Color Field paintingは、ポスト・ペインターリー・アブストラクション、シュプレマティズム、抽象表現主義、ハード・エッジ・ペインティング、リリカル・アブストラクションに関連しています。 当初は、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、ロバート・マザーウェル、アドルフ・ゴットリーブの作品や、ジョアン・ミロの一連の絵画など、特定のタイプの抽象表現主義を指しました。 美術評論家のクレメント・グリーンバーグは、カラーフィールド・ペインティングをアクション・ペインティングと関連はあるが別物であると認識していました。 カラーフィールド・ペインティングは、芸術から余分なレトリックを排除しようとしたのです。 バーネット・ニューマン、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、アドルフ・ゴットリーブ、モリス・ルイス、ジュール・オリツキ、ケネス・ノーランド、フリーデル・デュバス、フランク・ステラなどのアーティストたちは、しばしば大幅に縮小したフォーマットを用い、描画は基本的に反復的で規則的なシステム、自然への基本的参照、非常に明確かつ心理的な色使いへと単純化されています。 一般に、これらのアーティストたちは、あからさまに認識できるイメージを排除し、抽象的な表現を優先させた。 中には、過去や現在の芸術を引用している作家もいますが、一般的にカラーフィールドペインティングは、それ自体が目的であるような抽象的な表現をしています。 ジャクソン・ポロックやウィレム・デ・クーニングのような抽象表現主義者の感情的なエネルギーや身振り手振りの表面的なマークや絵具の扱いとは対照的に、カラーフィールドは当初クールで厳格なものに思われた。 カラーフィールドペインティングの画家たちは、個々のマークを消し去り、大きく、平坦で、汚れたり染み込んだりした色の領域を優先し、キャンバスの実際の形とともに視覚的抽象化の本質と考えられており、特にフランク・ステラは、曲線と直線を組み合わせた珍しい方法でそれを達成しました。 しかし、カラーフィールド・ペインティングは、ジェスチャー的な抽象表現主義とは異なる方法で、感覚的で深い表現力を持つことが証明されている。 マーク・ロスコは1956年、抽象表現主義や他の芸術運動との関係を否定し、自身の絵画について次のように語っています。 私は色や形やその他のものの関係には興味がない。 … 悲劇、恍惚、破滅など、人間の基本的な感情を表現することだけに興味がある。私の絵に直面したとき、多くの人々が脱力したり泣いたりするという事実は、私がそうした人間の基本的な感情を伝えていることを示している。 … 私の絵の前で涙を流す人々は、私が絵を描いたときと同じ宗教的体験をしているのです。 そして、もしあなたが言うように、その色彩関係だけに感動するのなら、それは的外れです！
Stain paintingEdit
Joan Miróは最初のそして最も成功した染色画家の一人であった。 油彩によるステインは、長期的には綿キャンバスにとって危険なものと考えられていたが、1920年代、1930年代、1940年代におけるミロの例は、若い世代にインスピレーションと影響を与えるものであった。 カラーフィールド運動が成功した理由のひとつは、ステイニングという技法にあります。 バケツやコーヒー缶の中で絵の具を混ぜて薄め、流動性のある液体を作り、それを下地のない生のキャンバス（一般にはコットンダック）に流し込むのです。 絵の具は、ブラシで塗ったり、転がしたり、投げたり、注いだり、吹き付けたりして、キャンバスの布地に染み込ませていきます。 一般的には、絵の具を塗りながら、形や面積を描いていきます。 多くのアーティストがステイニングを絵画制作の技法として採用しました。 ジェームズ・ブルックス、ジャクソン・ポロック、ヘレン・フランケンサーラー、モリス・ルイス、ポール・ジェンキンス、その他多くの画家たちは、流し込むことや染めることが、新しい方法で意味を表現する画期的な方法への扉を開くことを発見したのです。 1960年代には、アクリル絵の具が入手可能になり、ステインを行うアーティストが大幅に増えました。 1970 年、アーティストであるヘレン・フランケンサーラーは、ステイニングの使用について次のようにコメントしています。
私が最初にステイン絵画を始めたとき、キャンバスの広い領域を塗らずに残しておいた。 つまり、地そのものがメディウムの一部であり、背景やネガティブスペース、何もない場所と考えるのではなく、隣に絵の具があるからその部分は描く必要がないのです。 どこを残し、どこを埋めるか、そして、これにはもう線も色のペール缶も必要ない、と言える場所を決めることでした。
Spray painting編集部
1960 年代と 1970 年代にキャンバス全体にスプレーされた色の大きな広がりとフィールドを作成するためにスプレーガン技術を使用したアーティストは驚くほど少ない。 スプレーペインティングの技法を効果的に使った画家には、ジュール・オリツキがおり、彼は大きな絵画を異なる色の層で次々と覆い、しばしば色相や価値を微妙に変化させるスプレー技法のパイオニアであったといえるでしょう。 もうひとつの重要な革新は、ダン・クリステンセンがスプレーの技法を用いて、鮮やかな色の輪やリボンを大規模な絵画全体にはっきりとした書道のようなマークで吹き付け、大きな効果を上げたことである。 ウィリアム・ペテット、リチャード・サバ、アルバート・スタドラーは、この技法を使って大規模な多色刷りのフィールドを作り、ケネス・ショエルはしわくちゃのキャンバスにスプレーをかけて、抽象的な静物画の室内のようなイリュージョンを作り出しました。 スプレーペインターのほとんどは、特に1960年代後半と1970年代に活躍した。
ストライプ編集
ストライプは、さまざまな異なる形式でいくつかの異なるカラーフィールド画家が使用する色のための最も人気の車両の一つであった。 バーネット・ニューマン、モリス・ルイス、ジャック・ブッシュ、ジーン・デイビス、ケネス・ノーランド、デヴィッド・シンプソンらは、いずれもストライプを用いた重要なシリーズを制作しています。 バーネット・ニューマンのストライプは、ストライプとは呼ばずにジッパーと呼びましたが、ほとんどが垂直で、幅もさまざま、使用頻度も控えめでした。 シンプソンとノーランドの場合、縞模様の絵はほとんど横長で、ジーン・デイヴィスは縦長の縞模様の絵、モリス・ルイスは縦長の縞模様の絵（ピラーとも呼ばれる）を多く描いています。
マグナペイント編集部
マグナは、1947年にレナード・ボクールとサム・ゴールデンによって開発され、1960年にモリス・ルイスやカラーフィールド運動の他の染色画家のために特別に再製されたアーティスト専用のアクリル絵の具である。 マグナでは、顔料はアルコールベースの溶剤でアクリル樹脂の中に粉砕されています。 現代の水性アクリル絵具とは異なり、マグナはテレビン油やミネラルスピリットと混和性があり、速やかに乾燥してマットまたは光沢のある仕上がりになります。 マグナは、モリス・ルイスやフリーデル・ズーバス、ポップアーティストのロイ・リキテンスタインが好んで使用した。 マグナの色は、通常のアクリル水性絵具よりも鮮やかで鮮烈です。 また、「漆黒の漆黒の漆黒の漆黒の漆黒の漆黒」とも呼ばれる。
カラーフィールドは、不思議なことに、あるいはそうでないかもしれないが、新しいプラスチック塗料であるアクリル塗料が登場したのとまったく同じ時期に、絵画の方法として実行可能になったのである。 まるで新しい絵の具が絵画の新しい可能性を要求し、画家たちがそれにたどり着いたかのように。 水性ではない、まったく異なるメディウムを持つ油絵具では、色の縁に必ず油膜、つまり油の水たまりが残ります。 アクリル絵の具は、その縁で止まってしまう。 この新しい絵の具の発明と同時にカラーフィールドペインティングが入ってきました。
アクリルは、1950年代にレナード・ボクールが提供したマグナというミネラルスピリット系の絵具として初めて商品化されました。 その後、水性アクリル塗料は「ラテックス」住宅用塗料として販売されましたが、アクリル分散液にはゴムの木に由来するラテックスは使用されていません。 インテリア用のラテックス塗料は、バインダー（アクリル、ビニール、PVAなどの場合もある）、フィラー、顔料、水の組み合わせが多いようです。
水性アクリルバインダーが住宅用塗料として導入されるとすぐに、アーティスト（最初はメキシコの壁画家）と企業の両方が、この新しいバインダーの可能性を追求し始めました。 アクリル絵の具を水で薄め、水彩絵の具のようにウォッシュとして使用することができますが、ウォッシュは乾くと速く、永久的です。 水溶性のアーティスト用アクリル絵の具は、1960年代初頭にLiquitexとBocourからAquatecという商品名で市販されるようになった。 水溶性リキテックスとアクアテックは、ステイン塗装に理想的であることが証明された。 水溶性アクリル絵具を使ったステイン技法は、希釈した色を生のキャンバスに沈め、定着させることができた。 ケネス・ノーランド、ヘレン・フランケンサーラー、ダン・クリステンセン、サム・フランシス、ラリー・ゾックス、ロニー・ランドフィールド、ラリー・プーンズ、ジュール・オリツキ、ジーン・デイビス、ロナルド・デイビス、サム・ギリアムなどの画家が、新しいステイン、カラーフィールド絵画に水性アクリルを使用して成功した。
遺産：影響を受けたもの編集
この経験が、それ以降の彼の作品の方向性に大きな重みを与えないのは困難である。 そこで見た2枚の絵は、ほぼすべてのオーシャンパークのキャンバスに残されている。 ノートルダムの眺め》と《コリユールの窓》は、ともに1914年に描かれ、米国で初めて公開された。 1920年代から30年代にかけて、薄めた油絵具でぼやけた多色の濁った背景を作り、その上に書道や文字、豊富な言葉の語彙やイメージを加えるという、ステイニングという技法の先駆者であった。 アルシール・ゴーリキーはミロの作品を公然と賞賛し、ミロ風の絵を描いていたが、1940年代初頭にようやく自分のオリジナリティを見出した。 1960年代、ミロは青や白などの単色で、勢いよくブラシをかけた絵の具の放射状のフィールドを大きく（抽象表現主義のスケールで）描き、ぼやけた黒いオーブやカリグラフィーのような石の形がランダムに浮かび上がっている。 これらの作品は、若い世代のカラーフィールド絵画に似ている。 伝記作家のジャック・デュパンは、1960年代初頭のミロの作品について、次のように語っている：
これらのキャンバスは、新しい世代の画家の研究との親和性を明らかにしている–ミロはこれを否定しようとはしていない–。 ジャクソン・ポロックなど、これらの画家の多くは、ミロへの恩義を認めている。 ミロもまた、彼らの作品に強い関心を示し、彼らを励まし、支援する機会を逃さない。 また、彼らの発見を利用することが自分の尊厳に反するとは考えていない。
ミロをはじめとするヨーロッパのモダニズムを手本に、カラーフィールド運動は20世紀半ばから21世紀初頭までの数十年間にわたって展開されました。 カラーフィールド絵画は、実際には、3 つの別々の、しかし関連する世代の画家を含んでいます。 この3つのグループは、抽象表現主義、ポスト絵画的抽象表現、叙情的抽象表現と呼ばれ、一般によく知られています。 中には、3つの時代すべてで、3つのスタイルすべてに関連する作品を制作したアーティストもいます。 ジャクソン・ポロック、マーク・ロスコ、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマン、ジョン・フェレン、アドルフ・ゴットリーブ、ロバート・マザーウェルなどのカラーフィールドのパイオニアは、主に抽象表現主義者として考えられている。 ヘレン・フランケンサーラー、サム・フランシス、リチャード・ディーベンコーン、ジュール・オリツキ、ケネス・ノーランドなどは、やや若い世代、あるいはモリス・ルイスの場合はその世代の視点に審美的に沿ったアーティストで、抽象表現主義者として出発し、すぐにポスト絵画的抽象表現に移行しました。 一方、フランク・ステラ、ロナルド・デイヴィス、ラリー・ゾックス、ラリー・プーンズ、ウォルター・ダービー・バナード、ロニー・ランドフィールド、ダン・クリステンセンなどの若い作家は、ポスト・ペインティング的抽象表現に始まり、やがてリリカル・アブストラクションという新しいタイプの表現主義に向かって前進していく。 これらの作家はもちろんのこと、他の多くの作家もキャリアのある段階で3つのモードをすべて実践している。 カラーフィールド・ペインティングの後期には、1960年代後半の時代精神の反映として（すべてが緩み始めた）、また時代の不安とポスト・ペインタリー・アブストラクションのゲシュタルトが融合し、カラーフィールドの精密さと抽象表現主義者のマレリッシュさを併せ持つリリカル・アブストラクションが生み出されています。 また、1960年代後半から1970年代前半にかけてのヨーロッパでは、ゲルハルト・リヒター、アンセルム・キーファーなどの画家たちが、抽象とイメージを融合し、風景画や具象を取り入れた激しい表現の作品を制作し始め、1970年代後半には新表現主義と呼ばれるようになりました
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