La décennie qui nous a donné l’internet commuté et la coupe « Rachel » reste l’une des époques les plus fertiles et les plus influentes dans le développement du cinéma d’horreur. Bien que les années 80 soient faciles à généraliser comme l’ère des slashers iconiques tels que Freddy et Jason, l’horreur des années 90 ne se prête pas à une catégorisation aussi commode.
De la déconstruction consciente du genre de Scream de Wes Craven à la montée en puissance du found-footage shocker engendré par The Blair Witch Project, l’originalité et la diversité étaient les marques de fabrique de l’horreur des années 90. Dans cette liste, nous nous penchons sur 20 films qui ont fait fuir le public des années 90 et qui continuent d’influencer le genre aujourd’hui.
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Audition
Réalisé par Takashi Miike, Audition de 1999 est un exercice éreintant de dépravation qui mettra les nerfs du plus blasé des amateurs d’horreur à rude épreuve. Ryo Ishibashi incarne Shigeharu Aoyama, un veuf solitaire qui, avec l’aide d’un ami producteur de cinéma, organise une série de fausses auditions pour trouver une nouvelle épouse. Il obtient beaucoup plus qu’il n’espère lorsque la mystérieuse Asami, interprétée avec une joie sadique par Eihi Shiina, remporte le « rôle ». À la fois raillé comme misogyne et salué comme un chef-d’œuvre féministe, Audition reste l’un des films d’horreur les plus controversés jamais réalisés.
Le Projet Blair Witch
L’un des films d’horreur les plus divisés de ces 21 dernières années, Le Projet Blair Witch inspire toujours un débat intense parmi les fans d’horreur. Conçue par les cinéastes Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, l’histoire de trois étudiants qui disparaissent alors qu’ils produisent un documentaire sur la légende d’une sorcière meurtrière a amené le public à s’interroger sur la réalité tout au long de l’été 1999, grâce à une campagne publicitaire multimédia qui présentait les événements du film comme véridiques. Bien que Le Projet Blair Witch ait été un succès retentissant, il s’est avéré être un albatros professionnel pour ses acteurs, en particulier pour la star Heather Donahue, qui a passé les années intermédiaires à prendre ses distances avec le film.
Dracula de Bram Stoker
Le réalisateur Francis Ford Coppola, récompensé par un Oscar et surtout connu pour Le Parrain, est revenu à ses racines d’horreur gothique avec Dracula de Bram Stoker en 1992. N’étant pas étranger au genre, puisque la première sortie grand public de Coppola est le thriller Dementia 13, produit par Roger Corman en 1963, le réalisateur promet qu’il s’agit de l’adaptation la plus fidèle du roman classique jamais réalisée au cinéma. Malgré cette promesse, le film de Coppola prend autant de libertés avec son matériau d’origine que les versions précédentes sur grand écran. Néanmoins, il s’agit d’un spectacle avec de superbes effets spéciaux en caméra cachée, des décors époustouflants et de brillantes performances de Gary Oldman et Anthony Hopkins dans les rôles respectifs de Dracula et de Van Helsing. Chef-d’œuvre imparfait (Keanu Reeves est lamentablement mal distribué dans le rôle de Jonathan Harker), Dracula de Bram Stoker est un visionnage essentiel pour les fans du vénérable vampire de la culture pop.
Candyman
Basé sur la nouvelle L’Interdit de Clive Barker, Candyman met en vedette Virginia Madsen dans le rôle de Helen Lyle, une étudiante diplômée qui fait des recherches sur les légendes urbaines et qui tombe sur une série de meurtres commis par un fantôme vengeur. Le tueur éponyme de Candyman, interprété par Tony Todd, est l’un des rares personnages emblématiques de l’horreur des années 90. Film de genre exceptionnellement réfléchi et intelligent, Candyman tire sa force de l’utilisation de l’horreur pour aborder de graves problèmes sociaux. Grâce au réalisateur Jordan Peele, les fans peuvent s’attendre au retour de Todd en tant que tueur à la main crochue dans ce qui est décrit comme une « suite spirituelle » plus tard cette année.
L’homme du cimetière (Dellamorte Dellamore)
Basé sur le roman Dellamorte Dellamore de l’auteur de bandes dessinées italien Tiziano Sclavi, l’homme du cimetière de 1994 est une prise surréaliste et étrangement philosophique sur le sous-genre du zombie. Réalisé par Michele Soavi, le film met en vedette Rupert Everett dans le rôle de Francesco Dellamorte (une sorte de prototype du populaire personnage de bande dessinée de Sclavi, Dylan Dog), le gardien surmené du cimetière de Buffalora qui, avec son assistant muet Gnaghi (François Hadji-Lazaro), doit faire face à l’assaut nocturne des morts-vivants. Une expérience cinématographique drôle, effrayante et, parfois, déroutante, Cemetery Man est sûr de satisfaire à la fois les fans d’euro-horreur artistique et de comédie de style Evil Dead.
Cronos
Premier long métrage du maître de l’horreur Guillermo del Toro, Cronos de 1993 met en vedette Federico Luppi dans le rôle de Jesús Gris, un antiquaire âgé et pieux qui découvre un dispositif médiéval pouvant conférer la vie éternelle caché dans la base d’une statue. Bien que le dispositif mécanique ressemblant à un scarabée confère à Gris une vitalité et une jeunesse nouvelles, il le condamne également à avoir faim de sang et à avoir une aversion pour la lumière du soleil. Avec l’aide de sa petite-fille (Tamara Shanath), Gris doit trouver un moyen d’inverser la malédiction et de garder l’appareil loin d’un homme d’affaires maléfique (Claudio Brook) qui veut absolument posséder son secret. Un film magistralement réalisé, Cronos est une prise unique sur le trope bien usé du vampire avec une mythologie fascinante qui lui est propre.
Dead Alive
Bien avant de porter la Terre du Milieu au grand écran, Peter Jackson était le principal pourvoyeur néo-zélandais de comédies d’horreur à petit budget et dégoûtantes. L’apogée de la période d’éclaboussures de Jackson, qui comprend le film d’invasion extraterrestre Bad Taste et la comédie musicale de marionnettes de très mauvais goût Meet The Feebles, est le film Dead Alive de 1992. Sorti sous le nom de Braindead dans le pays d’origine du réalisateur, Dead Alive met en scène Timothy Balme dans le rôle du gentil Lionel Cosgrove, un jeune homme consciencieux qui s’occupe de sa mère âgée, Vera (Elizabeth Moody). Lorsque la morsure d’un singe-rat de Sumatra transforme Vera en une goule assoiffée de sang, Lionel doit faire face à une véritable épidémie de zombies. Avec des effets spéciaux nauséabonds, l’utilisation inspirée d’outils de jardin et un prêtre combattant au kung-fu qui « botte le cul pour le Seigneur », Dead Alive est un chef-d’œuvre macabre d’horreur burlesque.
L’Exorciste III
Largement inapprécié au moment de sa sortie en 1990, L’Exorciste III est depuis devenu un classique culte vénéré. Écrit et réalisé par l’auteur William Peter Blatty, adapté de son roman Legion de 1983, le troisième volet de la série des Exorcistes met en scène George C. Scott dans le rôle du détective William Kinderman, un personnage relativement mineur dans le premier film, qui enquête sur une série de meurtres qui ressemblent étrangement à des crimes commis par un tueur en série mort depuis longtemps. Marqué seulement par une séquence d’exorcisme imposée par le studio, le film de Blatty est rythmé de manière experte, magnifiquement filmé et rempli de performances étonnantes de Scott et de ses co-stars Ed Flanders, Jason Miller et Brad Dourif. Contemplation morose de la foi face à un monde violent et indifférent, L’Exorciste III est un film intelligent et dérangeant, digne de ses célèbres prédécesseurs.
From Dusk Till Dawn
Quentin Tarantino et Robert Rodriguez surfaient sur la vague des superstars du cinéma indépendant lorsqu’ils ont uni leurs forces pour leur opus vampirique mexicain de 1996, From Dusk Till Dawn. Réalisé par Rodriguez à partir du scénario de Tarantino, From Dusk Till Dawn commence comme une histoire criminelle typiquement tarantino sur deux braqueurs de banque en fuite, qui se transforme en un film d’horreur de survie hyperviolent à la moitié de sa durée. Bourré des dialogues de Tarantino et des mouvements de caméra cinétiques de Rodriguez, From Dusk Till Dawn n’est jamais à la hauteur des promesses de son équipe créative ou de sa distribution exceptionnelle dirigée par George Clooney et Harvey Keitel. Néanmoins, c’est un festin visuel pour les fans d’action et de gore et une variation unique sur le mythe du vampire.
Dans la bouche de la folie
Le pastiche lovecraftien de John Carpenter, Dans la bouche de la folie, est le troisième et dernier chapitre de la « trilogie de l’apocalypse » thématiquement liée du réalisateur, qui comprend également The Thing de 1982 et Prince des ténèbres de 1987. Sam Neil incarne l’enquêteur d’assurance John Trent, engagé par une maison d’édition pour enquêter sur la disparition mystérieuse de son client vedette, l’auteur de romans d’horreur Sutter Cane (Jürgen Prochnow). Au fur et à mesure que Trent se rapproche des sinistres secrets de l’écrivain, il découvre que la fiction se mêle à la réalité dans une intrigue ancienne dont les conséquences sont terribles pour toute l’humanité. Inspiré par H.P. Lovecraft, In The Mouth Of Madness capture le ton hallucinant, l’atmosphère oppressante et l’effroi existentiel général de l’horreur cosmique brevetée du défunt auteur de pulps bien mieux que la plupart des adaptations directes de son œuvre.
L’Échelle de Jacob
Tim Robbins est Jacob Singer, un vétéran du Vietnam aux prises avec des hallucinations bizarres et des trous dans le temps, dans le choquant Jacob’s Ladder d’Adrian Lyne, réalisé en 1990. Dans l’un des films d’horreur les plus troublants des années 90, Lyne élabore avec brio une puissante métaphore du syndrome de stress post-traumatique à partir d’images à la fois sacrées et surréalistes. Implacable dans son barrage de séquences hallucinogènes terrifiantes, L’Échelle de Jacob est un film d’horreur difficile qui exige beaucoup de son public mais offre une expérience cinématographique complètement sinistre, émotionnellement épuisante et finalement satisfaisante. Recherchez l’original et évitez le remake édenté et totalement inutile de 2019.
Misery
Misery, sorti en 1990, s’impose comme l’une des meilleures adaptations cinématographiques jamais réalisées d’un roman de Stephen King. Réalisé par Rob Reiner, qui avait déjà connu un succès avec une histoire de King dans Stand By Me en 1986, Misery met en scène James Caan dans le rôle de Paul Sheldon, l’auteur d’une série de pot-boilers victoriens à succès mettant en scène l’héroïne Misery Chastain, inspirée de Jane Eyre. L’écrivain, désireux de laisser derrière lui sa création la plus populaire pour des aspirations littéraires plus sérieuses, décide de mettre fin à la série avec la mort de Misery. Après un accident presque fatal sur une route enneigée, Sheldon, gravement blessé, est secouru par sa « fan n°1 » autoproclamée, Annie Wilkes. Wilkes, interprétée par Kathy Bates dans une performance délicieusement dérangée qui lui a valu un Oscar, s’occupe d’abord de l’auteur blessé. Cependant, lorsqu’elle découvre que Sheldon a tué sa bien-aimée Misery, Wilkes déchaîne sa colère psychotique sur l’auteur infirme.
Nightbreed
Nightbreed, écrit et réalisé par Clive Barker à partir de sa novella Cabal de 1988, est une sublime dark fantasy qui bouleverse le paradigme standard de l’horreur en faisant de ses monstres de nobles héros confrontés à l’extermination par des humains diaboliques. Souffrant de l’indifférence des studios et d’une campagne publicitaire horriblement malavisée, le film a été accueilli par des critiques désastreuses et des recettes médiocres à sa sortie en 1990. Comme tous les grands films cultes, Nightbreed a lentement trouvé son public et a été réévalué comme un classique du genre, grâce à la sortie tant attendue en 2014 du montage approuvé par Barker. Parabole tordue pour les marginaux et les inadaptés, la riche mythologie et le sous-texte subversif de Nightbreed font du récit de Barker une fable gothique pour les âges.
Night Of The Living Dead
Réalisé par le maître des effets de maquillage Tom Savini et écrit par le créateur George A. Romero, Night Of The Living Dead de 1990 est le seul remake autorisé (et digne) du classique révolutionnaire de 1968. Bien que l’interférence du studio ait compromis la grande vision de Savini pour réinterpréter le chef-d’œuvre de Romero, le produit final atteint exactement les bonnes notes en développant le principe du film original avec des personnages plus clairement réalisés. Le changement le plus radical (et le plus apprécié) est la Barbara actualisée de Patricia Tallman, qui est loin de l’état d’esprit quasi-catatonique dépeint par Judith O’Dea dans le film de 1968. Une femme badass dans la tradition d’Ellen Ripley d’Alien, la Barbara des années 90 ajoute une autre couche de sous-texte à l’utilisation célèbre du genre par Romero comme allégorie sociopolitique.
Les gens sous l’escalier
Parmi les nombreux grands réalisateurs de genre qui ont construit leur réputation dans les années 70, le regretté Wes Craven était sans doute le seul à maintenir à la fois un haut niveau de prolifération et de qualité tout au long des années 90. The People Under The Stairs figure parmi les meilleurs films de Craven dans les années 90. Succès surprise du public en 1991, le film met en scène Brandon Adams dans le rôle de Fool, un enfant de 12 ans qui se laisse convaincre d’aider un couple de petits criminels à voler les riches Mommy et Daddy Robeson, incarnés respectivement par Wendy Robie et Everett McGill de Twin Peaks. Cependant, les rêves d’argent facile des escrocs en herbe sont réduits à néant lorsqu’ils découvrent par hasard le terrifiant secret du couple. Satire pointue du capitalisme tardif et du conservatisme reaganien, The People Under The Stairs est un superbe mélange de comédie noire et d’horreur qui reste d’actualité près de 30 ans après sa sortie.
Ringu
Une vidéo maudite entraîne des conséquences mortelles pour tous ceux qui la visionnent dans Ringu de Hideo Nakata. Basé sur le roman éponyme de Koji Suzuki (1991), Ringu a connu un succès fulgurant au box-office dans son pays natal, le Japon, et a déclenché un tsunami de suites, de remakes et de mangas. La popularité de Ringu, qui a suscité une fascination mondiale pour l’horreur asiatique, a attiré l’attention d’Hollywood, ce qui a donné lieu à l’excellent remake occidentalisé de 2002, The Ring, du réalisateur Gore Verbinski. Bien que l’utilisation horrifiante du yūrei du folklore japonais, le fantôme pâle aux cheveux filasses qui apparaît sous diverses formes dans la plupart des films d’horreur japonais, soit devenue un cliché du genre, le pouvoir d’effroi de Ringu n’a pas diminué. Si vous n’avez vu que le remake, vous vous devez de chercher le film qui a terrifié la moitié du monde.
Scream
Le réalisateur Wes Craven a bouleversé le genre même qu’il a contribué à créer avec Scream en 1996. Écrit par Kevin Williamson, qui allait plus tard décrocher l’or de la télévision avec son succès de coming-of-age Dawson’s Creek, Scream est l’ultime déconstruction post-postmoderne du sous-genre du slasher. Premier film de ce type à énoncer ouvertement les règles tacites des films d’horreur, le film de Craven se délecte à examiner les conventions du genre dans le contexte de personnages conscients du rôle de l’horreur dans la culture populaire. En dehors de la richesse de son sous-texte, Scream fonctionne également comme un film d’horreur brillant et efficace. Bien que l’intention de Craven et Williamson ait été d’enterrer le film slasher sous l’absurdité de ses tropes souvent misogynes, Scream a néanmoins ouvert les vannes d’une nouvelle vague de slashers à la fin de la décennie.
Le Silence Des Agneaux
Spiré du roman à succès de Thomas Harris paru en 1988, Le Silence Des Agneaux met en scène Jodie Foster dans le rôle de Clarice Starling, agent débutante du FBI, chargée d’enquêter sur un tueur en série sadique connu sous le nom de Buffalo Bill. Dans l’espoir de mieux comprendre les méthodes du tueur, Starling fait appel au Dr Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), un meurtrier et cannibale emprisonné. Lecter, ancien psychiatre et maître manipulateur, accepte d’aider la désespérée Starling, mais elle découvre bientôt que le prix de l’aide du brillant sociopathe pourrait être sa propre santé mentale. Seul film d’horreur à avoir remporté l’Oscar du meilleur film, Le Silence des agneaux a également valu à Foster et Hopkins l’Oscar du meilleur acteur. Parfaitement rythmé et magnifiquement interprété, Le Silence Des Agneaux est un thriller psychologique quasi parfait.
Le Sixième Sens
Près de deux décennies après sa sortie en 1999, Le Sixième Sens reste le meilleur film du réalisateur M. Night Shyamalan, le plus cohérent. Haley Joel Osment incarne Cole Sear, un jeune garçon perturbé qui a le pouvoir de communiquer avec les morts. Accablé par des visions obsédantes de défunts, Cole trouve du réconfort auprès du psychologue pour enfants Malcolm Crowe (Bruce Willis) qui, malgré ses propres démons, est déterminé à aider le garçon à comprendre son don. Le Sixième Sens a été un énorme succès, tant auprès des critiques que du public, se classant deuxième derrière Star Wars : Episode I – La Menace fantôme en termes de recettes totales au box-office. Doté de l’un des rebondissements les plus choquants du cinéma, le film de Shyamalan est un film d’horreur marquant que, malheureusement, son réalisateur talentueux n’a pas encore égalé.
Tremors
Un amusant retour aux films de monstres en voiture des années 50, Tremors, sorti en 1990, met en vedette Kevin Bacon et Fred Ward dans le rôle des bons vieux garçons Val et Earl, dont le projet d’échapper à leur vie ennuyeuse dans la ville déserte sans avenir de Perfection, au Nevada, est contrecarré par l’invasion soudaine de vers de sable géants mangeurs d’hommes. Se déroulant presque entièrement en plein jour, Tremors est une extravagance d’effets spéciaux qui ne s’appuie jamais sur l’obscurité et les ombres pour masquer ses monstres. Les menaçants vers de sable du film, surnommés « graboïdes » en raison de leur habitude d’attraper les victimes sans méfiance par le bas, sont des merveilles de magie des effets pratiques, avec un poids et une menace absents des films de créatures en images de synthèse des deux dernières décennies. Avec un casting de soutien engageant qui comprend la star de la musique country Reba McEntire et le père de la sitcom des années 80 Michael Gross dans le rôle de survivants mariés et armés de mitraillettes, Tremors est une course à sensations fortes sur celluloïd, remplie d’action, de suspense et de rires.