チャールズ・レニー・マッキントッシュからヨゼフ・ホフマン、クラリス・クリフ、ル・コルビュジエまで、アール・デコ様式とその影響。
常に人気のあるアール・デコ様式は建築と装飾美術のスタイルで、1910年から40年まで人気がありました。
アールデコの特徴は、高度に様式化された自然で幾何学的な形や装飾で、通常は強く左右対称になっている。
パブロ・ピカソ、フェルナン・レジェ、ソニア・ドローネ、ワシリー・カンディンスキーなど、この世紀で最も重要な芸術家は、家具、テキスタイル、ジュエリー、広告の多くのデザイナーと同様に、アールデコ様式の作品を制作した。
バルボアパークのフォードビル（現在は航空宇宙博物館）は、産業アールデコデザインの典型である。 これは歯車を連想させ、機械化による人類の発展を表している。
建築家ウォルター・ティーグは、1935年のカリフォルニア太平洋国際博覧会の「エキスポプラント」としてこの建物を設計した。
アールデコという言葉は、1960年代にアールデコへの関心が高まったときに作られた言葉で、国際装飾産業博覧会（L’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes）から派生したもので、1925年のパリ展はアールデコの発展過程の中間で、そのスタイルを決定的にする展示会となりました。 当時、アール・デコは「アール・モデルン」「モダニズム」とも呼ばれ、後に「ジャズ・パターン」「スカイスクレイパー・モダン」とも呼ばれるようになりました。
キュビスムの絵画やドイツのバウハウスと並んで、ル・コルビュジエや他の国際様式建築家の作品は、アール・デコの初期の装飾的な段階から、1930年代の典型的なよりシンプルで大胆なアプローチへの変化をもたらした。
アール・デコはアール・ヌーヴォーへの反動として生まれた。
アールデコの先駆者は、スコットランドのチャールズ・レニー・マッキントッシュとウィーンのヨーゼフ・ホフマンである。
二人ともアールヌーボーの行き過ぎたスタイルを改革した人物で、1900年前後の作品は、その後数十年間に登場するものの指標となった。
ホフマンのブリュッセルのストクレ宮殿（1905-11）は、グスタフ・クリムトによるモザイク壁画があり、当時としては驚くほど先進的で、アールヌーボーからアールデコへと移行したことを示すものである。
1903年、ホフマンはウィーン工房を設立し、初期のアールデコのデザインを生み出しました。
1910年、パリで開催されたルーヴルのミュンヘンとウィーンの装飾美術展で、このコンセプトは紹介されました。
展示されたのは、19世紀初頭の新古典主義のビーダーマイヤー様式と農民芸術（フォークアート）の単純化に基づく新しいスタイルで、アール・ヌーヴォーの対極にあるようなものだった。
レオン・バクストは、まばゆいばかりの野蛮な色彩で東洋風のセットと衣装を作り上げ、ファッション界からエキゾチシズムの要求を受け、それにクチュリエのポワレが応えたのである。
1912年、ポワレは自らのデザイン学校「アトリエ・マルティーヌ」を設立し、アールデコの思想を広めた。
1920年代には、アールデコ様式のキュビズム絵画の効果が広告や商品デザインに見られるようになる。
ココ・シャネルは、アールデコのジュエリーを身につけた女性のファッションを作る際に、キュビスムの色や形を用いました。
アフリカの彫刻や古代エジプト、南西アメリカのインディアン芸術は、古代のギリシャ芸術と同様にこの年代のアールデコに影響を及ぼしました。
1925年以降、バウハウスやインターナショナルスタイルの影響を受け、アールデコは工業化時代を反映した最終段階へと進みます。
産業革命が始まって以来、芸術家やデザイナーを悩ませてきた芸術と機械生産の調和を達成しました。 その美しさだけでなく、作品の精巧な品質も高く評価されています。