En tant qu’artistes, nous passons une tonne de temps à perfectionner notre art.
Et puis, après des heures de travail sur une peinture, épuisés et face à une échéance, nous négligeons souvent la partie la plus importante du processus : photographier l’œuvre. Trop d’entre nous sont un peu perdus lorsqu’il s’agit des spécificités et se contentent de quelques clichés bâclés avant d’expédier l’œuvre.
Puisque les artistes sont tenus de soumettre leurs œuvres sous forme numérique pour les expositions, les subventions, les conférences et votre page de profil public, une bonne photographie offre la première impression de votre art et de votre professionnalisme.
Nous voyons fréquemment des artistes avec des œuvres d’art incroyables, mais dont les images sont prises dans des environnements peu éclairés et bâclés qui déforment l’œuvre d’art originale.
Savoir comment photographier correctement votre travail peut faire la différence entre être accepté à une exposition, ou gagner les faveurs d’un client important ou d’un directeur de galerie.
Nous avons rassemblé quelques directives pour photographier vos œuvres d’art afin que vous puissiez commencer à photographier vos œuvres d’art comme un pro.
Howard Sherman montre comment il documente son travail sur son compte Instagram. A droite « Edgy Community of Unconventional Types »
Accrochez votre œuvre d’art au mur
Nous voyons régulièrement des œuvres d’art photographiées adossées à un mur et prises sous un angle descendant. Trouvez un mur de couleur neutre (blanc, noir, gris) et accrochez votre œuvre à une hauteur où le milieu de votre pièce sera parallèle à l’endroit où se trouvera votre appareil photo – soit sur un trépied, soit reposant solidement sur une table ou une autre surface.
Éclairez correctement votre œuvre
Si vous photographiez votre œuvre à l’intérieur, faites-le dans une pièce avec beaucoup de fenêtres et de lumière naturelle. Certains artistes aiment également photographier leurs œuvres en extérieur lorsque le temps est nuageux ou couvert, car la lumière indirecte du soleil fournit le meilleur éclairage. La lumière naturelle peut être une belle façon de photographier votre travail, tant qu’elle est indirecte.
Si le temps ne coopère pas, ou si vous avez un délai à respecter tard dans la nuit, vous devrez mettre en place un kit d’éclairage. La bonne nouvelle est que vous n’avez pas à dépenser une tonne pour un décor professionnel si vous n’êtes pas prêt à investir dans un tel équipement.
Tout ce dont vous aurez besoin, c’est de deux lumières au minimum pour un travail en 2 dimensions. Nous avons utilisé des supports d’éclairage que vous voyez souvent dans les dortoirs (ceux avec trois ampoules réglables) ou des lumières à pince. Placez les lampes à mi-chemin entre l’appareil photo et la toile, à un angle de 45 degrés, en direction du mur (cela permet d’éliminer les ombres et les « points chauds » sur la peinture). Si vous avez des parapluies pour vos lumières, fixez-les maintenant.
Arthur Brouthers montre comment il utilise des panneaux blancs pour réfléchir la lumière et une pièce finie « Slipping II » sur son Instagram.
LIGHT HACK : Si vous n’avez pas de kit d’éclairage de qualité professionnelle, vous pouvez facilement hacker la diffusion de la lumière avec une feuille blanche ou un plastique blanc entre les lumières et votre travail. Cela permet de répartir uniformément la lumière. Alternativement, quelques feuilles de noyau de mousse blanche peuvent être mises en place pour simuler un effet de « lumière de râteau » où les lumières sont dirigées vers le noyau de mousse et le tableau blanc reflète la lumière vers la pièce.
Ajustez votre caméra et vos réglages
Une fois que votre œuvre d’art est fixée au mur, vérifiez deux fois que la caméra est réglée pour que l’objectif soit aligné avec le milieu de la peinture. Vous voulez positionner votre appareil photo de façon à ce que le cadre soit rempli de la plus grande partie du tableau, avec un peu d’arrière-plan que vous pourrez recadrer plus tard. Il est important pour de nombreux jurys de voir les bords des peintures pour avoir une idée de l’échelle.
L’ISO et l’ouverture de votre appareil photo sont très importants pour obtenir des images claires, nettes et lumineuses de votre œuvre d’art. L’ISO fait référence à ce que la vitesse du film a utilisé pour mesurer. Plus le chiffre est élevé, plus le film était sensible à la lumière et plus l’image était grossière. Dans ce cas, puisque nous voulons des images très nettes, nous voulons un ISO faible. Les photos de studio seront généralement prises à 100 ISO.
Le diaphragme de l’ouverture de votre appareil photo ajuste la quantité de lumière qui traverse l’objectif en rendant l’ouverture plus ou moins grande. Plus le chiffre est élevé, moins la lumière passe à travers. Avec un reflex numérique, la plage idéale pour photographier des œuvres d’art se situe entre f-8 et f-11.
TIP : réglez le minuteur de votre appareil photo sur quatre ou cinq secondes afin que l’appui sur le bouton de l’obturateur ne crée pas de tremblement dans votre image.
Touchez vos photos à la perfection
Il existe de nombreuses alternatives logicielles de retouche photo gratuites ou peu coûteuses qui vous permettront de minimiser les incohérences. Si Photoshop règne toujours en maître, Photoshop Elements ou Gimp permettent des fonctions de base comme la correction des couleurs, le recadrage et d’autres ajustements mineurs. Lightroom propose également un programme d’édition sur abonnement que les photographes professionnels ne jurent que par lui.
Il existe, bien entendu, de nombreuses nuances et astuces supplémentaires qui pourraient être ajoutées à ce guide initial. Cependant, si vous cherchez à améliorer vos photographies et à vous représenter de manière professionnelle sur votre page de profil public, il s’agit d’un excellent point de départ.
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