Blog Home
May 2, 2016
Pablo Picasso, ojciec kubizmu, był znany ze swojego zapału do ewolucji. Po wynalezieniu kubizmu analitycznego w 1907 roku, łatwo mógł po prostu kontynuować malowanie w tym stylu przez dziesięciolecia i nadal bogacić się i zdobywać sławę. Ale zamiast tego eksperymentował, przyczyniając się do wynalezienia tego, co stało się znane jako kubizm syntetyczny w 1911 roku poprzez dodanie do kubizmu analitycznego rozszerzonej palety kolorów, nowych faktur, prostszych kształtów, nowych materiałów oraz poprzez uproszczenie użycia punktu widzenia i płaszczyzny. Od momentu wynalezienia do około 1920 roku, kubizm syntetyczny był uważany za szczyt awangardy. Rozszerzył zakres sposobów, w jakie malarze mogli badać rzeczywistość i przyczynił się do powstania dadaistów, surrealistów, a nawet pop-artu.
Kubizm syntetyczny w 200 słowach
Kubizm syntetyczny wynikał z odejścia od tych właśnie technik, w próbie stworzenia czegoś jeszcze bardziej realnego. Picasso, Braque i malarz Juan Gris dodali do swoich dzieł żywą gamę kolorów, ponownie wprowadzili głębię i zmniejszyli liczbę jednoczesnych perspektyw i płaszczyzn w swoich obrazach. Co najważniejsze, w celu nadania ostatecznego poczucia rzeczywistości do swoich obrazów, zaczęli dodawać papier, tkaniny, papier gazetowy, tekst, a nawet piasek i brud do swoich prac, starając się przynieść całkowite poczucie istoty ich przedmiotu w grze.
Pablo Picasso – Martwa natura z obiciem krzesła, 1912, olej na płótnie olejnym obciągniętym liną, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paryż, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Nowe materiały i techniki
W 1912 roku Picasso stworzył dzieło sztuki, które jest uważane za pierwszy przykład kolażu i definiujący przykład kubizmu syntetycznego: Martwa natura z krzesłem-kanapą. Dzieło jest kubistycznym przedstawieniem kawiarnianego stolika, na którym znajdują się wybrane produkty spożywcze, gazeta i napój. Oprócz tradycyjnych środków wyrazu, Picasso dodał do powierzchni obrazu fragment wiklinowego obicia krzesła, które tradycyjnie znajdowało się na kawiarnianych krzesłach. Ten pozornie błahy dodatek miał ogromne konsekwencje dla sztuki nowoczesnej. Zamiast malować krzesło, część krzesła została umieszczona na obrazie. Zamiast pokazywać coś z wielu perspektyw, aby wydawało się prawdziwe, Picasso po prostu umieścił rzeczywistą rzecz, lub przynajmniej jej część, bezpośrednio na dziele.
Picasso dodał również tekst do tego dzieła, pisząc litery „JOU” na części powierzchni. To słowo „Jou” dosłownie można przetłumaczyć jako „gra” w języku francuskim, fakt, który przyczynił się do poczucia wielu ludzi mają, że Picasso zamierzał Synthetic Cubism dodać poczucie frywolności z powrotem do sztuki po akademickim powagi Analytic Cubism. Jednak „JOU” może być również łatwo zamierzone jako pierwsza część francuskiego terminu dla gazety codziennej, lub dziennik, odniesienie do fragmentu gazety widoczne w picture.
Chociaż osiągnął pierwszy przez dodanie, że trochę krzesło-caning do jego pracy, Picasso nie był pierwszym kubista dodać tekst do obrazu. W 1911 roku Georges Braque stworzył dzieło zatytułowane Portugalczyk, które było pierwszym kubistycznym dziełem wprowadzającym liternictwo. Zarówno w pierwszym kolażu Picassa, jak i w pierwszym tekstowym dziele Braque’a widać odejście od poważnej i nadmiernie złożonej natury niektórych z późniejszych prac analitycznych kubistów. W obrazach tych jest kapryśna prostota. Perspektywy są uproszczone, a obrazy stają się niemal zabawne, podobne do antropomorficznych wizerunków w obrazach reklamowych.
Georges Braques – The Portuguese, 1911, olej na płótnie, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paryż, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
W 1912 roku Braque przełamałby nowe granice jeszcze co najmniej dwa razy. W tym roku stał się pierwszym malarzem kubistycznym, który dodał do obrazu piasek, aby nadać mu głębię i fakturę, a także jako pierwszy zastosował technikę zwaną papier colles, która polega na naklejaniu na powierzchnię wyciętych kawałków papieru. Obie te techniki zostały wykorzystane w jego pracy zatytułowanej Owocowy talerz i szklanka. W tym obrazie zastosował wycięte kawałki tapety bezpośrednio do powierzchni, a następnie cieniowane kawałek za pomocą farby wypełnione piaskiem, dodając głębię i teksturę do image.
Braque również zawarte tekst w tym dziele, używając jasno zdefiniowane i łatwo czytelne słowa „Ale” i „Bar”. Słowa te wyzwanie do linii oddzielających obraz reklamowy i tak zwanej sztuki wysokiej. Kombinacja wszystkich tych trzech technik ostatecznie okazała się mieć duży wpływ na dadaistów, którzy w dużej mierze polegali na kolażu i tekście, aby zmylić i zaciemnić pozorne znaczenia w swoich pracach i zakwestionować burżuazyjne pojęcia sztuki.
Georges Braque – Fruit Dish and Glass, 1912, 62.9 × 45.7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Plany, kształty, punkty widokowe i kolory
Artystą najbardziej odpowiedzialnym za wprowadzenie żywych kolorów do kubizmu syntetycznego był hiszpański malarz kubistyczny Juan Gris. Gris wykorzystał również znacznie uproszczony język wizualny, który doskonale demonstruje zredukowaną liczbę punktów widzenia oraz uproszczone użycie form i płaszczyzn, które definiują kubizm syntetyczny. W pracy Grisa „Gazeta i półmisek na owoce” widzimy wszystkie te elementy w grze. W tym samym obrazie możemy również dostrzec wiele powodów, dla których Kubizm Syntetyczny jest często postrzegany jako prekursor Pop Artu.
Nie chodzi tylko o to, że Kubiści Syntetyczni bawili się pojęciami zatartej granicy między sztuką niską i wysoką oraz sztuką i reklamą. Ten obraz również w zadziwiający sposób przywołuje kropki Ben-Day Roya Lichtensteina i wydaje się niemal identycznie zapowiadać powtórzenia, rozmieszczenie obrazów i paletę kolorów Bawoła II Roberta Rauschenberga.
Robert Rauschenberg – Bawół II, 1964, olej i tusz sitodrukowy na płótnie. 96 x 72 in (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licensed by VAGA at Artists Right Society (ARS), New York
Wcześniejsze obrazy analitycznych kubistów zawierały tak wiele różnych punktów widzenia, że złożoność obrazów stała się prawie niemożliwa do rozwikłania. Ich tematyka wydawała się wyabstrahowana do tego stopnia, że była nierozpoznawalna: każdy punkt widzenia był reprezentowany przez oddzielne figury geometryczne na oddzielnej płaszczyźnie, a każda płaszczyzna wydawała się ułożona na szczycie innych, a następnie ponownie spłaszczona. A geometryczne kształty wykorzystywane w obrazach analitycznych kubistów wydawały się czasem niemal przezroczyste. Malowane były w sposób, który demonstrował szybkość, wibrację i ruch. Reprezentowały różne pory dnia, różne oświetlenie i różne punkty widzenia.
Juan Gris – Gazeta i naczynie z owocami, 1916, olej na płótnie. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork
Dodając żywą paletę kolorów z powrotem do kubistycznych obrazów, Juan Gris nadał stylowi poczucie zabawy i ekscytacji, którego brakowało tym wcześniejszym kubistycznym dziełom. A uproszczone słownictwo wizualne Gris’a przedstawiło koncepcję, że kubizm może osiągnąć swoje cele w prosty, uproszczony i estetycznie przyjemny sposób. W obrazie „Skrzypce” Gris zastosował absolutne minimum punktów widzenia, kształtów i płaszczyzn, aby nadal można go było uznać za dzieło kubistyczne. Powstały obraz wydaje się bardziej przykładem sugestii kubizmu niż jego rygorystycznej definicji.
Juan Gris – The Violin, 1916, olej na trójwarstwowym panelu, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basel
Synthetic: Another Word For Fake?
Dodając do swoich obrazów pismo i kawałki przedmiotów codziennego użytku, Picasso, Braque i Gris dążyli do połączenia się z powiększonym poczuciem realności swoich przedmiotów. Ale dodając te sztuczne elementy do swoich dzieł, tworzyli również coś, co było ewidentnie nierealne i niepodobne do żadnego z kubistycznych dzieł sztuki, które powstały wcześniej. Czasami malowali nawet formy przypominające kolaż, przeplatając w tym samym dziele elementy kolażu naśladujące kolaż z prawdziwymi elementami kolażu. Ten nowy styl został nazwany Synthetic Cubism właśnie z tego powodu, ze względu na sztuczny charakter technik stosowanych w stosunku do powagi kubistycznych prac, które przyszły wcześniej.
Synthetic Cubism był bardziej symboliczny niż Analytical Cubism. Nie dążył do osiągnięcia podwyższonego widoku czterowymiarowej rzeczywistości. Dążył raczej do uzyskania aluzji do rzeczywistości, ale w sposób zniekształcony. To była transformacja, która przyczyniła się ogromnie do teorii i badań wokół Surrealism.
Synthetic Cubism również zakwestionował różnice między malarstwa i rzeźby. Zamiast rozbijać obraz na części, a następnie składać go ponownie z różnych perspektyw, Kubizm Syntetyczny składał obraz, budując go z płaskiej powierzchni w wielowarstwowy obiekt, jak trójwymiarowy obiekt spoczywający na dwuwymiarowej powierzchni. Na wszystkie te sposoby, Syntetyczny Kubizm podchodził do swoich osiągnięć poprzez jasny i zamierzony paradoks: tworząc prace, które były coraz bardziej fałszywe, osiągali coś coraz bardziej realnego.
.