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May 2, 2016
Pablo Picasso, le père du cubisme, était célèbre pour son empressement à évoluer. Après avoir inventé le cubisme analytique en 1907, il aurait facilement pu continuer à peindre dans ce style pendant des décennies et rester riche et célèbre. Mais au lieu de cela, il a continué à expérimenter, contribuant à inventer ce qui est devenu le cubisme synthétique en 1911 en ajoutant au cubisme analytique une palette de couleurs plus étendue, de nouvelles textures, des formes plus simples, de nouveaux matériaux et en simplifiant l’utilisation du point de vue et du plan. De son invention jusqu’aux environs de 1920, le cubisme synthétique a été considéré comme le sommet de l’avant-garde. Il a élargi l’éventail des façons dont les peintres pouvaient explorer la réalité et a contribué à l’essor des dadaïstes, des surréalistes et même du Pop Art.
Le cubisme synthétique en 200 mots
Le cubisme synthétique a résulté d’un écart par rapport à ces mêmes techniques, dans une tentative de créer quelque chose d’encore plus réel. Picasso, Braque et le peintre Juan Gris ont réintroduit une gamme vibrante de couleurs dans leurs œuvres, réintroduit la profondeur et diminué le nombre de perspectives et de plans simultanés dans leur imagerie. Plus important encore, afin de donner le sens ultime de la réalité à leurs peintures, ils ont commencé à ajouter du papier, du tissu, du papier journal, du texte, et même du sable et de la saleté à leurs œuvres, tentant de mettre en jeu un sens total de l’essence de leur sujet.
Pablo Picasso – Nature morte au cannage de chaise, 1912, Huile sur toile cirée sur toile bordée de corde, 29 × 37 cm, Musée national Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Nouveaux matériaux et techniques
En 1912, Picasso crée l’œuvre d’art qui est considérée comme le premier exemple de collage, et un exemple déterminant du cubisme synthétique : Nature morte avec chaise-canne. L’œuvre est une représentation cubiste d’une table de café avec une sélection d’aliments, un journal et une boisson. En plus des médiums traditionnels, Picasso a ajouté à la surface du tableau une section du cannage de chaise en osier que l’on trouvait traditionnellement sur les chaises de café. Cet ajout apparemment anodin a eu d’énormes conséquences pour l’art moderne. Plutôt que de peindre une chaise, c’est une partie de chaise qui a été placée sur le tableau. Plutôt que de montrer quelque chose de plusieurs perspectives pour qu’il semble réel, Picasso a simplement mis la chose réelle, ou du moins une partie de celle-ci, directement sur l’œuvre.
Picasso a également ajouté du texte à cette pièce, en écrivant les lettres « JOU » sur une partie de la surface. Ce mot « Jou » pourrait littéralement être traduit par « jeu » en français, un fait qui a contribué au sentiment que beaucoup de gens ont que Picasso a voulu que le cubisme synthétique ajoute un sens de frivolité de retour dans l’art après le sérieux académique du cubisme analytique. Cependant, « JOU » pourrait aussi facilement avoir été conçu comme la première partie du terme français pour le journal quotidien, ou journal, une référence au fragment de journal vu dans l’image.
Bien qu’il ait réalisé une première en ajoutant ce bout de chaise-caning à sa pièce, Picasso n’était pas le premier cubiste à ajouter du texte à une peinture. En 1911, Georges Braque avait créé une œuvre intitulée Le Portugais, qui était la première œuvre cubiste à introduire des lettres. Le premier collage de Picasso et la première pièce textuelle de Braque témoignent d’un éloignement de la nature sérieuse et excessivement complexe de certaines de leurs œuvres cubistes analytiques ultérieures. Il y a une simplicité fantaisiste dans l’imagerie de ces œuvres. Les perspectives sont simplifiées et les images deviennent presque ludiques, semblables aux images anthropomorphes des images publicitaires.
Georges Braques – Le Portugais, 1911, Huile sur toile, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
En 1912, Braque innovera encore au moins deux fois. Cette année-là, il devient le premier peintre cubiste à ajouter du sable à une peinture afin d’ajouter des niveaux de texture et de profondeur à l’œuvre, et il devient également le premier à incorporer la technique connue sous le nom de papier colles, qui fait référence au collage de morceaux de papier découpés sur une surface. Ces deux techniques ont été utilisées dans son œuvre intitulée Fruit Dish and Glass. Dans cette peinture, il a appliqué des morceaux de papier peint découpés directement sur la surface et a ensuite ombré la pièce en utilisant de la peinture remplie de sable, ajoutant ainsi de la profondeur et de la texture à l’image.
Braque a également inclus du texte dans cette pièce, en utilisant les mots clairement définis et facilement lisibles « Ale » et « Bar ». Ces mots défient les lignes séparant l’imagerie publicitaire et le soi-disant grand art. La combinaison de ces trois techniques se révélera finalement une influence majeure sur les dadaïstes, qui s’appuient fortement sur le collage et le texte pour confondre et obscurcir les significations apparentes dans leurs œuvres et pour défier les notions bourgeoises de l’art.
Georges Braque – Coupe de fruits et verre, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Plans, formes, points de vue et couleurs
L’artiste le plus responsable de l’introduction de couleurs vibrantes dans le cubisme synthétique est le peintre cubiste espagnol Juan Gris. Gris a également utilisé un langage visuel considérablement simplifié qui démontre superbement le nombre réduit de points d’observation et l’utilisation simplifiée des formes et des plans qui définit le cubisme synthétique. Dans l’œuvre de Gris intitulée Journal et coupe de fruits, nous voyons tous ces éléments en jeu. Nous pouvons également voir dans cette même peinture plusieurs des raisons pour lesquelles le cubisme synthétique est souvent considéré comme le précurseur du Pop Art.
Ce n’est pas seulement que les cubistes synthétiques ont joué avec les notions de la ligne floue entre le petit et le grand art, et l’art et la publicité. Cette peinture évoque aussi étonnamment les points Ben-Day de Roy Lichtenstein, et semble préfigurer de manière presque identique la répétition, le placement des images et la palette de couleurs du buffle II de Robert Rauschenberg.
Robert Rauschenberg – Buffle II, 1964, Huile et encre sérigraphique sur toile. 96 x 72 in (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licensed by VAGA at Artists Right Society (ARS), New York
Les premières peintures cubistes analytiques avaient incorporé tant de points de vue différents que la complexité des images devenait presque impossible à démêler. Leur sujet semblait abstrait au point d’être méconnaissable : chaque point de vue était représenté par des formes géométriques distinctes sur un plan séparé et chaque plan semblait empilé sur les autres, puis aplati à nouveau. Et les formes géométriques utilisées dans les peintures cubistes analytiques semblaient parfois presque transparentes. Elles étaient peintes d’une manière qui démontrait la vitesse, la vibration et le mouvement. Elles représentaient différents moments de la journée, différents éclairages et différents points de vue.
Juan Gris – Journal et plat de fruits, 1916, Huile sur toile. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York
En réintroduisant une palette de couleurs vives dans les tableaux cubistes, Juan Gris a donné à ce style un sens du jeu et de l’excitation qui manquait à ces œuvres cubistes antérieures. Et le vocabulaire visuel simplifié de Gris présentait la notion que le cubisme pouvait atteindre ses objectifs d’une manière directe, simplifiée et esthétiquement agréable. Dans le tableau Le Violon de Gris, il accomplit le minimum absolu de points de vue, de formes et de plans pour pouvoir être considéré comme une œuvre cubiste. L’image qui en résulte semble davantage un exemple de la suggestion du cubisme que de sa définition rigoureuse.
Juan Gris – Le Violon, 1916, Huile sur panneau à trois plis, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Bâle
Synthétique : Another Word For Fake?
En ajoutant de l’écriture et des morceaux d’objets quotidiens dans leurs tableaux, Picasso, Braque et Gris s’efforçaient de se connecter avec un sens élargi de la réalité de leurs sujets. Mais en ajoutant ces éléments artificiels à leurs œuvres, ils créaient également quelque chose de manifestement irréel, différent de toutes les œuvres d’art cubistes précédentes. Parfois, ils peignaient même des formes qui ressemblaient à du collage, mêlant dans la même œuvre des éléments de collage imités et des éléments de collage réels. Ce nouveau style a été nommé Cubisme synthétique précisément pour cette raison, à cause de la nature artificielle des techniques utilisées par rapport au sérieux des œuvres cubistes qui avaient précédé.
Le Cubisme synthétique était plus symbolique que le Cubisme analytique. Il ne s’efforçait pas d’obtenir une vision exacerbée de la réalité quadridimensionnelle. Il s’efforçait plutôt d’obtenir une allusion à la réalité, mais d’une manière déformée. C’est une transformation qui a énormément contribué aux théories et aux recherches entourant le surréalisme.
Le cubisme synthétique a également remis en question les différences entre la peinture et la sculpture. Au lieu de décomposer l’image et de la réassembler à partir d’un certain nombre de perspectives différentes, le cubisme synthétique a assemblé l’image, la construisant à partir d’une surface plane en un objet multicouche, comme un objet tridimensionnel reposant sur une surface bidimensionnelle. De toutes ces façons, le Cubisme synthétique a abordé ses réalisations par le biais d’un paradoxe clair et intentionnel : en réalisant des œuvres toujours plus fausses, ils ont atteint quelque chose de toujours plus réel.
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