Amikor az emberek arról beszélnek, hogy milyen szörnyű év volt 2016, sok mindenre utalhatnak, a vírusterroroktól kezdve a szeretett hírességek halálán át a november 8-án történt szarságokig. Amire azonban nem gondolhatnak, az a filmek. Csak azok panaszkodhatnak igazán a 2016-os mozira, akik minden pénzüket a legnagyobb hollywoodi termékre költötték (és még akkor is, ha van néhány elég jó Marvel-filmjük és egy szolid Star Wars-spinoffjuk, amire támaszkodhatnak). Szokás szerint nem volt nagy egységesítő elem, ami összekötötte volna az év legjobb filmjeit, de volt néhány közös téma és motívum: a gyász és az azzal való megküzdés; a feszült családi kötelékek; a vallásos hit felelőssége (és terhe); és persze az autók. Az év legjobb filmjei közül nem egy arra is szakított időt, hogy rávilágítson a hétköznapi élet részleteire, és a drámát, a komédiát vagy az elragadtatott fantáziát valami hétköznapi, átélhető dologhoz kösse. Az alábbi 20 filmet hat állandó kritikusunk matematikai rangsorolta, akik egy-egy kommentált szavazólapot nyújtottak be, és az alábbi 20 filmben legalább egy dolog közös: egy kicsit könnyebben elviselhetővé tették 2016-ot, vagy azzal, hogy menekülést nyújtottak a rémálmok elől, vagy segítettek értelmet adni azoknak.
This browser does not support the video element.
20. Louder Than Bombs
Hirdetés
Norvégiai Joachim Trier (Oslo, augusztus 31.) egy nagyszerű filmrendező, akit gyakran tévesen csupán jónak tartanak, ami segít megmagyarázni, hogy angol nyelvű debütálása miért kapott udvarias kritikai fogadtatást még tavasszal, mielőtt csendben eltűnt volna a szemünk elől, az elménkből és a vásznakról. Pedig a maga kisszerű módján a Louder Than Bombs nagy teljesítmény: egy intim családi dráma, amely a gyászkezelés magánéleti folyamatát felemelő audiovizuális élménnyé varázsolja. A film középpontjában egy család áll, amely a híres fotós matriarcha (Isabelle Huppert, akinek pokolian jó éve van) halálával küzd, és az ismert stilisztikai/elbeszélői trükkök – flashbackek, álomjelenetek, több narrátor, elliptikus montázs – kollázsát használja, hogy a nézőt közvetlenül a szereplők, egy apa (Gabriel Byrne) és két gyászoló fia (Devin Druid és Jesse Eisenberg, utóbbi szintén nagyon jó évet fut) érzelmi állapotába helyezze. A regényes látásmódú, izgalmasan filmes technikájú film legalább részben megérdemli a 2016-os év kritikusainak elismerését, beleértve legközelebbi lelki rokonát, azt a másik, a gyászoló, bezárkózott férfiakról szóló tanulmányt, amely e lista élén áll.
19. Fox Searchlight
Hirdetés
Hirdetés
Nem szigorúan egy Jacqueline Kennedy Onassis életrajzi film, ez a Pablo Larrain rendező, Noah Oppenheim forgatókönyvíró és Natalie Portman főszereplő által az egykori first ladyről készített impresszionista film elsősorban azt mutatja be, hogyan dolgozta fel Jackie a John F. Kennedy elnök meggyilkolását közvetlenül követő eseményeket. Néhány flashback felidézi, hogyan nyerte meg a patrícius Kennedy asszony a szkeptikus Amerikát, és hogyan vált stílusikonná. A film nagy része azonban arról szól, hogyan érvényesítette özvegyi jogait, hogy férje méltó megbecsülését biztosítsa, egy olyan időszakban, amikor az egész ország feszült volt. Portman vaskos alakítása megerősíti egy olyan intézmény méltóságát, amelyet gyakran archaikusnak és komolytalannak tartanak. Eközben Stéphane Fontaine operatőr házimozi-szerű vizuális textúrái és Mica Levi izgalmasan koptató zenéje fokozza a film magával ragadó minőségét, amely a rituálék, szimbólumok és hagyományok értéke mellett érvel, még az elképzelhetetlen tragédia közepette is.
18. Midnight Special
Hirdetés
Egy üldözéses thriller, egy természetfeletti példázat, egy kísérlet a minimalista elbeszélésmód és a kitartó rejtélyek terén – Jeff Nichols remek kirándulása a műfaji anyagok között annyira elválaszthatatlanul gyökerezik a mindennapi amerikai valóságban, hogy könnyen el lehet nézni, mennyire különös és szokatlan filmalkotásról van szó. A motelek, benzinkutak és útszélek, ahol a film nagy része játszódik, ismerősnek tűnnek, és a történet is olyan, mintha már elmesélték volna: egy rendkívüli képességekkel rendelkező gyerek, akit kormányügynökök és világvége-kultuszok üldöznek. Nichols azonban, akinek van érzéke a szuggesztív üres terekhez és tájakhoz, valami kétértelmű, megrendítő és végül transzcendens dolgot hoz létre, sokat kockáztat az alakításokkal, a ki nem mondott belső konfliktusokkal és egy olyan befejezéssel, amely látszólag túl sokat elárul, de valójában nem. Michael Shannon vezetésével, aki Nichols összes filmjében szerepelt, a nagy létszámú szereplőgárda fantasztikus; bár Joel Edgerton a szintén idén bemutatott Loving című Nichols-filmben nyújtott alakításáért kapott elismerést, az itt nyújtott lakonikus mellékszereplése vitathatatlanul a legjobb munkája.
17. Right Now, Wrong Then
Hirdetés
A kiváló koreai filmrendező, Hong Sang-soo még a mérsékelt sikert sem érte el soha az USA-ban. mint honfitársai, Bong Joon-ho (Snowpiercer) és Park Chan-wook (lásd #6), leginkább azért, mert apró, beszédes, nagyrészt cselekmény nélküli filmeket készít erőtlen, részeges férfiakról (szinte mindegyikük filmrendező és/vagy forgatókönyvíró – senki sem vallja szilárdabban a “írd meg, amit tudsz” maximát). A Right Now, Wrong Then nem tér el messze ettől a sablontól, de talán ez a legalaposabban szórakoztató film, amit Hong eddig kitalált. A laza, finoman tapogatózó első felében a szokásos ünnepelt művészfilmrendező (Jeong Jae-yeong) találkozik egy feltörekvő művésszel (Kim Min-hee-ismét, lásd a 6. számot; abban is ő a főszereplő), és teljesen kudarcot vall a lány elcsábításában, részben azért, mert a férfi olyan rohadtul igyekszik. A második rész, annak ellenére, hogy szinte jelenetről jelenetre megismétli az elsőt, hamarosan eltér az eredeti történettől, bár nem feltétlenül olyan okokból vagy módon, ahogyan azt várnánk. A viselkedési kontingenciát ritkán diagnosztizálták ilyen élesen és viccesen; ha ez alapvetően ugyanaz a film, amit Hong mindig csinál, készítsen még sok ilyen filmet.
16. A boszorkány
Hirdetés
A címlapon az elején teljes terjedelmében ez áll: “A boszorkány: Egy új-angliai népmese”. Technikailag valójában A VBoszorkány, a modern “W” helyett két nagy V-vel (évszázadok óta többé-kevésbé felcserélhető az “U” betűvel). Ezek a részletek számítanak, mert Robert Eggers egyedülállóan hátborzongató debütálása erejének nagy részét a szigorú korhűségből meríti. A 17. század elején játszódik, egy puritán család körében, akiket az erdőbe száműztek, és a párbeszédek közvetlenül a korabeli naplókból és bírósági feljegyzésekből származnak, ami további távolságtartást teremt, ami fokozza az amúgy is átható furcsaság érzését. Akit ez az elidegenítő hatás nem zavar, azt a címben ígért csecsemőrabló (és -faló) boszorkány, a fokozódó paranoia, a többszörös hitválság, a hallucinációs őrület (amely egy rövid, de felejthetetlen sokkban csúcsosodik ki) és egy szó szerint ördögi kecske, a Fekete Fülöp is megzavarja. Végül A boszorkány olyan kérdést vet fel, amelyet egyesek felelőtlennek találtak, de amely első osztályú rémálom-üzemanyagot szolgáltat: Mi van, ha a Salemben néhány évtizeddel később felakasztott nők bizonyos mértékig önbeteljesítő jóslatnak bizonyultak?
15. Everybody Wants Some
reklám
“A tesók tesók lesznek tesók” elég ártalmas leírásnak hangzik bármilyen filmről, még egy Richard Linklater-vígjátékról is. De bár ez a mondat abszolút igaz Linklater Mindenki akar valamit című filmjére, mégis átkozottul csodálatossá teszi a filmet, ahogyan visszaköveteli a buta, versengő, labdaszedő haverok viselkedését, és bájossá teszi azt. Linklater az újonc Jake-et (Blake Jenner) követi, amint egy hétvége alatt hozzászokik az egyetemi baseballcsapat életéhez, ami – az 1980-as helyszínnel kombinálva – az Everybody Wants a Dazed And Confused című filmjének megfelelő folytatásává teszi. De más filmjeihez is kapcsolódik, például ahogy Linklater nem tudja megállni, hogy ne küldje Jake-et a Before Sunrise szituáció miniatűr változatába Beverlyvel (Zoey Deutch), egy színházi lánnyal, akivel véletlenül találkozik. Azzal, hogy Linklater néhányszor elismeri, hogy ezek a pillanatok mennyire múlékonyak, a Before trilógia és a Boyhood után is folytatja az idő múlásának vizsgálatát, még akkor is, amikor a pillanatban élés aktusát örökíti meg.
14. The Fits
Hirdetés
Az író-rendező Anna Rose Holmer debütáló filmje részben coming-of-age hangvételű hangvers, részben mélyen metaforikus művészi-horrorgyakorlat, de leginkább a maga különös és csodálatos dolga, éppoly besorolhatatlan, mint amilyen szép. A tizenéves színésznő, Royalty Hightower egy tomboló kislányt alakít, aki beleszeret a cincinnati közösségi központ díjnyertes tánccsoportjába, amelyhez éppen akkor csatlakozik, amikor társait megmagyarázhatatlan görcsök ragadják el. Megsavanyodott valami a környezetben? Vagy ez az egész furcsaság csak a hősnőnek a többi lánytól való elidegenedését fejezi ki, akik úgy tűnik, sokkal többet tudnak nála arról, hogyan kell egymással beszélgetni és hogyan kell csinosnak lenni? Holmer soha nem ad végleges választ arra, hogy mit jelent a The Fits. Egyszerűen csak közel marad egy gyerekhez, aki maga próbál rájönni minderre, és hagyja, hogy vele együtt lássunk és érezzünk.
13. Silence
Hirdetés
A Silence a történelem súlyát hordozza, mind az évtizedekig tartó vászonra kerülésének, mind a benne ábrázolt szörnyű eseményeknek a súlyát. De ahol egyes filmesek a megkínzott és kivégzett keresztények jeleneteit a pornográfia határát súroló látványossággá változtatnák, ott az ellentmondásos katolikus Martin Scorsese csendben vállalja szenvedéseik terhét. A legsúlyosabb a címben szereplő csend – a megválaszolatlan imák szörnyű üressége, amely Rodrigues jezsuita pap atyát (Andrew Garfield) sújtja, miközben hitét újra és újra próbára teszik. Japánba utazva, hogy megkeressék mentorukat (Liam Neeson), akiről az a hír járja, hogy megtagadta a kereszténységet és japán feleséget vett magának, Rodrigues és jezsuita társa, Garrpe atya (Adam Driver) szembesül a mélyszegénységgel és egy elnyomó kormánnyal, amely félelemben való életre kárhoztatja a keresztényeket – kétségbeejtő körülményekkel, amelyeken az atyák szerint csak az Istenbe vetett hit javíthat. A Silence gyakorlatilag nélkülözi a komikumot és kitartóan komor, nem egy szórakoztató film. De nagyon is erőteljes.
12. Amerikai méz
reklám
A fiatal, furcsa Amerika dinamikus vízióját mutatja be Andrea Arnold az Amerikai mézben, egy burjánzó road movie-ban, amely a gazdag külvárosi zsákutcáktól a szegénység sújtotta lakókocsiparkokig kanyarog egy országot átszelő út során. Az újonc Sasha Lane alakítja Star-t, az impulzív tinédzsert, aki elhagyja bántalmazó otthoni életét, hogy magazinokat áruljon városról városra és ajtóról ajtóra néhány félkegyelművel, akikkel a Kmart közepén Rihannára táncolva találkozik, köztük a patkányfarkú szívtipróval, Jake-kel (Shia LaBeouf). Az amerikai vörös államok kopár autópályáin egy fehér burkolatú furgonban autózva, a srácok a vodkát kortyolgatva és a mindig jelen lévő jointot szívva mesélik el a történeteiket, mindegyikük egy-egy darabka az amerikai alsóbb osztály foltvarrott paplanján. Arnold hagyja, hogy színészei – akik közül sokan az utcáról kerültek ki – organikus, lazán felépített jeleneteket rögtönözzenek, amelyek dokumentarista hangulatot kölcsönöznek kalandjaiknak. Vegyük egy Harmony Korine-film esztétikáját, de cseréljük le a nihilizmust határtalan emberségre, és máris közel járunk ahhoz, hogy megértsük az American Honey vad báját.
11. Elle
reklám
“A szégyen nem elég erős érzelem ahhoz, hogy egyáltalán ne tegyünk semmit.” A francia nyelvű Elle-lel Paul Verhoeven, a mozi meghatározó szubverzív kézművese egy évtizedes szünet után tért vissza a játékfilmekhez, és szállította vitathatatlanul legsötétebb és legmaróbb filmjét. Isabelle Huppert egyik legjobb alakításában egy gazdag, sikeres üzletasszonyt alakít, akit egy ismeretlen betolakodó megerőszakol, és aki úgy dönt, hogy a saját feltételei szerint áll bosszút. Az Elle nem hajlandó elismerni a feminista antihősnő ellentmondását vagy áldozati mivoltát; a féltékeny, hatalmaskodó és mazochista nő szinte minden negatív sztereotípiát megtestesít, amelyet valaha is használtak a nőgyűlölet és a szexuális erőszak racionalizálására. Hollywoodi korszakában Verhoeven szinte mindenkinél jobban csinálta a speciális effektusú blockbustereket; itt a klasszikus francia polgári thrillert (gondoljunk csak Claude Chabrol középső korszakára) egy szürreális társadalmi szatírává csavarja, amely izgalmasan kiszámíthatatlan és koromfekete.
10. A homár
reklám
Egy bizarr, közeli jövőbeli disztópiában a nemrég elvált Davidet (Colin Farrell, nagyon hatásos szereposztásban a típus ellenében) egy egyedülálló felnőttekkel teli tengerparti táborba küldik, hogy 45 nap alatt új társat találjon, különben átváltozik a választott állatává. A görög rendező, Yorgos Lanthimos (Kutyafog) az abszurd, holtpontos vígjáték stílusát tökéletesítve lépten-nyomon új szabályokat, tevékenységeket és hátborzongató büntetéseket vezet be: A párosítások önkényes hasonlóságok alapján történnek, a próbapároknak gyerekeket osztanak ki, az időhosszabbítást pedig az erdőben élő, csak elektronikus zenét hallgató, renegát szinglik levadászásával lehet kiérdemelni. A Homár több mint az értelmetlen párkapcsolat szellemes paródiája, a Homár egyre mélyebbre hatol a különös és kegyetlen világába, és a fináléban azt a kérdést feszegeti, hogy két ember szeretheti-e egymást bármilyen más feltételekkel, mint a társadalom által rájuk kényszerítettek.
9. Paterson
Hirdetés
Mi lenne, ha lenne egy buszsofőr… aki verseket írna?! A Paterson naplója homályosan taszítóan hangzik, mintha mindannyiunkat meg kellene lepnie annak, hogy egy tömegközlekedési alkalmazottban egy kreatív ember rejtőzik. De Jim Jarmusch fenségesen laza vígjátékának első perceiben eltűnik a leereszkedés minden szaga, amely nagy őszinteséggel hisz a hétköznapi élet erényeiben – és tisztességében. Az egyetlen hét alatt kibontakozó Paterson a címszereplő New Jersey-i lakost (Adam Driver, aki a rendkívüli visszafogottság kegyelmi jegyeit találja meg) követi, amint munkába jár, együtt lóg őrült művész barátnőjével (Golshifteh Farahani), esténként ellátogat a helyi kocsmába, és talál szabadidejét arra, hogy firkáljon egy-egy strófát. A film szépsége nemcsak a hétköznapok szelíd ritmusában rejlik, hanem Paterson művészi folyamatáról alkotott elképzelésében is – abban, hogy minden érdekes emberben, helyzetben és részletben, amellyel találkozik, ihletet talál. Jarmusch, a hűvösség öregedő nagykövete számára ez a zen csúcspontja: a legbölcsebb, a legviccesebb, a legjobb.
8. Toni Erdmann
Hirdetés
Kicsit csaltunk itt, két filmet dobtunk egy helyre. Az egyik egy metsző, józan, néha kétségbeesett művészfilmdráma a vállalati szexizmussal való megküzdés kimerültségéről. A másik a szöges ellentéte: egy bolondos, felszabadult vígjáték egy csínytevő apáról, aki megpróbálja felvidítani feszült, munkamániás lányát. A párosítást azonban azzal indokoltuk, hogy mindkettőt ugyanaz a nő rendezte (Maren Ade német filmrendezőnő), ugyanazok a színészek ugyanazokat a karaktereket játsszák ugyanabban a narratívában, és mindkettőt zökkenőmentesen vágták össze egy közel háromórás szeriókomikus eposszá. Más szóval a Toni Erdmann (amely karácsonykor kerül bemutatásra New Yorkban és Los Angelesben, majd más városokban is) olyan hangszínskálát mutat be, amely Mariah Carey énekhangjával vetekszik… bár a film legemlékezetesebb jelenetét Whitney Houston ihlette. Az emberi viselkedés egyetlen aspektusa sem túl triviális ahhoz, hogy Ade szívszorító, abszurd, vagy valahogy egyszerre szívszorító és abszurd pillanatot varázsoljon belőle. Ez az a Rainer Werner Fassbinder/Adam Sandler keverék, amiről nem is sejtettük, hogy valaha is akartuk.
7. Érkezés
Hirdetés
Létezik-e Amy Adamsnél kifejezőbben reagáló arcú filmszínész? Lenyűgöző tud lenni, amikor egyszerűen csak olvas egy zaftos regényt az Éjszakai állatokban, vagy, mint a csodálatos Érkezésben, amikor azon töpreng, hogyan dekódoljon egy idegen nyelvet, miközben saját emlékezet- és időérzékelésével küzd. Adams elgondolkodtató, nem hivalkodó érzelemnyilvánításai tökéletessé teszik őt a pulp procedural és a művészi komolyság egyensúlyához, amellyel Denis Villeneuve az amerikai debütálása, a Foglyok óta bíbelődik. Ez a keverék tökéletes alkímiát ér el az Érkezés során, amely egy olyan karaktert követ – Adams nyelvész szakértőjét -, aki valószínűleg bármelyik gyengébb sci-fi filmben sétálós expozíciót adna. Ha már itt tartunk: Az év elején az idegenek inváziójának izgalma a Függetlenség napja című nem kívánt folytatással romlott: Resurgence (Feltámadás). Az Érkezés a maga párásan őszies operatőri munkájával és kedves, de nem erőltetett érzelmi horgokkal igazi feltámadásnak tűnik.
6. A szolgálólány
Hirdetés
Park Chan-Wook a mozi mesteri rangját éri el A szolgálólány című filmmel, amely az 1930-as évek Dél-Koreájába helyezi át Sarah Waters rejtett identitásokról és leszbikus szenvedélyekről szóló regényét, a Fingersmith-et, és közben rengeteg hitchcocki feszültséget ad hozzá. A tavalyi The Duke Of Burgundy-t idéző fetisiszta formalitással pazarul forgatott Park olyan érzéki élményt nyújt, mintha egy túlérett barackba harapnánk, és olyan perverz, mintha egy pár bőrkesztyű finoman simogatná a tarkónkat. Kim Tae-ri játssza Sook-hee-t, a fiatal zsebtolvajt, akit a látszólag védett japán nemesasszony, Lady Hideko (Kim Min-hee) alkalmaz; a terv az, hogy Sook-hee segít a szélhámos Fujiwara grófnak (Ha Jung-woo) – aki a valóságban sem nem gróf, sem nem japán – kicsalni Lady Hideko vagyonát. Ám ahogy szerelmi háromszögük egyre bonyolultabbá válik, világossá válik, hogy Hideko úrnő nem is olyan naiv, mint amilyennek látszik. A női főszereplők kiváló alakításai végigviszik a filmet a szédítő fordulatokon, amelyet a fekete komédia gonosz csíkja és az igaz szerelem erejébe vetett váratlan hit fűszerez.
5. Hell Or High Water
reklám
A modern Nyugatról alkotott vízió, amely a No Country For Old Men (Nincs ország a vénembereknek) mellé sorolható, a szokatlan, szórakoztató és elementáris Hell Or High Water valószínűtlen áttörést jelentett a tehetséges skót rendező, David Mackenzie (Young Adam, Starred Up) számára. Két bankrabló testvért üldöz néhány törvénytisztelő az erdőtüzekkel és árverésekkel tarkított tájon keresztül. Az 1970-es évek amerikai filmművészetének kreatív, vad napjait idéző Mackenzie rendezése tökéletes egyensúlyt teremt a nyugat-texasi környezet nyugodt hangulata és különcsége, valamint a szereplők feszültsége és kétségbeesése között; hosszú beállításai a pillanatba helyezik a nézőt, és sosem érződik hivalkodónak. A forgatókönyv (a Sicario forgatókönyvírója Taylor Sheridan) megérdemelt dicséretet kapott a dialógusaiért, de legalább ennyire lenyűgöző az a gazdag regényes szerkezet, amelyet egy meglehetősen egyszerű bűnügyi és üldözési történetnek ad. A film tele van hangulatos kitérőkkel, emlékezetes mellékszereplőkkel és a Nyugat lopási és kizsákmányolási örökségének erőteljes emlékeztetőivel, és egy olyan epilógusra épül, amely több mint megérdemli a helyét az év legjobb jeleneteinek listáján. És akkor még nem is említettük a szereplőket.
4. La La Land
Hirdetés
Egy csomó modern, eredeti filmmusical legalább annyira az elődök feelingjét idézi. Ez valamelyest igaz Damien Chazelle La La Land című filmjére is, a CinemaScope képaránnyal (Tarantino-szerű címlappal kiegészítve), a buja és álomszerű 35 mm-es színekkel, a Singin’ In The Rainre való vizuális utalásokkal és a The Umbrellas Of Cherbourgot idéző kodával. De Chazelle-nek valami olyan trükkös dolog sikerül, hogy az már-már varázslatnak tűnik: sajátjává teszi ezeket a próbaköveket, Emma Stone és Ryan Gosling pedig a filmcsillagok csillogásának és a valós világ sajnálatának koktélját nyújtja két feltörekvő előadóművész (egy jazzmester és egy színésznő) szerepében, akik egymásba szeretnek és megtalálják a hangjukat. Az utalások ellenére a La La Land nem hasonlít különösebben az Esőre vagy a Cherbourgra; a művészi ambíciók költségei és dicsősége iránti érdeklődése révén pezsgő társa Chazelle izgalmasan fergeteges Whiplash-jének. A zenei jelenetek hosszú beállításai nem azért vannak, hogy a közönség “lássa a táncot”, ahogy a régi közhely mondja, hanem hogy elvarázsolják a nézőt: A töretlen kameramozgások, bármennyire is öntudatosak, álomszerűbbé teszik a filmet. Még akkor is, amikor a történet fájdalmasan melankolikusra fordul, ez egy olyan álom, amiből nem biztos, hogy ki akarsz pattanni.
3. Zöld szoba
Hirdetés
A Zöld szobában van egy pillanat, amely soha nem mulasztja el, hogy kollektív zihálást okozzon bármelyik nappaliban vagy nézőtéren. Ez az a pillanat, amelyben egy dobozvágó kés, egy fedetlen has és a kétségbeesett hősök, egy hardcore banda, akik egy isten háta mögötti koncerthelyszín színpadán rejtőzködnek, miközben az ajtó túloldalán cápaként köröznek az erőszakos skinheadek. Jeremy Saulnier pokolian intenzív indie thrillere, amely a jófiúkat belülre, a rosszfiúkat pedig kívülre helyezi, mint az Assault On Precinct 13 punk-rock remake-je, nem kegyelmez sem a szereplőinek, sem a közönségnek. Az, hogy ez a művészi káosz egyszerre borzongatóan aktuálisnak és határesetesen katartikusnak tűnik, a Green Room ijesztő időzítésével függ össze – a politikailag felbátorodott gyűlöletkeltők új korszakában véletlenül a korszellem filmjévé vált. Ami azt jelenti, hogy még ha nincs is gyomrod a vérengzéshez, akkor is sötéten kielégítő – itt, most és mindig – látni, ahogy a nácik megkapják a megérdemelt kibelezést.
2. Holdfény
Hirdetés
Tágabb értelemben a Holdfényt nevezhetnénk filmnek “a feketeségről” vagy “a melegségről” vagy akár “arról, hogy Miami drogoktól sújtott Liberty City negyedében nőttek fel”. De Barry Jenkins író-rendező inkább prizmaként, mint lencseként kezeli az identitást Tarell Alvin McCraney előadás nélküli színdarabjának adaptációjában, a Holdfényben a Black Boys Look Blue-ban. Három, egymástól évnyi különbséggel játszódó, kísérteties vignettában Jenkins egy fiatalemberben, Chironban rejlő bonyolult késztetéseket és hatásokat vizsgálja, miközben egy barátságos drogos (Mahershala Ali gyönyörűen alakítja) útmutatást nyújt a srácnak, és egy szeretetteljes osztálytárs segít felébreszteni a szexualitását. A Holdfény pillanatról pillanatra kis léptékű. De különböző visszhangjai és visszahallgatásai olykor kedves, olykor szívszorító portrévá állnak össze valakiről, aki habozik megfogalmazni a vágyait.
1. Manchester By The Sea
Hirdetés
Bármilyen nehéz is volt 2016, jó eséllyel a legrosszabb nem hasonlítható ahhoz, ami Lee Chandlert, a visszahúzódó bostoni ezermestert, akit Casey Affleck alakít a Manchester By The Sea-ben, felemészti. Lee azért tért vissza tengerparti szülővárosába, hogy eltemesse idősebb testvérét, és ez csak a traumatikus jéghegy csúcsa ennek a megtört embernek, akinek lesújtó története úgy lebeg a film eseményei felett, mint viharfelhő Massachusetts vize felett. De minden szívfájdalom ellenére, ami átjárja, Kenneth Lonergan ambiciózus harmadik játékfilmje nem valami nyomorúságos vánszorgás: A Manchester By The Sea gyakran éppoly vicces, mint amennyire megrázó, hiszen Affleck karrierje legjobb alakítását nyújtja, aki az érzelmi elérhetetlenség meggyőzővé tételének herkulesi teljesítményét nyújtja. Ami a kedvenc filmünkké teszi egy kivételes évben, az az, ahogy Lonergan, a drámaíróból lett filmrendező, aki a Margaret és a Számíthatsz rám című filmek mögött áll, egy elképesztő méretű családi tragédiát a mindennapi élet hétköznapi szarságai közé helyezi. Még akkor is, amikor az operetthez nyúl, az apró emberi gyarlóságokra helyezi a hangsúlyt: egy temetésen megszólaló mobiltelefon; egy ki tudja, hol parkoló autó; egy tinédzser (Lucas Hedges, akinek sztárszerepben kellene kitörnie), akinek a gyászfolyamat nem foglalkoztatja jobban, mint az a kétségbeesett próbálkozása, hogy kettesben maradjon a barátnőjével. Egy olyan évben, amelynek végét sokan alig várták, a Manchester By The Sea nem amellett érvelt, hogy a végén minden rendben lesz – egyeseknek biztosan nem -, hanem amellett, hogy az életünkben lévő emberek az okai annak, hogy tovább küzdjünk, még akkor is, amikor a remény elveszettnek tűnik. Most, talán jobban, mint valaha, ez a részvétnyilvánítás jól jöhet.
Hirdetés