gorki a realizat două versiuni; cealaltă se află la Galeria Națională de Artă din Washington, DC… Tabloul a fost asemănat cu Ingres pentru simplitatea liniei și netezimea liniei, cu arta funerară egipteană pentru postură, cu Cézanne pentru compoziția plană și plană, cu Picasso pentru formă și culoare.

Noaptea, Enigma, Nostalgia (1930-1934) sunt seria de lucrări complexe care caracterizează această fază a picturii sale. Pânza Portret al maestrului Bill pare să îl înfățișeze pe prietenul lui Gorki, Willem de Kooning. De Kooning a spus: „Am întâlnit o mulțime de artiști – dar apoi l-am întâlnit pe Gorki … Avea un dar extraordinar de a da lovitura; remarcabil. Așa că m-am atașat imediat de el și am devenit foarte buni prieteni. A fost plăcut să fim străini care se întâlneau într-un loc nou.” Cu toate acestea, publicații recente contrazic afirmația potrivit căreia tabloul este al lui de Kooning, ci este de fapt portretul unui tâmplar suedez pe care Gorky îl numea Maestrul Bill și care a lucrat pentru el în schimbul faptului că Gorky îi dădea lecții de artă.

Când Gorki i-a arătat noua sa lucrare lui André Breton în anii 1940, după ce a văzut noile tablouri și în special „Ficatul este pieptenele cocoșului”, Breton a declarat că tabloul este „una dintre cele mai importante picturi realizate în America” și a afirmat că Gorki era un suprarealist, ceea ce a fost cel mai mare compliment al lui Breton. Tabloul a fost prezentat în ultima expoziție a suprarealiștilor la Galérie Maeght din Paris în 1947.

Michael Auping, curator la Muzeul de Artă Modernă din Fort Worth, a văzut în lucrare o „dramă sexuală tensionată” combinată cu aluzii nostalgice la trecutul armean al lui Gorki. Lucrarea din 1944 arată ieșirea lui Gorki din anii 1940 de sub influența lui Cézanne și Picasso spre un stil propriu și este poate cea mai mare lucrare a sa. Are o înălțime de peste doi metri și o lățime de doi metri și jumătate și descrie „un peisaj abstract plin de penaje apoase de culoare semitransparentă care se unesc în jurul unor forme țepoase, asemănătoare spinilor, pictate în linii negre subțiri și ascuțite, ca și cum ar sugera ciocuri și gheare.”

.