Cubismo Sintetico Spiegato – Piani, Forme e Punti di Vista

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2 Maggio 2016

Pablo Picasso, il padre del Cubismo, era famoso per la sua smania di evolvere. Dopo aver inventato il cubismo analitico nel 1907, avrebbe potuto facilmente continuare a dipingere in quello stile per decenni e diventare comunque ricco e famoso. Ma invece continuò a sperimentare, aiutando a inventare quello che divenne noto come Cubismo Sintetico nel 1911, aggiungendo al Cubismo Analitico una tavolozza di colori ampliata, nuove texture, forme più semplici, nuovi materiali e semplificando l’uso del punto di vista e del piano. Dal momento della sua invenzione fino al 1920 circa, il Cubismo Sintetico fu considerato il culmine dell’avanguardia. Ampliò la gamma di modi in cui i pittori potevano esplorare la realtà e contribuì all’ascesa dei dadaisti, dei surrealisti e anche della Pop Art.

Cubismo sintetico in 200 parole

Il cubismo sintetico risultò da un allontanamento da quelle stesse tecniche, nel tentativo di creare qualcosa di ancora più reale. Picasso, Braque e il pittore Juan Gris aggiunsero una gamma vibrante di colori nelle loro opere, reintrodussero la profondità e diminuirono il numero di prospettive e piani simultanei nelle loro immagini. Soprattutto, al fine di dare il massimo senso di realtà ai loro dipinti, hanno iniziato ad aggiungere carta, stoffa, carta di giornale, testo, e persino sabbia e sporcizia alle loro opere, cercando di portare un senso totale dell’essenza del loro soggetto in gioco.

Pablo Picasso – Still Life with Chair Caning, 1912, Olio su tela oleata su tela bordata di corda, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Parigi, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Nuovi materiali e tecniche

Nel 1912, Picasso crea l’opera d’arte che è considerata il primo esempio di collage e un esempio significativo di Cubismo sintetico: Natura morta con sedia-cuscino. L’opera è una rappresentazione cubista di un tavolo da caffè con una selezione di cibo, un giornale e una bevanda. Oltre ai mezzi tradizionali, Picasso aggiunse alla superficie del dipinto una sezione della sedia di vimini che si trovava tradizionalmente sulle sedie del caffè. Questa aggiunta apparentemente banale ebbe enormi conseguenze per l’arte moderna. Piuttosto che dipingere una sedia, una parte di una sedia fu effettivamente messa sul dipinto. Piuttosto che mostrare qualcosa da prospettive multiple per farlo sembrare reale, Picasso mise semplicemente la cosa reale, o almeno una parte di essa, direttamente sull’opera.

Picasso aggiunse anche del testo a quest’opera, scrivendo le lettere “JOU” su una parte della superficie. Questa parola “Jou” letteralmente potrebbe essere tradotta come “gioco” in francese, un fatto che ha contribuito alla sensazione di molte persone che Picasso intendesse il Cubismo Sintetico per aggiungere un senso di frivolezza all’arte dopo la serietà accademica del Cubismo Analitico. Tuttavia, “JOU” potrebbe anche essere stato facilmente inteso come la prima parte del termine francese per quotidiano, o giornale, un riferimento al frammento di giornale visto nel quadro.

Anche se ha raggiunto una prima volta aggiungendo quel pezzo di sedia al suo pezzo, Picasso non era il primo cubista ad aggiungere un testo ad un dipinto. Nel 1911, Georges Braque aveva creato un’opera chiamata Il Portoghese, che fu la prima opera cubista a introdurre delle scritte. Evidente sia nel primo collage di Picasso che nella prima opera testuale di Braque è uno spostamento dalla natura seria ed eccessivamente complessa di alcune delle loro successive opere cubiste analitiche. C’è una semplicità stravagante nell’immaginario di queste opere d’arte. Le prospettive sono semplificate e le immagini diventano quasi giocose, simili alle immagini antropomorfe nelle immagini pubblicitarie.

Georges Braques – Il portoghese, 1911, Olio su tela, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Parigi, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Nel 1912, Braque avrebbe aperto nuove strade almeno altre due volte. Quell’anno divenne il primo pittore cubista ad aggiungere sabbia ad un dipinto per aggiungere livelli di consistenza e profondità all’opera, e divenne anche il primo ad incorporare la tecnica conosciuta come papier colles, che si riferisce all’incollaggio di pezzi di carta ritagliati su una superficie. Entrambe queste tecniche furono usate nella sua opera intitolata Fruit Dish and Glass. In questo dipinto ha applicato pezzi ritagliati di carta da parati direttamente sulla superficie e poi ha ombreggiato il pezzo utilizzando vernice riempita di sabbia, aggiungendo profondità e consistenza all’immagine.

Braque ha anche incluso il testo in questa opera, utilizzando le parole chiaramente definite e facilmente leggibili “Ale” e “Bar”. Queste parole sfidano le linee che separano le immagini pubblicitarie dalla cosiddetta arte alta. La combinazione di tutte e tre queste tecniche si rivelerà alla fine una grande influenza sui dadaisti, che fecero molto affidamento sul collage e sul testo per confondere e offuscare i significati apparenti nelle loro opere e per sfidare le nozioni borghesi di arte.

Georges Braque – Fruit Dish and Glass, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Piani, forme, punti di vista e colori

L’artista più responsabile di aver portato colori vibranti nel Cubismo sintetico fu il pittore cubista spagnolo Juan Gris. Gris utilizzò anche un linguaggio visivo sostanzialmente semplificato che dimostra superbamente il numero ridotto di punti di vista e l’uso semplificato di forme e piani che definisce il cubismo sintetico. Nell’opera di Gris Newspaper and Fruit Dish, vediamo tutti questi elementi in gioco. Possiamo anche vedere in questo stesso dipinto molte delle ragioni per cui il Cubismo Sintetico è spesso visto come il precursore della Pop Art.

Non è solo che i Cubisti Sintetici giocavano con le nozioni della linea sfumata tra arte bassa e alta, e tra arte e pubblicità. Questo dipinto evoca anche sorprendentemente i punti Ben-Day di Roy Lichtenstein, e sembra quasi identicamente prefigurare la ripetizione, il posizionamento delle immagini e la tavolozza di colori del Bufalo II di Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg – Buffalo II, 1964, Olio e inchiostro serigrafico su tela. 96 x 72 in (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licensed by VAGA at Artists Right Society (ARS), New York

I precedenti dipinti cubisti analitici avevano incorporato così tanti punti di vista diversi che la complessità delle immagini divenne quasi impossibile da svelare. Il loro soggetto sembrava astratto al punto di essere irriconoscibile: ogni punto di vista era rappresentato da forme geometriche separate su un piano separato e ogni piano sembrava sovrapposto agli altri e poi appiattito di nuovo. E le forme geometriche utilizzate nei dipinti cubisti analitici sembravano quasi trasparenti a volte. Erano dipinte in un modo che dimostrava velocità, vibrazione e movimento. Rappresentavano diverse ore del giorno, diverse luci e diversi punti di vista.

Juan Gris – Giornale e piatto di frutta, 1916, Olio su tela. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Riaggiungendo una tavolozza di colori vibranti nei quadri cubisti, Juan Gris diede allo stile un senso di giocosità ed eccitazione che mancava nelle prime opere cubiste. E il vocabolario visivo semplificato di Gris presentò l’idea che il cubismo poteva raggiungere i suoi obiettivi in un modo diretto, semplificato ed esteticamente piacevole. Nel dipinto di Gris Il violino, egli realizza il numero minimo assoluto di punti di vista, forme e piani per essere ancora considerato un lavoro cubista. L’immagine risultante sembra più un esempio di suggestione del cubismo che la sua rigorosa definizione.

Juan Gris – Il violino, 1916, Olio su pannello a tre strati, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basilea

Sintetico: Un’altra parola per falso?

Aggiungendo scritte e pezzi di oggetti quotidiani nei loro dipinti, Picasso, Braque e Gris cercavano di connettersi con un senso allargato della realtà dei loro soggetti. Ma aggiungendo questi elementi artificiali alle loro opere stavano anche creando qualcosa che era palesemente irreale, e diverso da qualsiasi opera d’arte cubista che veniva prima. A volte dipingevano anche forme che sembravano collage, mescolando elementi di collage imitati con elementi di collage reali nella stessa opera. Questo nuovo stile fu chiamato Cubismo Sintetico proprio per questo motivo, per la natura artificiale delle tecniche utilizzate rispetto alla serietà del lavoro cubista che era venuto prima.

Il Cubismo Sintetico era più simbolico del Cubismo Analitico. Non si sforzava di raggiungere una visione elevata della realtà quadridimensionale. Si sforzava piuttosto di ottenere un accenno alla realtà, ma in modo distorto. Fu una trasformazione che contribuì immensamente alle teorie e alle indagini che circondano il Surrealismo.

Il Cubismo sintetico sfidò anche le differenze tra pittura e scultura. Invece di scomporre l’immagine e poi riassemblarla da una serie di prospettive diverse, il Cubismo Sintetico assemblava l’immagine, costruendola da una superficie piatta in un oggetto a più strati, come un oggetto tridimensionale appoggiato su una superficie bidimensionale. In tutti questi modi, il Cubismo Sintetico si avvicinò alle sue realizzazioni attraverso un paradosso chiaro e intenzionale: facendo un lavoro che era sempre più falso ottennero qualcosa di sempre più reale.