La peinture de champ de couleur est liée à l’abstraction post-peinture, au suprématisme, à l’expressionnisme abstrait, à la peinture hard-edge et à l’abstraction lyrique. Elle faisait initialement référence à un type particulier d’expressionnisme abstrait, notamment aux travaux de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb et à plusieurs séries de peintures de Joan Miró. Le critique d’art Clement Greenberg a perçu la peinture Color Field comme apparentée mais différente de la peinture d’action.
Une distinction importante qui rendait la peinture Color Field différente de l’expression abstraite était la manipulation de la peinture. La technique de définition la plus fondamentale de la peinture est l’application de la peinture et les peintres du Color Field ont révolutionné la façon dont la peinture pouvait être appliquée efficacement.
Le Color Field painting a cherché à débarrasser l’art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still, Adolph Gottlieb, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Friedel Dzubas et Frank Stella, entre autres, ont souvent utilisé des formats fortement réduits, avec un dessin essentiellement simplifié à des systèmes répétitifs et réglementés, des références basiques à la nature et une utilisation hautement articulée et psychologique de la couleur. En général, ces artistes éliminent l’imagerie ouvertement reconnaissable au profit de l’abstraction. Certains artistes ont cité des références à l’art passé ou présent, mais en général, la peinture en champ coloré présente l’abstraction comme une fin en soi. En poursuivant cette direction de l’art moderne, ces artistes voulaient présenter chaque peinture comme une image unifiée, cohésive, monolithique, souvent au sein de « séries » de types connexes.
Différente de l’énergie émotionnelle et des marques de surface gestuelles et de la manipulation de la peinture des expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning, la peinture Color Field est apparue initialement comme froide et austère. Les peintres du Color Field effacent la marque individuelle en faveur de grandes zones de couleur, plates, tachées et imbibées, considérées comme la nature essentielle de l’abstraction visuelle, ainsi que la forme réelle de la toile, que Frank Stella, en particulier, réalise de manière inhabituelle en combinant des bords courbes et droits. Cependant, la peinture Color Field s’est avérée être à la fois sensuelle et profondément expressive, bien que d’une manière différente de l’expressionnisme abstrait gestuel. Niant tout lien avec l’expressionnisme abstrait ou tout autre mouvement artistique, Mark Rothko a parlé clairement de ses peintures en 1956 :
Je ne suis pas un abstractionniste…. Je ne suis pas intéressé par la relation de la couleur ou de la forme ou quoi que ce soit d’autre. … Je ne m’intéresse qu’à l’expression des émotions humaines fondamentales – la tragédie, l’extase, le malheur et ainsi de suite – et le fait que beaucoup de gens s’effondrent et pleurent devant mes tableaux montre que je communique ces émotions humaines fondamentales. … Les personnes qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que moi lorsque je les ai peints. Et si, comme vous le dites, vous n’êtes ému que par leurs rapports de couleur, alors vous passez à côté de l’essentiel !
Peinture par tachesModifier
Joan Miró a été l’un des premiers peintres de taches et l’un de ceux qui ont eu le plus de succès. Bien que la coloration à l’huile ait été considérée comme dangereuse pour la toile de coton à long terme, l’exemple de Miró au cours des années 1920, 1930 et 1940 a été une source d’inspiration et d’influence pour la jeune génération. L’une des raisons du succès du mouvement Color Field est la technique de la coloration. Les artistes mélangeaient et diluaient leur peinture dans des seaux ou des boîtes à café pour obtenir un liquide fluide qu’ils versaient ensuite sur une toile brute non apprêtée, généralement du coton. La peinture pouvait également être appliquée au pinceau, au rouleau, jetée, versée ou pulvérisée, et se répandait dans le tissu de la toile. En général, les artistes dessinaient des formes et des zones au fur et à mesure de la coloration. De nombreux artistes ont utilisé la coloration comme technique de choix pour réaliser leurs peintures. James Brooks, Jackson Pollock, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Paul Jenkins et des dizaines d’autres peintres ont trouvé que le versement et la coloration ouvraient la porte à des innovations et à des méthodes révolutionnaires pour dessiner et exprimer le sens de manière nouvelle. Le nombre d’artistes qui ont pratiqué la coloration dans les années 1960 a considérablement augmenté avec la disponibilité de la peinture acrylique. La coloration de la peinture acrylique dans le tissu de la toile de canard en coton était plus bénigne et moins dommageable pour le tissu de la toile que l’utilisation de la peinture à l’huile.En 1970, l’artiste Helen Frankenthaler a commenté son utilisation de la coloration:
Lorsque j’ai commencé à faire les peintures de coloration, j’ai laissé de grandes zones de toile non peintes, je pense, parce que la toile elle-même a agi aussi fortement et aussi positivement que la peinture ou la ligne ou la couleur. En d’autres termes, le fond même faisait partie du médium, de sorte qu’au lieu de le considérer comme un arrière-plan, un espace négatif ou un endroit vide, cette zone n’avait pas besoin de peinture parce qu’il y avait de la peinture à côté. Il s’agissait de décider où la laisser et où la remplir, où dire que cela n’a pas besoin d’une autre ligne ou d’un autre seau de couleurs. C’est le dire dans l’espace.
Peinture au pistoletModifier
De manière surprenante, peu d’artistes ont utilisé la technique du pistolet à peinture pour créer de grandes étendues et des champs de couleur pulvérisés sur leurs toiles au cours des années 1960 et 1970. Parmi les peintres qui ont utilisé efficacement la technique de la peinture au pistolet, citons Jules Olitski, qui a été un pionnier dans sa technique de pulvérisation qui recouvrait ses grandes toiles d’une couche après l’autre de différentes couleurs, changeant souvent progressivement la teinte et la valeur dans une progression subtile. Une autre innovation importante a été l’utilisation par Dan Christensen d’une technique de pulvérisation d’un grand effet dans des boucles et des rubans de couleurs vives ; pulvérisés en marques calligraphiques claires sur ses peintures à grande échelle. William Pettet, Richard Saba et Albert Stadler ont utilisé cette technique pour créer des champs de couleurs multiples à grande échelle, tandis que Kenneth Showell a pulvérisé des toiles froissées pour créer l’illusion d’intérieurs abstraits de natures mortes. La plupart des peintres au pistolet étaient actifs surtout à la fin des années 1960 et dans les années 1970.
Les rayuresModifier
Les rayures étaient l’un des véhicules de couleur les plus populaires utilisés par plusieurs peintres Color Field différents dans une variété de formats différents. Barnett Newman, Morris Louis, Jack Bush, Gene Davis, Kenneth Noland et David Simpson, ont tous réalisé d’importantes « séries » de peintures à rayures. Bien qu’il ne les ait pas appelées rayures mais fermetures éclair, les rayures de Barnett Newman étaient principalement verticales, de largeurs variables et utilisées avec parcimonie. Dans le cas de Simpson et de Noland, leurs peintures à rayures étaient toutes principalement horizontales, tandis que Gene Davis peignait des peintures à rayures verticales et que Morris Louis peignait principalement des peintures à rayures verticales parfois appelées Pillars. Jack Bush avait tendance à faire des peintures à rayures horizontales et verticales ainsi que des peintures angulaires.
Magna paintEdit
Magna, une peinture acrylique à usage spécial pour les artistes a été développée par Leonard Bocour et Sam Golden en 1947 et reformulée en 1960, spécifiquement pour Morris Louis et d’autres peintres de taches du mouvement color field. Dans Magna, les pigments sont broyés dans une résine acrylique avec des solvants à base d’alcool. Contrairement aux acryliques modernes à base d’eau, Magna est miscible avec la térébenthine ou les essences minérales et sèche rapidement pour donner une finition mate ou brillante. Elle a été largement utilisée par Morris Louis et Friedel Dzubas, ainsi que par l’artiste pop Roy Lichtenstein. Les couleurs de Magna sont plus vives et plus intenses que celles des peintures acryliques à l’eau ordinaires. Louis a utilisé Magna à grand effet dans sa série Stripe, où les couleurs sont utilisées non diluées et sont versées sans mélange directement à partir de la boîte.
Peinture acryliqueModifier
En 1972, l’ancien conservateur du Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler, a déclaré :
Le champ de couleur, curieusement ou peut-être pas, est devenu une façon viable de peindre exactement au moment où la peinture acrylique, la nouvelle peinture plastique, est apparue. C’est comme si la nouvelle peinture exigeait une nouvelle possibilité de peindre, et que les peintres y parvenaient. La peinture à l’huile, dont le support est très différent, qui n’est pas à base d’eau, laisse toujours une nappe d’huile, ou une flaque d’huile, autour du bord de la couleur. La peinture acrylique s’arrête à son propre bord. La peinture en champ de couleur est apparue en même temps que l’invention de cette nouvelle peinture.
Les acryliques ont d’abord été mises sur le marché dans les années 1950 sous la forme de peintures à base d’alcool minéral appelées Magna proposées par Leonard Bocour. Les peintures acryliques à base d’eau ont ensuite été vendues comme peintures d’intérieur « latex », bien que la dispersion acrylique n’utilise aucun latex dérivé d’un arbre à caoutchouc. Les peintures d’intérieur au latex sont généralement une combinaison de liant (parfois acrylique, vinyle, pva et autres), de charge, de pigment et d’eau. Les peintures d’extérieur au « latex » peuvent aussi être un mélange de « copolymères », mais les meilleures peintures d’extérieur à l’eau sont 100 % acryliques.
Lorsque les liants acryliques à l’eau ont été introduits comme peintures d’intérieur, les artistes – dont les premiers étaient des muralistes mexicains – et les entreprises ont commencé à explorer le potentiel des nouveaux liants. Les peintures acryliques pour artistes peuvent être diluées avec de l’eau et utilisées comme lavis à la manière des peintures à l’aquarelle, bien que les lavis soient rapides et permanents une fois secs. Les peintures acryliques hydrosolubles de qualité artistique sont devenues disponibles dans le commerce au début des années 1960, proposées par Liquitex et Bocour sous le nom commercial d’Aquatec. Les peintures hydrosolubles Liquitex et Aquatec se sont avérées idéales pour la peinture au pinceau. La technique de coloration avec des acryliques hydrosolubles a permis aux couleurs diluées de couler et de tenir fermement dans la toile brute. Des peintres tels que Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Dan Christensen, Sam Francis, Larry Zox, Ronnie Landfield, Larry Poons, Jules Olitski, Gene Davis, Ronald Davis, Sam Gilliam et d’autres ont utilisé avec succès des acryliques à base d’eau pour leurs nouvelles peintures de taches, de champs de couleurs.
Héritage : influences et influencéEdit
L’héritage pictural de la peinture du XXe siècle est un long courant d’influences et d’interrelations complexes. L’utilisation de grands champs ouverts de couleurs expressives appliquées en portions picturales généreuses, accompagnées d’un dessin lâche (taches linéaires vagues et/ou contour figuratif) peut être observée pour la première fois dans les œuvres du début du 20e siècle à la fois d’Henri Matisse et de Joan Miró. Matisse et Miró, ainsi que Pablo Picasso, Paul Klee, Wassily Kandinsky et Piet Mondrian, ont directement influencé les expressionnistes abstraits, les peintres du Color Field de l’abstraction post-peinture et les abstractionnistes lyriques. Les Américains de la fin du XIXe siècle comme Augustus Vincent Tack et Albert Pinkham Ryder, ainsi que les premiers modernistes américains comme Georgia O’Keeffe, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove et les paysages de Milton Avery ont également constitué des précédents importants et ont influencé les expressionnistes abstraits, les peintres du Color Field et les abstractionnistes lyriques. Les tableaux de Matisse, Fenêtre à Collioure et Vue de Notre-Dame, tous deux datant de 1914, ont exercé une influence considérable sur les peintres américains de la série Color Field en général (y compris la série Open de Robert Motherwell), et sur les tableaux Ocean Park de Richard Diebenkorn en particulier. Selon l’historienne de l’art Jane Livingston, Diebenkorn a vu les deux tableaux de Matisse lors d’une exposition à Los Angeles en 1966, et ils ont eu un impact énorme sur lui et sur son travail. Jane Livingston dit à propos de l’exposition Matisse de janvier 1966 que Diebenkorn a vue à Los Angeles:
Il est difficile de ne pas attribuer un poids énorme à cette expérience pour la direction que son travail a prise à partir de ce moment-là. Deux tableaux qu’il a vus là-bas se répercutent dans presque toutes les toiles d’Ocean Park. View of Notre Dame et French Window at Collioure, toutes deux peintes en 1914, ont été exposées pour la première fois aux États-Unis.
Livingston poursuit en disant que Diebenkorn a dû vivre French Window at Collioure, comme une épiphanie.
Miró était l’un des artistes les plus influents du 20e siècle. Il a été le pionnier de la technique de la coloration ; créant des fonds nuageux flous et multicolores avec de la peinture à l’huile diluée tout au long des années 1920 et 1930 ; sur lesquels il a ajouté sa calligraphie, ses caractères et son abondant lexique de mots, et son imagerie. Arshile Gorky admirait ouvertement l’œuvre de Miró et peignait des tableaux semblables à ceux de Miró, avant de découvrir finalement sa propre originalité au début des années 1940. Au cours des années 1960, Miró a peint de grands champs rayonnants (à l’échelle de l’expressionnisme abstrait) de peinture vigoureusement brossée en bleu, en blanc et d’autres champs de couleurs monochromatiques, avec des orbes noirs flous et des formes calligraphiques semblables à des pierres, flottant au hasard. Ces œuvres ressemblaient aux peintures Color Field de la jeune génération. Le biographe Jacques Dupin a dit ceci à propos de l’œuvre de Miró du début des années 1960 :
Ces toiles révèlent des affinités – Miró ne cherche pas le moins du monde à le nier – avec les recherches d’une nouvelle génération de peintres. Nombre d’entre eux, dont Jackson Pollock, ont reconnu leur dette envers Miró. À son tour, Miró manifeste un vif intérêt pour leur travail et ne manque jamais une occasion de les encourager et de les soutenir. Il ne considère pas non plus qu’il est indigne d’utiliser leurs découvertes en certaines occasions.
S’inspirant d’autres modernistes européens comme Miró, le mouvement Color Field englobe plusieurs décennies, du milieu du XXe siècle au début du XXIe siècle. La peinture Color Field englobe en fait trois générations distinctes mais apparentées de peintres. Les termes couramment utilisés pour désigner ces trois groupes distincts mais apparentés sont l’expressionnisme abstrait, l’abstraction post-peinture et l’abstraction lyrique. Certains artistes ont réalisé des œuvres dans les trois époques, qui se rapportent à chacun des trois styles. Les pionniers du Color Field tels que Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, John Ferren, Adolph Gottlieb et Robert Motherwell sont principalement considérés comme des expressionnistes abstraits. Des artistes tels que Helen Frankenthaler, Sam Francis, Richard Diebenkorn, Jules Olitski et Kenneth Noland appartiennent à une génération légèrement plus jeune ou, dans le cas de Morris Louis, s’alignent esthétiquement sur le point de vue de cette génération ; ils ont commencé comme expressionnistes abstraits mais sont rapidement passés à l’abstraction post-peinture. Tandis que des artistes plus jeunes comme Frank Stella, Ronald Davis, Larry Zox, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Ronnie Landfield, Dan Christensen, ont commencé par l’abstraction post-peinture et ont finalement évolué vers un nouveau type d’expressionnisme, appelé abstraction lyrique. Bon nombre des artistes mentionnés, ainsi que beaucoup d’autres, ont pratiqué les trois modes à une phase ou une autre de leur carrière. Au cours des dernières phases de la peinture Color Field, les reflets de l’esprit du temps de la fin des années 1960 (où tout commençait à se relâcher) et l’angoisse de l’époque (avec toutes les incertitudes de l’époque) ont fusionné avec la gestalt de l’abstraction post-peinture, produisant l’abstraction lyrique qui combine la précision de l’idiome Color Field avec la malerische des expressionnistes abstraits. Au cours de la même période de la fin des années 1960 et du début des années 1970 en Europe, Gerhard Richter, Anselm Kiefer et plusieurs autres peintres ont également commencé à produire des œuvres d’une expression intense, fusionnant l’abstraction avec des images, incorporant l’imagerie paysagère et la figuration qui, à la fin des années 1970, a été désignée comme le néo-expressionnisme.