La pittura di campo a colori è legata all’astrazione post-pittorica, al suprematismo, all’espressionismo astratto, alla pittura hard-edge e all’astrazione lirica. Inizialmente si riferiva ad un particolare tipo di espressionismo astratto, specialmente il lavoro di Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb e diverse serie di dipinti di Joan Miró. Il critico d’arte Clement Greenberg percepì la pittura Color Field come correlata ma diversa dall’Action painting.
Un’importante distinzione che rese la pittura Color Field diversa dall’espressione astratta fu la manipolazione della pittura. La tecnica fondamentale che definisce la pittura è l’applicazione del colore e i pittori del Color Field hanno rivoluzionato il modo in cui il colore poteva essere applicato efficacemente.
Il Color Field ha cercato di liberare l’arte dalla retorica superflua. Artisti come Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas, Frank Stella e altri hanno spesso usato formati molto ridotti, con il disegno essenzialmente semplificato a sistemi ripetitivi e regolati, riferimenti di base alla natura e un uso altamente articolato e psicologico del colore. In generale questi artisti eliminarono le immagini riconoscibili in favore dell’astrazione. Alcuni artisti citavano riferimenti all’arte del passato o del presente, ma in generale la pittura a campi di colore presenta l’astrazione come fine a se stessa. Nel perseguire questa direzione dell’arte moderna, questi artisti volevano presentare ogni dipinto come un’immagine unificata, coesiva e monolitica, spesso all’interno di serie di tipi correlati.
A differenza dell’energia emotiva e dei segni di superficie gestuali e della manipolazione della pittura degli espressionisti astratti come Jackson Pollock e Willem de Kooning, la pittura Color Field inizialmente sembrava essere fredda e austera. I pittori Color Field eliminano il segno individuale in favore di grandi aree piatte, macchiate e imbevute di colore, considerate la natura essenziale dell’astrazione visiva insieme alla forma reale della tela, che Frank Stella in particolare raggiunse in modi insoliti con combinazioni di bordi curvi e diritti. Tuttavia, la pittura Color Field ha dimostrato di essere sia sensuale che profondamente espressiva, anche se in un modo diverso dall’espressionismo astratto gestuale. Negando la connessione con l’Espressionismo Astratto o qualsiasi altro Movimento Artistico Mark Rothko parlò chiaramente dei suoi dipinti nel 1956:
Non sono un astrattista … Non sono interessato alla relazione del colore o della forma o di qualsiasi altra cosa. … Mi interessa solo esprimere le emozioni umane di base – la tragedia, l’estasi, la sventura e così via – e il fatto che molte persone scoppino a piangere di fronte ai miei quadri dimostra che comunico queste emozioni umane di base. … Le persone che piangono davanti ai miei quadri stanno avendo la stessa esperienza religiosa che ho avuto io quando li ho dipinti. E se voi, come dite, vi commuovete solo per i loro rapporti di colore, allora non avete capito niente!
Pittura a macchieModifica
Joan Miró fu uno dei primi e più riusciti pittori a macchie. Anche se la colorazione ad olio era considerata pericolosa per la tela di cotone a lungo termine, l’esempio di Miró durante gli anni 1920, 1930 e 1940 fu un’ispirazione e un’influenza sulla generazione più giovane. Una delle ragioni del successo del movimento Color Field fu la tecnica della colorazione. Gli artisti mescolavano e diluivano la loro pittura in secchi o barattoli di caffè creando un liquido fluido e poi lo versavano sulla tela grezza non spalmata, generalmente cotone anatra. La vernice poteva anche essere spazzolata o arrotolata o gettata o versata o spruzzata, e si diffondeva nel tessuto della tela. Generalmente gli artisti disegnavano forme e aree mentre coloravano. Molti artisti diversi impiegarono la colorazione come tecnica di scelta per realizzare i loro dipinti. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins e decine di altri pittori trovarono che il versamento e la colorazione aprivano la porta a innovazioni e metodi rivoluzionari per disegnare ed esprimere il significato in nuovi modi. Il numero di artisti che macchiarono negli anni sessanta aumentò notevolmente con la disponibilità di vernice acrilica. Nel 1970 l’artista Helen Frankenthaler commentò il suo uso delle macchie:
Quando ho iniziato a fare i dipinti con le macchie, ho lasciato grandi aree di tela non dipinte, credo, perché la tela stessa agiva con la stessa forza e positività della pittura o della linea o del colore. In altre parole, il terreno stesso era parte del mezzo, così che invece di pensarlo come sfondo o spazio negativo o un punto vuoto, quell’area non aveva bisogno di pittura perché aveva la pittura accanto. Si trattava di decidere dove lasciarlo e dove riempirlo e dove dire che questo non ha bisogno di un’altra linea o di un altro secchio di colori. Lo sta dicendo nello spazio.
Pittura a spruzzoModifica
Sorprendentemente pochi artisti hanno usato la tecnica della pistola a spruzzo per creare grandi distese e campi di colore spruzzati sulle loro tele durante gli anni ’60 e ’70. Tra i pittori che utilizzarono efficacemente la tecnica della pittura a spruzzo c’è Jules Olitski, che fu un pioniere nella sua tecnica a spruzzo che copriva i suoi grandi dipinti con strato dopo strato di colori diversi, spesso cambiando gradualmente tonalità e valore in una progressione sottile. Un’altra importante innovazione fu l’uso da parte di Dan Christensen di una tecnica a spruzzo di grande effetto in loop e nastri di colore brillante; spruzzato in segni chiari e calligrafici attraverso i suoi dipinti su larga scala. William Pettet, Richard Saba, e Albert Stadler, usarono la tecnica per creare campi su larga scala di multicolori; mentre Kenneth Showell spruzzò su tele stropicciate e creò un’illusione di interni astratti di natura morta. La maggior parte dei pittori spray erano attivi soprattutto durante la fine degli anni ’60 e gli anni ’70.
StripesEdit
Stripes erano uno dei veicoli più popolari per il colore utilizzato da diversi pittori Color Field in una varietà di formati diversi. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland e David Simpson, hanno tutti realizzato importanti serie di dipinti a strisce. Anche se non le chiamava strisce ma zip, le strisce di Barnett Newman erano per lo più verticali, di larghezze variabili e usate con parsimonia. Nel caso di Simpson e Noland i loro quadri a strisce erano tutti per lo più orizzontali, mentre Gene Davis dipinse quadri a strisce verticali e Morris Louis dipinse per lo più quadri a strisce verticali chiamati talvolta Pillars. Jack Bush tendeva a fare entrambi i dipinti a strisce orizzontali e verticali così come quelli angolari.
Magna paintEdit
Magna, una speciale vernice acrilica per artisti è stata sviluppata da Leonard Bocour e Sam Golden nel 1947 e riformulata nel 1960, appositamente per Morris Louis e altri pittori di macchie del movimento color field. Nel Magna i pigmenti sono macinati in una resina acrilica con solventi a base di alcol. A differenza dei moderni acrilici a base d’acqua, Magna è miscibile con trementina o ragia minerale e si asciuga rapidamente fino a una finitura opaca o lucida. È stato usato ampiamente da Morris Louis e Friedel Dzubas e anche dall’artista pop Roy Lichtenstein. I colori Magna sono più vividi e intensi dei normali colori acrilici a base d’acqua. Louis ha usato Magna con grande effetto nella sua Stripe Series, dove i colori sono usati non diluiti e sono versati non mescolati direttamente dalla lattina.
Vernice acrilicaModifica
Nel 1972, l’ex curatore del Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler ha detto:
Il campo di colore, curiosamente o forse no, è diventato un modo praticabile di dipingere esattamente nel momento in cui la vernice acrilica, la nuova vernice plastica, è nata. Era come se la nuova vernice richiedesse una nuova possibilità nella pittura, e i pittori ci sono arrivati. La pittura ad olio, che ha un mezzo del tutto diverso, che non è a base d’acqua, lascia sempre una chiazza d’olio, o una pozza d’olio, intorno al bordo del colore. La pittura acrilica si ferma al proprio bordo. La pittura a campi di colore è arrivata contemporaneamente all’invenzione di questa nuova vernice.
Gli acrilici furono resi disponibili in commercio per la prima volta negli anni 50 come vernici a base di spirito minerale chiamate Magna offerte da Leonard Bocour. Le pitture acriliche a base d’acqua furono successivamente vendute come pitture per la casa “latex”, anche se la dispersione acrilica non usa lattice derivato da un albero della gomma. Le pitture per interni “latex” tendono ad essere una combinazione di legante (a volte acrilico, vinile, pva e altri), riempitivo, pigmento e acqua. Le pitture “latex” per esterni possono anche essere una miscela di “co-polimeri”, ma le migliori pitture esterne a base d’acqua sono 100% acriliche.
Poco dopo che i leganti acrilici a base d’acqua furono introdotti come pitture per la casa, sia gli artisti – i primi dei quali erano muralisti messicani – che le aziende iniziarono ad esplorare il potenziale dei nuovi leganti. I colori acrilici per artisti possono essere diluiti con acqua e usati come lavaggi alla maniera dei colori ad acquerello, anche se i lavaggi sono veloci e permanenti una volta asciutti. I colori acrilici solubili in acqua di qualità artistica divennero disponibili in commercio nei primi anni sessanta, offerti da Liquitex e Bocour sotto il nome commerciale di Aquatec. Liquitex e Aquatec solubili in acqua si dimostrarono ideali per la pittura di macchie. La tecnica di colorazione con gli acrilici solubili in acqua faceva sì che i colori diluiti affondassero e si mantenessero rapidamente sulla tela grezza. Pittori come Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam e altri usarono con successo gli acrilici a base d’acqua per le loro nuove macchie, i dipinti a campi di colore.
Eredità: influenze e influenzeModifica
L’eredità pittorica della pittura del XX secolo è una lunga e intrecciata corrente di influenze e interrelazioni complesse. L’uso di grandi campi aperti di colore espressivo applicati in generose porzioni pittoriche, accompagnate da un disegno sciolto (vaghe macchie lineari e/o contorni figurativi) può essere visto per la prima volta nelle opere dei primi anni del XX secolo sia di Henri Matisse che di Joan Miró. Matisse e Miró, così come Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky e Piet Mondrian influenzarono direttamente gli Espressionisti astratti, i pittori Color Field dell’Astrattismo post-pittorico e gli Astrattisti lirici. Gli americani del tardo XIX secolo come Augustus Vincent Tack e Albert Pinkham Ryder, insieme ai primi modernisti americani come Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, e i paesaggi di Milton Avery hanno anche fornito importanti precedenti e sono stati influenzati dagli espressionisti astratti, dai pittori Color Field e dagli astrattisti lirici. I dipinti di Matisse Finestra francese a Collioure e Vista di Notre-Dame, entrambi del 1914, esercitarono un’enorme influenza sui pittori Color Field americani in generale (inclusa la Open Series di Robert Motherwell), e sui dipinti Ocean Park di Richard Diebenkorn in particolare. Secondo la storica dell’arte Jane Livingston, Diebenkorn vide entrambi i dipinti di Matisse in una mostra a Los Angeles nel 1966, ed ebbero un enorme impatto su di lui e sul suo lavoro. Jane Livingston dice della mostra di Matisse del gennaio 1966 che Diebenkorn vide a Los Angeles:
È difficile non attribuire a questa esperienza un peso enorme per la direzione che il suo lavoro prese da quel momento in poi. Due quadri che vide lì si riverberano in quasi tutte le tele di Ocean Park. View of Notre Dame e French Window at Collioure, entrambi dipinti nel 1914, furono esposti per la prima volta negli Stati Uniti.
Livingston continua dicendo che Diebenkorn deve aver vissuto French Window at Collioure, come un’epifania.
Miró fu uno degli artisti più influenti del XX secolo. È stato un pioniere della tecnica delle macchie, creando sfocature, sfondi nuvolosi multicolori con pittura a olio diluita per tutti gli anni ’20 e ’30; sopra i quali ha aggiunto la sua calligrafia, i suoi caratteri e l’abbondante lessico di parole e immagini. Arshile Gorky ammirava apertamente il lavoro di Miró e dipingeva quadri simili a quelli di Miró, prima di scoprire finalmente la propria originalità nei primi anni ’40. Durante gli anni ’60 Miró dipinse grandi campi radiosi (in scala espressionista astratta) di vernice spazzolata vigorosamente in blu, in bianco e in altri campi di colori monocromatici; con sfere nere sfocate e forme calligrafiche simili a pietre, che galleggiavano a caso. Queste opere assomigliavano ai dipinti Color Field della generazione più giovane. Il biografo Jacques Dupin ha detto questo del lavoro di Miró dei primi anni 60:
Queste tele rivelano affinità – Miró non tenta minimamente di negarlo – con le ricerche di una nuova generazione di pittori. Molti di questi, Jackson Pollock per esempio, hanno riconosciuto il loro debito verso Miró. Miró a sua volta mostra un vivo interesse per il loro lavoro e non perde occasione per incoraggiarli e sostenerli. Né considera al di sotto della sua dignità usare le loro scoperte in alcune occasioni.
Prendendo esempio da altri modernisti europei come Miró, il movimento Color Field abbraccia diversi decenni dalla metà del XX secolo fino all’inizio del XXI. La pittura Color Field in realtà comprende tre generazioni di pittori separate ma correlate. Termini comunemente usati per riferirsi ai tre gruppi separati ma correlati sono Espressionismo astratto, Astrattismo post-pittorico e Astrattismo lirico. Alcuni artisti hanno realizzato opere in tutte e tre le epoche, che si riferiscono a tutti e tre gli stili. I pionieri del Color Field come Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb e Robert Motherwell sono principalmente considerati espressionisti astratti. Artisti come Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski e Kenneth Noland erano di una generazione leggermente più giovane, o nel caso di Morris Louis esteticamente allineati con il punto di vista di quella generazione; che iniziarono come Espressionisti astratti ma si spostarono rapidamente verso l’Astrazione Post-Pittorica. Mentre artisti più giovani come Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, iniziarono con l’astrazione post-pittorica e alla fine si spostarono verso un nuovo tipo di espressionismo, definito astrazione lirica. Molti degli artisti menzionati, così come molti altri, hanno praticato tutte e tre le modalità in una fase della loro carriera o in un’altra. Durante le ultime fasi della pittura Color Field; come riflessi dello zeitgeist della fine degli anni ’60 (in cui tutto ha cominciato a pendere liberamente) e l’angoscia dell’epoca (con tutte le incertezze del tempo) si sono fusi con la gestalt dell’Astrazione Post-Pittorica, producendo l’Astrazione Lirica che ha combinato la precisione dell’idioma Color Field con la maleresia degli Espressionisti Astratti. Nello stesso periodo, tra la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70, in Europa, Gerhard Richter, Anselm Kiefer e molti altri pittori iniziarono a produrre opere di intensa espressione, fondendo l’astrazione con le immagini, incorporando immagini paesaggistiche e la figurazione che, alla fine degli anni ’70, fu definita neo-espressionismo.