Portrait de maître Bill d’Arshile Gorky, 1929-1936. Huile sur toile.
En 1922, Gorky s’inscrit à la New School of Design de Boston, devenant finalement un instructeur à temps partiel. Au début des années 1920, il est influencé par l’impressionnisme, bien que plus tard dans la décennie, il produise des œuvres plus postimpressionnistes. À cette époque, il vit à New York et est influencé par Paul Cézanne. En 1925, Edmund Greacen, des Grand Central Art Galleries, lui demande d’enseigner à la Grand Central School of Art ; Gorki accepte et reste avec eux jusqu’en 1931. En 1927, Gorki rencontre Ethel Kremer Schwabacher et développe une amitié qui durera toute sa vie. Schwabacher fut sa première biographe. Gorky disait :
La matière de la pensée est la graine de l’artiste. Les rêves forment les poils du pinceau de l’artiste. Comme l’œil fonctionne comme la sentinelle du cerveau, je communique mes perceptions les plus intimes à travers l’art, ma vision du monde.
En 1931, Gorky a envoyé un groupe d’œuvres dont le prix allait de 100 à 450 dollars à la Downtown Gallery de New York. (Le nom de l’artiste était orthographié « Archele Gorki » dans les registres de la galerie. La plupart des œuvres de Gorki de cette période ne sont pas signées). La nature exacte de leur relation est inconnue. Mme John D. Rockefeller (Abby Aldrich Rockefeller) a acheté à la galerie une nature morte cézannesque de Gorki intitulée Fruit. Gorky a peut-être été présenté au galeriste par Stuart Davis qui y exposait régulièrement.
En 1933, Arshile Gorky est devenu l’un des premiers artistes employés par le projet artistique fédéral de la Works Progress Administration. Celui-ci comptera plus tard des artistes tels que Alice Neel, Lee Krasner, Jackson Pollock, Diego Rivera et Mark Rothko.
En 1935, Gorky signe un contrat de trois ans avec la Guild Art Gallery (37 West Fifty-seventh Street, New York). Co-propriété d’Anna Walinska et de Margaret Lefranc, mais financée et dirigée par Lefranc, la galerie organise la première exposition personnelle de l’artiste à New York, Abstract Drawings by Arshile Gorky.
Des peintures notables de cette époque comprennent Paysage à la manière de Cézanne (1927) et Paysage, Staten Island (1927-1928). À la fin des années 1920 et dans les années 1930, il expérimente le cubisme, pour finalement passer au surréalisme. Le tableau illustré ci-dessus, L’artiste et sa mère (vers 1926-1936), est un portrait mémorable, émouvant et novateur. Ses tableaux L’artiste et sa mère sont basés sur une photographie d’enfance prise à Van, où il est représenté debout à côté de sa mère. Gorki en a réalisé deux versions, l’autre se trouvant à la National Gallery of Art de Washington, DC. Le tableau a été comparé à Ingres pour la simplicité du trait et la douceur, à l’art funéraire égyptien pour la pose, à Cézanne pour la composition plane et plate, à Picasso pour la forme et la couleur.
Nighttime, Enigma, Nostalgie (1930-1934) sont la série d’œuvres complexes qui caractérisent cette phase de sa peinture. La toile Portrait de maître Bill semble représenter l’ami de Gorki, Willem de Kooning. De Kooning a déclaré : » J’ai rencontré beaucoup d’artistes – mais j’ai ensuite rencontré Gorki […]. Il avait un don extraordinaire pour faire mouche ; c’était remarquable. Je me suis donc immédiatement attaché à lui et nous sommes devenus de très bons amis. C’était agréable d’être des étrangers qui se rencontrent dans un endroit nouveau ». Cependant des publications récentes contredisent l’affirmation selon laquelle la peinture est de de Kooning mais est en fait un portrait d’un menuisier suédois que Gorky a appelé Master Bill et qui a fait quelques travaux pour lui en échange de Gorky lui donnant des leçons d’art.
Arshile Gorky travaillant sur Activités sur le terrain, un des panneaux de sa peinture murale Aviation à l’aéroport de Newark, pour le Federal Art Project, 1936
Lorsque Gorky a montré ses nouvelles œuvres à André Breton dans les années 1940, après avoir vu les nouvelles peintures et en particulier Le foie est le peigne du coq, Breton a déclaré que la peinture était « l’une des plus importantes peintures faites en Amérique » et il a déclaré que Gorky était un surréaliste, ce qui était le plus grand compliment de Breton. Le tableau a été présenté dans la dernière exposition des surréalistes à la Galerie Maeght à Paris en 1947.
Michael Auping, conservateur au Musée d’art moderne de Fort Worth, a vu dans l’œuvre un « drame sexuel tendu » combiné à des allusions nostalgiques au passé arménien de Gorky. L’œuvre de 1944 montre son émergence dans les années 1940 de l’influence de Cézanne et Picasso vers son propre style, et est peut-être sa plus grande œuvre. Elle mesure plus de six pieds de haut et huit pieds de large, et représente « un paysage abstrait rempli de panaches aqueux de couleur semi-transparente qui coalescent autour de formes hérissées, semblables à des épines, peintes en lignes noires fines et pointues, comme pour suggérer des becs et des griffes. »
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